Críticas salvajes en una jungla de temas…

CRÍTICA | CINE | Wind river

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Director: Taylor Sheridan
Duración: 1h 47 minutos.
Casting: Jeremy Renner y Elizabeth Olsen

9

Suspenso helado…


Wind River es uno de los mejores thrillers que ha dado el cine en las últimas décadas. A la altura de películas como Prisioneros y Sicario, pero con un plus de verosimilitud que la envalentona, la propuesta orquesta perfectamente el suspenso, la acción y el drama, redondeando una experiencia excepcional.

Lo mejor:
- diálogos precisos y contundentes
- escenas de acción sorpresivas e impactantes
- clima de suspenso constante




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CRÍTICA | CINE | Spiderman Homecoming

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Director: David Leitch
Duración: 1h 55 minutos.
Casting: Charlize Theron, James McAvoy y John Goodman

7

Espionaje pop…


Como película de espionaje, Atomic Blonde es caótica, entreverada y, en el mejor de los casos, mediocre. Como película de acción, sin embargo, es sinceramente brillante. En el híbrido de esa bipolaridad hay una experiencia entretenida y disfrutable que tal vez no sea memorable, pero definitivamente vale la pena.

Lo mejor: un plano secuencia de acción interminable que merece el aplauso de hasta Paul Greengrass
Lo peor: un guion demasiado rebuscado




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CRÍTICA | CINE | Blade Runner 2049

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Director: Denis Villeneuve
Duración: 2h 43 minutos.
Casting: Ryan Gosling, Ana de Armas, Harrison Ford, Jared Leto y Robin Wright

8.5

La secuela perfectista…


Si bien Blade Runner 2049 es minuciosamente fiel a la premisa original, tanto en lo estético como en lo conceptual, es una película con identidad propia; una identidad con envase conocido, pero con alma renovada. Ridley Scott, hace ya 35 años, cambió el cine de ciencia ficción para siempre y Denis Villeneuve, un gran aprendiz de brujo, logró perfeccionarlo.

La secuela de Blade Runner es probablemente uno de los mejores exponentes de ciencia ficción noir de la historia del cine, superando incluso a su predecesora. A ritmo pausado, entre escenarios lúgubres y tonos apagados, esta continuación sabe construir un policial contundente, gracias a un guión efectivo y gratificante a nivel argumental. Así y todo, y seguramente no sea una coincidencia, las resoluciones son abruptas y precipitadas, al igual que en la versión previa.

Narrativamente, Blade Runner 2049 es poco ortodoxa en su conclusión, lo que puede gustar más o menos al espectador, dependiendo de sus expectativas. En todo lo demás, podría decirse que es una secuela superadora. Imperdible para todo aficionado al género.





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CRÍTICA | CINE | Baby Driver

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Director: Edgar Wright
Duración: 1h 52 minutos.
Casting: Ansel Elgort,, Jon Hamm, Jamie Foxx, Eiza González y Kein Spacey.

8

Acción a ritmo de videoclip…


Baby driver es una revolución de subgénero; una “heist movie” de narrativa alternativa, que construye su trama a partir de una premisa original y entretenida.

Lo mejor:
+ Excelente cinematografía
+ Escenas de acción sorpresivas e impactantes
+ Personajes eximiamente logrados
+ Muy buena edición musical

Por qué no más de 8? Incurre en resoluciones triviales y apresuradas







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CRÍTICA | CINE | Dunkirk

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Director: Christopher Nolan
Duración: 1h 46 minutos.
Casting: Fionn Whitehead, Damien Bonnard, Aneurin Barnard y muchos otros

9

Rescatando a 400.000 Ryans…


Dunkirk es una experiencia bélica intensa, inmersiva y eximiamente narrada. También es una prueba más -como si hiciera falta- de que Nolan es uno de los mejores directores de la historia del cine. Imprescindible.








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CRÍTICA | CINE | Get out

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Director: Jordan Peele
Duración: 1h 44 minutos.
Casting: Daniel Kaluuya, Allison Williams, Catherine Keener y Bradley Whitford

8

Horroroso racismo…


Es difícil hacer una crítica exhaustiva de Get out sin incurrir en spoilers, por lo que voy a ser breve y sintético: es, sin lugar a dudas, uno de los exponentes más originales y efectivos en su género en años, a la par de Don´t Breathe.

Misteriosa, oscura y por momentos aterradora, Get out incomoda al espectador de principio a fin con una trama inesperada y personajes inquietantes, recurriendo fundamentalmente al suspenso y al terror, aunque de tanto en tanto incorpora también alguna que otra dosis de humor.

Quizás no se trate de una perla del cine, pero en un género ajado y repetitivo, propuestas como estas revitalizan a la audiencia. Get out merece verse, sin lugar a dudas.








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CRÍTICA | CINE | Brimstone

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Director: Martin Koolhoven
Duración: 2h 28 minutos.
Casting: Guy Pearce y Dakota Fanning

6.5

Western clase A con algunas escenas clase b


Brimstone es un atípico western, extremadamente oscuro y visceral, que a pesar de estar eximiamente guionado y dirigido, cae en contados momentos en crasos errores narrativos que terminan desvirtuando la experiencia. Si no fuera por éstos, podría haber sido uno de los mejores exponentes de su género en mucho tiempo, pero lamentablemente no es el caso.

La historia de Brimstone se va revelando deliciosamente en capítulos, con enormes dosis de un suspenso que lindera el terror. La cinematografía es impecable, al igual que las actuaciones, pero quizás sea el guion el componente más destacable de un filme que sorprende al espectador intensamente de principio a fin. Es una propuesta a la que no le falta nada para ser excelente; pero sí le sobra. Le sobran 3 escenas puntuales, no más que eso, apenas 5 minutos de cinta importados de lo peor del cine clase b y que deterioran la experiencia notablemente.

Brimstone hace todo bien, pero cae en resoluciones argumentales innecesarias que arruinan parcialmente la película. Creo, de cualquier manera, que vale la pena ser vista. La sensación final de saber que podría haber sido mucho mejor será inevitable, pero el trayecto es enormemente disfrutable.






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CRÍTICA | CINE | Split

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Director: M. Night Shyamalan
Duración: 2h 13 minutos.
Casting: James McAvoy y Anya Taylor-Joy

3

La última pavada de Shyamalan


A M. Night Shyamalan una vez se le cayó una buena idea con Sexto Sentido (para mi gusto, mal ejecutada) y luego nunca más pudo recuperar el rumbo. Lamentablemente, Split no es una reversión de esa tendencia, sino más bien una confirmación.

La fórmula continúa siendo la misma. Las películas de Shyamalan se construyen sobre bases sólidas de misterio y apelan al suspenso como hilo conductor, pero en el trámite de iniciar la conclusión derrapan narrativamente y giran hacia el absurdo, en el mejor de los casos. Es difícil entender los motivos por los cuales el director continúa esforzándose en sorprender al espectador con giros radicales e insensatos, pero evidentemente es más fuerte que él. Esta necesidad impetuosa de impacto genera un alto contraste en la percepción de una historia que, en el caso de Split, comienza como una interesante y adulta propuesta y termina siendo una pavada sobrenatural, que podría haber sido escrita por un pre adolescente.

El cine de Shyamalan no es serio ni armonioso; es eternamente ensayístico y banal. Lo único bueno de Split es la gran interpretación de McAvoy y nada más. Todo lo demás es vergüenza ajena, como pocas veces uno la experimenta en el cine.






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CRÍTICA | CINE | Patriot´s day

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Director: Peter Berg
Duración: 2h 13 minutos.
Casting: Mark Walhberg, John Goodman, JK Simmons, Kevin Bacon y otros

8.5

Los patriotas de Boston


Como parte de su ya manifiesta cruzada por llevar a la pantalla grande historias verídicas recientes (siempre usando a Walhberg como protagonista), Peter Berg se mete esta vez en las entrañas de Boston para contar, con lujo de detalles, los hechos acaecidos en dicha ciudad en 2013, en que dos hermanos fundamentalistas conmocionaron a la sociedad con un violento atentado en el último tramo de una tradicional maratón.

Patriot´s Day reafirma lo ya sabido: Peter Berg es uno de los directores más talentosos y perfeccionistas de su generación, de esos que se involucran en el proyecto desde la incepción literaria hasta la sala de edición. Como resultado, la película se destaca en múltiples aspectos, que básicamente pueden resumirse en 2: el narrativo, con un guión brillantemente esquematizado y el cinematográfico, con variados recursos de dirección, entre los que predomina la cámara en movimiento y una soberbia edición.

Como si las virtudes de la cinta fueran pocas, cabe mencionar que el reparto es espectacular, con grandes nombres dando cuerpo a protagonistas no estelares y con Mark Walhberg liderando el hilo argumental, quien básicamente hace lo suyo. No es un misterio del cine el idilio entre Berg y Walhberg, sino más bien una relación conveniente y simbiótica. El actor produce y protagoniza los proyectos del director, aportando dinero y audiencia.

Patriot´s day es una imperdible versión de lo ocurrido en Boston en 2013, narrada excepcionalmente a través de múltiples personajes y filmada con muchísimo talento. Quizás fue pormenorizada por su evidente tinte patriótico, pero para mi gusto es imperdible.






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CRÍTICA | CINE | Allied

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Director: Robert Zemeckis
Duración: 2h 04 minutos.
Casting: Brad Pitt y Marion Cotillard

8

Los espías amantes


Allied no fue del todo bien recibida por la crítica, quizás por ser una pieza que no aporta demasiada novedad ni sustancia al cine contemporáneo. La cinta es, sin embargo, otra clase magistral de cine por parte de Zemeckis, quien entretiene a su audiencia con una muy buena historia de espías.

Ambientada en la segunda guerra mundial, Allied no tiene tiempos muertos en materia narrativa. Es una propuesta ágil, que introduce a sus protagonistas de inmediato y avanza sobre la historia a paso acelerado. En ese trayecto, el director incursiona en múltiples géneros, logrando una alquimia fílmica verdaderamente efectiva, a veces opacada por la poco inspirada actuación de Brad Pitt, pero siempre rescatada por la habilidad cinematográfica de un director que maneja las cámaras y la edición como pocos en la historia de la industria.

Con acción, aventuras, suspenso y romance, Allied es una sólida y bien balanceada propuesta en el universo del espionaje. Probablemente no sea nada nuevo, pero como entretenimiento está muy por encima del promedio en su género.




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CRÍTICA | CINE | The Accountant

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Director: Gavin O´Connor
Duración: 2h 08 minutos.
Casting: Ben Affleck, Anna Kendrick y JK Simmons

6

El súpercontador autista


The Accountant es una propuesta inusualmente compleja en su género, porque intenta combinar narrativa y acción en una alquimia difícil de lograr en la pantalla grande. El resultado es mixto. Si bien no se trata de una mala película, queda la sensación de que podría haber sido mejor.

A veces más termina siendo menos. En su intento por buscar originalidad, The Accountant cae en el exceso de pretensiones y en su tramo final pierde contundencia con resoluciones banales y giros bruscos, echando por tierra gran parte del desarrollo inicial. Incluso así, es justo decir que la propuesta logra introducir y dar cuerpo a su protagonista exitosamente, acaparando la atención del espectador durante casi tres cuartos de película. Pero la multiplicidad de personajes y sub-tramas terminan conspirando contra la historia y el relato se precipita hacia una conclusión vaga e inverosímil.

The Accountant está, durante más de la mitad de su duración, muy por encima del promedio en el género y en su conclusión se desploma. Hay un alto contraste en su guión entre la introducción, el nudo y su desenlace, lo que finalmente termina restándole puntaje y disminuyendo su calidad. El saldo no es necesariamente malo, pero deja un sinsabor. Lo que podría haber sido una muy buena película de acción, termina apenas siendo un mero entretenimiento.



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CRÍTICA | CINE | Hell or high water

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Director: David Mackenzie
Duración: 1h 42 minutos.
Casting: Chris Pine, Ben Foster y Jeff Bridges

6

Neo western antropológico


Hell or High Water no es el típico western moderno, sino más bien una excusa para examinar minuciosamente a un sector de la sociedad norteamericana. En ese sentido es una película profunda e interesante, pero no extraordinaria. De hecho, y muy a pesar de que la crítica en general la haya aclamado, lo único extraordinario acerca de esta propuesta es su gran reparto.

La voracidad financiera, el racismo y la violencia (en especial, el libertinaje en el uso de armas de fuego) son temas comunes en el trámite narrativo. Hell or High Water posee alguna que otra buena escena de acción, pero su compromiso no es el entretenimiento sino una mirada introspectiva dentro de la sociedad texana contemporánea. El resultado no es malo, pero se encasilla dentro de esas películas en las que el hilo conductor carece de contundencia.

Más allá de su evidente costado antropológico, como ficción, Hell or High Water apenas cumple gracias a sus excelentes protagonistas y a una cinematografía correcta. Es una propuesta interesante desde lo temático, pero narrativamente estéril.



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CRÍTICA | CINE | Don´t breathe

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Director: Fede Álvarez.
Duración: 1h 28 minutos.
Casting: Stephen Lang, Jane Levy y Dylan Minnette..

8

Suspenso que quita el aliento.


Entre los múltiples desafíos que propone el cine contemporáneo, la originalidad dentro del género suspenso es sin dudas uno de los más difíciles de lograr. Don´t Breathe triunfa, precisamente, al brindar una experiencia distintiva, que invierte en cinematografía de primer nivel y en buena narrativa al mismo tiempo.

La dirección de Federico Álvarez es quizás el punto más saliente de la película. Tanto la fotografía como la edición están milimétricamente pensadas para oprimir al espectador en todo momento y generar un estado de incomodidad permanente, pero no son sólo los aspectos técnicos los que se destacan en la propuesta. Don´t Breathe se guarda, inesperadamente, alguna que otra sorpresa dentro de la historia, lo que envalentona la experiencia vía el aporte de cierta sustancia narrativa extra.

Don´t Breathe tal vez no sea la película perfecta, pero está dentro de las mejores propuestas del tipo que hemos visto en los últimos años. Para ver en la oscuridad y en absoluto silencio.



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CRÍTICA | CINE | Jason Bourne

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Director: Paul Greengrass
Duración: 2h 3 minutos.
Casting: Matt Damon, Tommy Lee Jones, Vincent Casell y Alicia Vikaner.

5

Secuela innecesaria.


La trilogía Bourne, quizás una de las mejores sagas de acción de la historia del cine, no necesitaba una cuarta parte, al menos a nivel narrativo. La tercera entrega ya se había encargado de cerrar la historia del amnésico agente de inteligencia con gran precisión y sin dejar interrogantes, pero en el cine son pocas las sagas exitosas que logran escaparle a la ambición desmedida. Jason Bourne no ha sido la excepción y, aunque parezca increíble, este último capítulo es fácilmente olvidable.

El regreso de Jason Bourne a la escena es a través de un gancho narrativo forzado, que pone en evidencia la falta de motivación genuina de la continuación. Vincent Casell y Tommy Lee Jones están muy bien en sus papeles (aunque Casell no tenga grandes desafíos) pero no alcanzan para salvar la experiencia. Amén de una secuencia de combate cuerpo a cuerpo muy bien lograda cerca del final, no hay mucho más que recordar dentro del filme, que apenas termina siendo un refrito de escenas ya vistas en entregas previas; una recopilación carente de toda inspiración, en el mejor de los casos, donde se nota la falta de pasión de su director.

La gran pregunta que uno debe hacerse es para qué volvió Jason Bourne, y luego de 120 minutos ese interrogante no encuentra una respuesta convincente. Volvió para pelearse, dispararse y manejar a grandes velocidades sin motivos verosímiles. Volvió, en definitiva, porque es un buen negocio y no mucho más que eso. Este es un capítulo prescindible de una saga imprescindible.


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CRÍTICA | CINE | Blood Father

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Director: Jean-Francois Richet.
Duración: 1h 28 minutos.
Casting: Mel Gibson, William Macey y Erin Moriarty.

4

Fracaso fraternal.


Es difícil dilucidar los motivos por los que esta nueva entrega protagonizada por Mel Gibson ha sido, en general, bien recibido por la crítica. Blood Father es una propuesta clase B en lo cinematográfico y clase D en lo narrativo. Es mala, prácticamente sin atenuantes.

Está mal guionada, mal actuada y pésimamente estructurada. De comienzo a fin, Blood Father no hace más que defraudar a la audiencia con una historia muy mal contada, a través de situaciones inverosímiles y pésimos diálogos. Más allá de una dirección bastante aceptable en lo técnico, sinceramente no hay mucho que rescate a una película que a duras penas intenta ensayar el éxito apelando al magnetismo de su protagonista. Sí, a todos nos gusta Mel Gibson haciendo de loco, pero sólo eso no garantiza el éxito.

Es difícil de entender cómo Gibson, que desde lo artístico entiende el cine como pocos, se ha prestado a participar de un fiasco semejante. Mi mejor consejo es que cualquiera que sienta la tentación de volver a ver a Mel Gibson haciendo de loco, que vea su última y muy buena película de acción, Get the Gringo (2012) o directamente repita Arma Mortal, pero que evite Blood Father a toda costa.



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CRÍTICA | CINE | Crimson peak

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Director: Guillermo del Toro.
Duración: 1h 59 minutos.
Casting: Tom Hiddleston, Charlie Hunnam, Mian Wasikowska y Jessica Chastain..

7.5

Los fantasmas de del Toro.


Crimson Peak es el retorno de Guillermo Del Toro a sus orígenes, al estilo que supo consagrarlo en la industria cinematográfica y le abrió las puertas de Hollywood. Luego de muchos años de proyectos alternativos, el director mejicano regresa con una historia de fantasmas, frenética y apasionada, fácilmente comparable con sus obras españolas en cuanto a la estética, aunque levemente inferior en cuanto a la calidad narrativa.

Es fácil reconocer el arte de Del Toro detrás de las imágenes. Las reminiscencias con El Espinazo del Diablo y El Laberinto del Fauno son inmediatas y gratificantes. Crimson Peak acapara la atención del espectador desde el comienzo con una historia lúgubre y personajes enigmáticos, creando una atmósfera innegablemente seductora. Pero los vicios de Hollywood pueden corromper incluso al mejor, y si bien los méritos de la propuesta son muchos, también existen pequeños detalles en el desarrollo de la trama que conspiran contra el resultado final. Atajos narrativos y alguna que otra resolución abreviada e inverosímil restan contundencia al relato, algo a lo que Del Toro no nos tenía acostumbrados en el cine español, pero que sí ya había evidenciado en Pacific Rim, aunque en un género completamente distinto.

Crimson Peak está un escalón debajo de El Espinazo del Diablo y varios de El Laberinto del Fauno, pero incluso así es interesante, atrapante y bienvenida. Es una película de terror gótica imperfecta, pero claramente por encima del promedio.


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CRÍTICA | CINE | Midnight Special

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Director: Jeff Nichols.
Duración: 1h 52 minutos.
Casting: Michael Shannon, Joel Edgerton y Kirsten Dust..

5

Misterio fraudulento.


En el cine de suspenso existe un subgénero, mezquino e infame, que construye su trama —y su clima— a partir de incógnitas que jamás serán develadas. Midnight Special es un exponente claro y reciente de este tipo de películas, abordada desde la ciencia ficción.

El director, en lo estrictamente cinematográfico, hace todo bien. Midnight Special es verdaderamente efectiva en abducir al espectador y mantenerlo en vilo durante gran parte del filme. Sin embargo, avanzada la cinta comienza a intuirse que todo ese halo de misterio tan bien construido será inconducente y que las explicaciones no llegarán nunca. Por este motivo, arribando al desenlace, la propuesta se desinfla dejando en manifiesto su verdadera naturaleza superficial y anodina. Las expectativas argumentales se suicidan y el peor fantasma de Shyamalan domina la escena. Lo que comenzó prometiendo, culmina como un mero fraude.

Midnight Special es pura cáscara. Está muy bien dirigida y es irrefutablemente atrapante, pero su efectividad es fraudulenta. Contar lo inexplicable es sencillo en el género. Lo verdaderamente difícil en la ciencia ficción es convencer, y esta película está lejos de lograrlo.



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CRÍTICA | CINE | Green Room

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Director: Jeremy Saulnier.
Duración: 1h 35 minutos.
Casting: Anton Yelchin e Imogen Poots..

6.5

Masacre punk.


Green Room es un thriller alternativo, mórbido y violento, que apela a una fórmula original y atractiva, aunque también incongruente.

La violencia es explícita, visceral e impresionante; el clima, lúgubre y desesperanzador. No hay baches cinematográficos en esta entrega independiente de suspenso, que logra tensionar a la audiencia con enorme eficacia. Sí hay, en cambio, cierta inconsistencia narrativa. Green Room intenta transmitir miedo a través de la verisimilitud de sus personajes y escenarios, arrancando de raíz el heroísmo de sus protagonistas y sincerando las chances de supervivencia, relegando todo lo demás a un notorio segundo plano. Como resultado de esto, del nudo hacia delante el trámite narrativo cede contundencia. Los diálogos se tornan crípticos o anodinos y las motivaciones de los personajes difíciles de creer. Los protagonistas, entonces, se deshumanizan y se vuelven a encapsular dentro de lo usual en el género. Por eso, llegando a la conclusión, la propuesta no llega a hacer del todo la diferencia.

Hay excelentes momentos en Green Room y la sensación de que verdaderamente se está viendo algo distinto, al menos durante gran parte de su duración. Sin embargo, la evolución del argumento no está del todo a la altura de la premisa original y termina siendo llano e incongruente. Es atrapante y sorpresiva, sí, pero está muy lejos de lo mejor en el género.


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CRÍTICA | CINE | The Gift

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Director: Joel Edgerton.
Duración: 1h 46 minutos.
Casting: Joel Edgerton, Jason Bateman y Rebecca Hall.

8

Suspenso con mensaje.


Joel Edgerton sorprende gratamente en su debut como director de un largometraje, entregando una propuesta de suspenso original y bien narrada que escapa a los estándares usuales del género.

No es el típico thriller. Las partes por separado en un principio pueden resultar familiares, pero a medida que se van encastrando para estructurar su argumento, The Gift comienza a tomar distancia de la receta habitual, diferenciándose en calidad narrativa. Edgerton se las rebusca para contar una historia adulta y verosímil sin ceder intensidad y lo logra, principalmente, gracias a las enormes actuaciones de sus protagonistas, lo que por supuesto lo incluye. Rebecca Hall y Jason Bateman completan el reparto con interpretaciones soberbias, aportando credibilidad a la historia.

The Gift atrapa, entretiene, sorprende y también nos deja pensando. No es usual que el género sea conductor de un mensaje contundente, y ése es uno de los grandes méritos de la ópera prima de Edgerton, quien se recibe de realizador con una nota alta, dejando un interesante precedente para el futuro.




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CRÍTICA | SERIES TV | Penny Dreadful

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Creador: John Logan.
Casting: Eva Green, Timothy Dalton, Josh Hartnett y Harry Treadaway.
Duración: 3ra temporada / 9 episodios / 2016.

8

Cuando lo bueno dura poco.


La tercera y última temporada de Penny Dreadful sorprende con un desenlace abrupto e inesperado, cediendo a los vicios narrativos propios de aquellos proyectos televisivos que son cancelados súbitamente. Lo curioso quizás sea que, incluso con los defectos manifiestos, la serie concluya exitosamente su ciclo. Los míticos personajes de la clásica ficción victoriana se despiden de la pantalla chica en forma prematura y dejando un sinsabor en la audiencia, pero se van por la puerta grande de la televisión, marcándola con un sello indeleble. La alquimia lograda por John Logan no tiene precedentes y seguramente, como suele suceder, sea reconocida masivamente con el paso de los años.

La evidencia de que Showtime no renovará contrato surge avanzada la temporada. De hecho, me atrevería a decir que, hasta 3 capítulos antes de culminar, esta tercera entrega se perfilaba como la mejor en la serie. Sin renunciar a su esencia poética y su complejidad argumental, Penny Dreadful incursiona esta vez en un género adicional: el western. Ethan Chandler asume entonces un protagonismo ascendente en el desierto americano mientras que en Londres se cuece un final apresurado. Sin dudas es esta la temporada más entretenida, expeditiva e impactante de todas, a costo de resignar la contundencia narrativa que supo hacer célebre la propuesta. La aceleración del trámite argumental es notable sobre el tercio final, cuando de repente comienzan a surgir atajos argumentales atípicos para el estilo de la serie. De allí a las resoluciones inmediatas prácticamente no hay distancia, y la trama de Penny Dreadful cae de un precipicio decepcionando en lo narrativo, pero al menos preservando la coherencia de la historia y sus protagonistas.

En forma impensada, Penny Dreadful se despide dejando personajes presentados a medias y líneas argumentales concluidas a los apurones, pero al menos lo hace dignamente. Esta es una gran temporada con un final abrupto y obligado, y ciertamente se resuelve en 3 capítulos lo que probablemente pudiera requerir un desarrollo de al menos 2 temporadas más. Es muy interesante el modo en que el creador de la serie decide terminarla, con un eximio poema que podría tener una lectura subliminal acerca del inusitado desenlace. Logan insiste en que el show estaba pensado así, quizás por cortesía hacia Showtime o directamente como obligación contractual, pero es evidente que el relativamente bajo rating pesó en la decisión de culminar la saga.

Penny Dreadful termina antes de lo que yo hubiera querido, en forma sorpresiva y, de alguna manera, también decepcionante. Me quedé con ganas de más, como muchos otros, pero también me quedé con la enorme gratificación de haberla disfrutado estos tres años. Sus personajes, su lírica y sus insuperables diálogos la han catapultado al éxito en los anales del tiempo, independientemente de su rating. No sólo ha valido la pena, sino que ha sido una experiencia única y genuina de difícil repetición.







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CRÍTICA | CINE | El Clan

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Director: Pablo Trapero.
Duración: 1h 50 minutos.
Casting: Guillermo Francella v Peter Lanzani.

9

La obra maestra de Trapero.


Pablo Trapero es, junto a Adrían Caetano, uno de los grandes revolucionarios del cine ríoplatense. Él ha sido un protagonista indiscutible de la evolución del arte dramático de nuestro país, contribuyendo a perfeccionar el modo en que se cuentan nuestras historias más sentidas en la pantalla grande, y El Clan es, para mí, su gran obra maestra a la fecha.

Detrás de las mejores cámaras y de la mucho más refinada edición subyace el estilo cinematográfico que supo hacer célebre a Pablo Trapero, quien siempre demuestra que, con muchos o pocos recursos, lo que él sabe hacer es contar historias. El potencial del director ya no es una especulación sino una contundente realidad, y esta quizás sea la pieza de su cinematografía que mejor lo ejemplifica. El Clan es un escalofriante thriller basado en una historia real cuyo ritmo es poco menos que impecable. Y es que, haciendo alusión a lo mencionado anteriormente acerca de la escasez de presupuesto, Trapero ya no necesita apelar casi exclusivamente a la calidad actoral de sus dirigidos, sino que ahora puede invertir en imágenes y en su posterior edición como un modo alternativo de perfeccionar la experiencia.

El resultado es soberbio. El Clan no sólo consta de sólida sustancia dramática, sino que también incorpora recursos narrativos variados que dinamizan la adaptación de un muy buen guión. Hay escenas brillantes y para todos los gustos; planos secuencia y planos fijos maravillosos, siempre acompañados por una edición de sonido prácticamente simbiótica. Y por supuesto están Francella y Lanzani, quienes han superado cualquier umbral de expectativas. Esto último es un mérito ya conocido de Trapero, quien suele arrancarle lo mejor a sus actores.

No exagero cuando digo que El Clan es una de las mejores películas argentinas que vi en mi vida. Toma una historia real que supera a la ficción y la traduce visualmente con un talento poco usual en la industria. Es un orgullo del cine nacional, sin lugar a dudas.




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CRÍTICA | CINE | Koblic

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Director: Sebastián Borensztein.
Duración: 1h 32 minutos.
Casting: Ricardo Darín, Oscar Martínez y Inma Cuesta.

8

El renegado del diablo.


Kóblic es una historia simple pero intensa, que cuenta una historia dramática con ritmo de western. No es una joya del cine argentino, pero es una propuesta muy bien concebida en todos los planos: narrativo, actoral y cinematográfico, y sin ser excepcional, es altamente efectiva.

El protagonista no busca redimirse, sino huir. De eso se trata el relato: la crónica de un fugitivo que escapa del espanto. En el trámite narrativo, Borensztein logra retratar eficazmente la Argentina de los 70´ desde sus entrañas geográficas, apelando a personajes y paisajes sombríos. Hay un gran trabajo de cámaras, un muy buen guión y, sobre todo, una soberbia interpretación de Oscar Martinez, que eclipsa a Darín, no por talento, sino porque le tocó el papel más exigente.

Kóblic es una muy buena adición al casi inexistente cine de suspenso nacional, y que una película de género se encare con tanto profesionalismo y compromiso es sinceramente una enorme noticia para la industria doméstica. Atrapa y gratifica, y como tal, merece verse.


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CRÍTICA | CINE | Batman v Superman: Dawn of Justice

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Director: Zack Snyder.
Duración: 2h 31 minutos.
Casting: Ben Affleck, Henry Cavill, Amy Adams, Jesse Eisenberg y otros.

8

Superhéroes tomados en serio.


Y un día Batman aprendió a pelear... Por fin y como era esperado de parte de Zack Snyder, el paladín encapuchado llena los ojos con acción desfibrilante. Esa es la expectativa primordial en una película de superhéroes: que la acción, mucha o poca, sea impactante, y las Batman de Nolan, si bien fueron thrillers oscuros con mucha narrativa, carecían de todo impacto. Debo confesar que el director inglés es a mi gusto quizás el mejor de su generación, pero las escenas de acción no son su fuerte. Snyder, en cambio, es un especialista demostrado en hacerle caer la mandíbula al espectador.

Claro que Batman no está solo. Como bien anuncia el título de la película, al hombre murciélago lo acompaña Superman, un extraterrestre todopoderoso que poco tiene que ver con aquella versión original de Richard Donner. A los nostálgicos y los conservadores no les gusta el nuevo Superman, porque no se viste en cabinas, convive en un departamento con Lois Lane y no rescata gatos de la copa de los árboles. A la crítica, en general, tampoco le gusta la visión de Snyder para con las adaptaciones de los cómics. Ya pasó con Watchmen, luego con Man Of Steel y ahora con Batman v Superman. Zack Snyder no hace cine Marvel, sino que tiene su propia impronta, más oscura y más adulta (más aburrida para muchos). No necesariamente mejor, pero sí distinta. A mí me gusta.

Las reminiscencias de Watchmen son muchas, sobre todo en la estructura narrativa, que en un principio puede parecer caótica. El director arma el rompecabezas por partes para crear la historia y promediando la película éstas empiezan a encajar. Tres cuartos de cinta se desarrollan sobre un género más cercano al thriller que a la acción, lo que quizás incida en las expectativas del público. Sin embargo, cuando hay acción, es para aplaudir. Habrá quienes puedan criticar la película en uno u otro aspecto, pero la fotografía es inapelable. Sinceramente no se ocurre ninguna versión superadora de cómo retratar visualmente a los protagonistas. El director, otra vez, vuelve a darle vida a las viñetas como sólo él sabe.

Sólo me cabe una crítica: Lex Luthor, y no porque la actuación de Eisenberg no sea convincente, sino por el retrato exagerado que hicieron del villano, que de alguna manera genera un alto contraste con el resto de los protagonistas. Es contradictorio que por un lado se busque humanizar a los personajes para que la audiencia genere más empatía con ellos, y por el otro se caricaturice al malo de turno casi al borde del absurdo. Esto resta en el puntaje, aunque no arruina la experiencia.

Batman v Superman lleva impresa la estética de Snyder. Eso es muy bueno para algunos y muy malo para otros. Quienes esperen una de Marvel van a salir decepcionados. Quienes, por otro lado, quieran ver una versión adulta de una épica pelea entre los dos superhéroes más taquilleros de la historia, la van a pasar bien. No será todos, pero algunos la recomendamos.




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CRÍTICA | CINE | Bridge of Spies

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Director: Steven Spielberg.
Duración: 2h 22 minutos.
Casting: Tom Hanks, Mark Rylance, Alan Alda y otros.

8.5

La guerra fría según Spielberg.


La última década en la cinematografía de Spielberg no ha sido del todo célebre. Sin necesariamente hacer películas malas (a excepción de la última Indiana Jones), el director no había logrado en más de diez años alcanzar ese umbral de excelencia que supo apuntalarlo como uno de los mejores realizadores de la historia del cine. Bridge of Spies rompe esa tendencia y demuestra que el amo y señor del cine sigue más vigente que nunca.

Cuando Spielberg quiere contar una historia que le apasiona, es inigualable. Bridge of Spies, por supuesto, consta de esa perfección cinematográfica tan característica en la filmografía del director. Fotografía milimétrica, planos elocuentes, edición creativa y filtros de imagen acordes con la época. Pero por sobre todos los detalles técnicos, el enorme mérito del filme proviene de un guion fantástico, que atrapa al espectador y no lo suelta durante casi dos horas y media. Spielberg no sólo triunfa en narrar soberbiamente una serie de hechos increíbles e inspirados en la vida real, sino que también consigue retratar, y en ocasiones ridiculizar, una época tragicómica de la historia mundial.

Bridge of Spies no es una entrega más, sino una de las mejores películas que he visto acerca de la guerra fría en mi vida. Sin dudas es, también, la mejor película del director desde Munich. Steven Spielberg vuelve a demostrar su versatilidad y su compromiso no sólo para con el cine, sino también para con la historia.

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CRÍTICA | CINE | The hateful eight

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Director: Quentin Tarantino.
Duración: 187 minutos.
Casting: Samuel Jackson, Kurt Russell, Walton Goggins, Jennifer Jason Leigh, Tim Roth, Michael Madsen y otros.

7.5

Ópera Western.


Luego de sorprender gratamente con su reedición de Django, Quentin Tarantino renueva la apuesta con otro western, aunque esta vez la propuesta muestre matices propias de otros géneros. The hateful eight es una película de pistoleros divida en capítulos, que atraviesa su historia con notable eclecticismo. Policial negro, comedia negra, western y thriller; la nueva entrega del máximo revolucionario del cine lo es todo.

Tarantino se toma muchas concesiones en esta oportunidad. Hay planos excesivamente largos y diálogos prescindibles, sobre todo al comienzo, en que se presentan los personajes, pero las deficiencias del filme son compensadas (al igual de lo que sucedió con Bastardos sin Gloria) con escenas quizás insuperables de tensión y acción. Dos horas de película son sublimes. El problema es que la cinta dura más de tres.

Por lo demás, no tengo más que halagos. El director, en el trámite de entretener y sorprender a la audiencia, homenajea a Arthur Conan Doyle, Agatha Christie y Alfred Hitchcock, además de hacer catarsis acerca de un período histórico de la sociedad norteamericana.

A The hateful eight le sobra, notablemente, más de 1 hora de película. Por ese motivo, para mí, está por debajo del alto promedio al que Tarantino nos tiene acostumbrados. De cualquier manera, vale la pena verla, porque no todos los días el cine convencional recibe una cachetada y es sacudido para romper los estándares. Este western atípico logra eso.


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CRÍTICA | CINE | Bone Tomahawk

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Director: S. Craig Zahler.
Duración: 132 minutos.
Casting: Kurt Russell, Patrick Wilson, Richard Jenkins y Matthew Fox.

7

Un western diferente.


Bone Tomahawk es una excepción del cine contemporáneo, no sólo por ser original, sino por tratarse de una película independiente de escasísimo presupuesto que supo reunir un reparto estelar. Es un misterio que una propuesta de este estilo, que costó menos de 2 millones de dólares, haya logrado seducir a sus renombrados protagonistas sin dinero.

No se trata de un western convencional. Bone Tomahawk es un raro híbrido que parte de un género clásico y lo va modificando con dosis de suspenso y horror, aunque siempre dentro de un marco realista. No cuenta una historia espectacular, pero su guión está magníficamente elaborado a través de diálogos y situaciones muy bien logradas, que mantienen al espectador en vilo absoluto. Es, por sobre todas las cosas, una película mórbida, sombría y por momentos extremadamente visceral.

Es también, como se expone en el primer párrafo, un filme barato, y en ciertos pasajes se nota. Los productores evidentemente debieron administrar recursos escasos y eso se llega a evidenciar en la imagen, que sin ser necesariamente mala, sí dista de los estándares típicos del cine de primer nivel, en especial por los filtros utilizados. Pero por más que a los ojos a veces parezca una película clase b, lo cierto es que no se vive como tal, gracias a una muy buena edición y a la calidad actoral de sus protagonistas.

Bone Tomahawk entretiene, sorprende y hasta asusta durante toda su duración, aunque al final quizás decepcione un poco con un desenlace abrupto y poco acorde al ritmo característico del filme. Es, de cualquier manera, una propuesta fresca y original que se disfruta por fuera de los estándares comunes del cine. Vale la pena.









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CRÍTICA | CINE | Black Mass

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Director: Scott Cooper.
Duración: 122 minutos.
Casting: Johnny Depp, Joel Edgerton, Benedict Cumberbatch, Kevin Bacon y otros..

8

Retrato vivo de un psicópata.


Luego de décadas de encasillamiento en papeles caracterizados por personalidades excéntricas y sobradamente expresivas, Johnny Depp finalmente sale de la jaula actoral para entregar, quizás, la mejor interpretación de su carrera. Black Mass es una buena película de gangsters que se potencia gracias a la soberbia actuación de su protagonista.

Con Boston como escenario, esta nueva propuesta del cine-mafia se centra en la historia de un criminal hasta ahora poco conocido, pero que valía la pena contar. Es una película por demás de personalista, que pone el foco en retratar la vida de un escalofriante psicópata más que en desarrollar una trama de modo convencional. No es un filme que respete la ortodoxia narrativa a rajatabla, y de hecho, no sigue un hilo argumental preciso, sino que salta de momento en momento, siempre manteniendo a su protagonista en escena. Sin embargo, la falta de rigurosidad narrativa es suplida por un gran guión, hecho a la medida del personaje principal, y cinematografía de primer nivel.

Black Mass es caótica, pero también es impactante, gracias a la increíble actuación de Johnny Depp, y también a un muy buen trabajo de dirección. Quizás no cuente una gran historia con finura, pero retrata una personalidad de modo impecable.









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CRÍTICA | CINE | Sicario

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Director: Villeneuve.
Duración: 121 minutos.
Casting: Emily Blunt, Benicio Del Toro y Josh Brolin.

8.5

Tierra de lobos.


Dos años más tarde de haber presentado uno de los mejores policiales negros de las últimas décadas, Denis Villeneuve vuelve a sacudir la pantalla grande con otro thriller implacable, ambientado en el universo del narcotráfico, y más precisamente, en la frontera entre EEUU y México.

Sicario es ficción, pero su base narrativa es real. La de la droga, no es una guerra entre buenos y malos, sino entre malos y malísimos, y creo que la película logra transmitir a la perfección ese mensaje, gracias al impecable trabajo de su reparto. Blunt, Del Toro y Brolin, los tres protagonistas de la historia, le dan vida a sus personajes con un realismo envidiable, lo que facilita que el espectador quede poco menos que hipnotizado ante el desarrollo de la trama.

Villeneuve es, por sobre todas las cosas, un genio de la fotografía. Ya sean planos fijos o en movimiento, para generar suspenso o para impactar con una secuencia de acción, el director canadiense demuestra un dominio absoluto de la cámara, muy por encima del promedio de la industria. Sicario es una propuesta oscura, violenta y visceral, que cautiva y sorprende sensorialmente, de principio a fin, con escenas que cortan aliento. Ése quizás sea el mayor mérito, pero no el único, de esta joya del género.

Sicario no presenta un argumento extraordinario, pero nutre su trama con personajes vivos, que le sacan chispas a la pantalla. Otra soberbia y enorme dirección de Villeneuve, quien se apuntala en el género suspenso como uno de los grandes realizadores del cine contemporáneo. Probablemente Sicario sea una de las mejores películas del 2015.








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CRÍTICA | SERIES TV | True Detective

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Creador: Nic Pizzolatto.
Casting: Colin Farrell, Rachel McAdams, Vince Vaughn y Taylor Kitsch.
Duración: 2 temporada / 8 episodios / 2015

7

A la sombra de su predecesora.


Quienes hayan visto la primera temporada de True Detective no podrán evitar caer en la errónea tentación de la comparación. Poco tiene que ver, más allá del concepto narrativo, esta segunda entrega con lo que fue la serie el año anterior. Hay diferencias cualitativas, pero también hay una notable variante en el género. True Detective 2015 es un policial distinto y menos efectivo, que sin ser un fracaso estrepitoso, dista enormemente de su temporada predecesora.

La base narrativa es la misma. El argumento se cocina a fuego lento y los personajes son introducidos concienzudamente. En esta temporada los realizadores doblan la apuesta y en vez de dos, se vuelcan por la difícil tarea de desarrollar cuatro protagonistas. Hay un mérito enorme esto último, porque sinceramente el espectador llega a empatizar con todos los personajes principales, gracias a una excelente dramatización por parte de los actores. En especial, es de mencionar la eximia labor de Colin Farrell, quien seguramente represente lo mejor de la serie.

Esta vez no se trata de asesinos seriales, sino de gangsters y conspiraciones. True Detective 2015 es un policial menos oscuro y más mundano, que durante 3/4 de temporada engancha no tanto por su historia, sino por el magnetismo de sus protagonistas. A medida que la trama avanza, el ritmo va intensificándose y la serie logra muchas escenas impactantes, pero por otro lado pierde sustancia argumental, revelando un guión mediocre e innecesariamente entreverado. Sobre el final, la propuesta se degenera completamente, y ya no se sabe si es un policial o un western moderno.

La segunda temporada de True Detective conserva intacta su contundencia dramática y el compromiso hacia el desarrollo de sus protagonistas, pero carece de solidez argumental. Quienes pretendan ver lo mismo que se vio en 2014 quedarán defraudados. Por otro lado, quienes estén abiertos a otro tipo de policial disfrutarán gran parte de la temporada, pero quedarán con un sabor amargo avanzando hacia la conclusión. Esta edición del policial estrella de HBO no es la obra maestra que supo ser en su estreno, pero deja verse.







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CRÍTICA | SERIES TV | Penny Dreadful

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Creador: John Logan.
Casting: Eva Green, Timothy Dalton, Josh Hartnett y Harry Treadaway.
Duración: 2da temporada / 10 episodios / 2015.

8

El drama de los monstruos.


La primera temporada de Penny Dreadful revolucionó la pantalla chica para siempre, aportando a la ficción fantástica una inusual intensidad dramática. La segunda temporada ha profundizado aún más su costado dramático, quizás dejando en un segundo plano el suspenso que caracteriza al género.

El terror está presente, pero esta vez se cocina a fuego lento. La continuación de Penny Dreadful carece en cierta medida del impacto constante que supo tener el año pasado e invierte en el desarrollo de sus personajes con diálogos sustanciosos y un desarrollo gradual. Hay intriga y sorpresas, pero no con la misma intensidad, al menos hasta arribado el final, donde la serie rescata su esencia y vuelve a sacudir al espectador. También es más oscura y siniestra de lo que supo ser en su comienzo, aunque me animaría a decir que más desde lo antropológico que desde lo fantástico.

El entretenimiento está asegurado, aunque esta vez haya que tener un poco más de paciencia. La acción demora en llegar, pero los conflictos de los protagonistas son suficientes para no aburrirse en el trayecto, gracias a un guión soberbio y a una ejecución perfecta desde quienes interpretan cada rol. Probablemente, a diferencia de lo ocurrido en la temporada inaugural, haya un leve desbalance entre el drama y suspenso, pero Penny Dreadful continúa siendo única y explosiva. La mecha esta vez es más larga, pero es una bomba al fin.






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CRÍTICA | CINE | Run all night

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Dirección: Jaume Collet-Serra.
Reparto: Liam Neeson, Ed Harris y Joel Kinnaman.
Duración: 114 min.

7

Del crepúsculo al amanecer.


La paradigmática carrera de Liam Neeson nos entrega un nuevo capítulo. El tardío ícono del cine acción vuelve a vestirse de rudo en una propuesta que sin hacer la diferencia en su género se deja disfrutar.

Run all night es un thriller de gangsters que gradualmente se convierte en una película de acción convencional. Comienza muy bien, con una intensidad dramática inusual en su rubro, pero a partir de que se desata el conflicto principal la narración va cediendo hacia un relato mucho más ordinario. En lo estrictamente cinematográfico, en cambio, la película es impecable de principio a fin. La dirección del español Collet-Serra se luce en el manejo de las cámaras y en la edición, donde utiliza la tecnología digital para moverse entre locaciones y escenarios con dinamismo y creatividad.

En lo argumental, Run all Night no es sofisticada, pero logra impactar con la presentación de sus personajes. A partir del nudo, sin embargo, la contundencia dramática inicialmente propuesta se escurre entre persecuciones y escenas de acción. Llegando a la conclusión ya prácticamente no queda nada que haga la diferencia en el género, salvo la muy buena cinematografía. Las resoluciones son rápidas y altamente predecibles, lo que sin dudas contrasta con el buen desarrollo del inicio.

Run all night se degrada a medida que avanza, dejando un sabor levemente amargo en el espectador, pero siempre entretiene. Neeson ya empieza a estigmatizarse en su eterno rol de héroe-antihéroe implacable, pero su magnetismo es todavía indudable. Es una película que podría haber dado mucho más si se hubiese conservado el balance entre el drama y la acción hasta el final, pero la audiencia quiere sangre, piñas y patadas, según creen los gurúes comerciales de la industria. Nos conformamos con eso, que alcanza, pero no sobra.











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CRÍTICA | CINE | Ex Machina

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Dirección: Alex Garland.
Reparto: Alicia Vikander, Domhnall Gleeson y Oscar Isaac.
Duración: 108 min.

9

Ella también.


Hace muy poco tiempo la pantalla grande acreditó, según mi criterio, una de las mejores películas de ciencia ficción de las últimas décadas: Her. Ex Machina recoge parte de la propuesta argumental de Her y aproxima su profundidad dramática agregando una capa de oscuridad. La alquimia ofrece un resultado soberbio: un drama de ciencia ficción siniestro y plagado de suspenso como hace mucho no se veía.

La inteligencia artificial ha sido abordada en todos los subgéneros de la ciencia ficción, desde Blade Runner hasta Her, pasando por Terminator. Ex Machina es lo suficientemente original como para diferenciarse dentro de tan vasto grupo, ya que fusiona drama y suspenso en una brillante propuesta que atrapa al espectador desde el minuto cero hasta el segundo final. No hay tiempos muertos, no sobran planos en las escenas ni palabras en los diálogos. Es la película justa, precisa en cinematografía y guion, y altamente efectiva en lo emocional, tanto en materia de drama como de suspenso. Quizás sea, a diferencia de Her, apenas inverosímil, fundamentalmente en lo escénico y en la construcción de sus personajes, pero no por eso deja de ser un exponente que sacude su categoría en la industria.

Ex Machina es un drama reflexivo acerca del rol de la tecnología en la sociedad actual, y también es un magnífico thriller. Está dentro de las mejores entregas del cine de ciencia ficción de los últimos años, junto a Her y Snowpiercer.










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CRÍTICA | CINE | Inherent Vice

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Dirección: Paul Thomas Anderson.
Reparto: Joaquin Phoenix, Josh Brolin, Owen Wilson y otros.
Duración: 148 min.

4

Policial psicodélico para olvidar.


Dentro del excentricismo que caracteriza a Anderson, hay buenas y malas propuestas, dependiendo del guión que le toque adaptar. Inherent Vice está a una distancia abrumadora de la mejor versión del director. Es una película aburrida, anodina e incoherente, que a duras penas logra terminarse de ver.

No hay nada más irritante que una historia insustancial complicada. El hilo argumental de Inherent Vice se deshilacha en múltiples subtramas que no llevan a ningún lado, colmando la paciencia del espectador, quien apenas pasada una hora de película seguramente se sienta mareado y confundido entre tantos personajes inocuos y no mucho más que cháchara. La realidad es que la película carece de argumento, e intenta remediarlo mediante la incorporación de innumerables protagonistas y giros insensatos.

La cinematografía de Anderson no ayuda a pasar el mal trago, porque los planos largos y los diálogos sostenidos no hacen más que agravar el aburrimiento cuando no existe profundidad argumental. Inherent Vice no es There will be blood, donde el mensaje es fulminante, sino más bien un thriller superficial que apela a una especie de “Dude Lebowski” en versión de detective para entretener a la audiencia. El resultado no está ni cerca de ser bueno.

Me resulta difícil encontrarle algún atractivo a Inherent Vice. Es una película que intenta aparentar complejidad y profundidad, pero en realidad carece de ambas. Es una propuesta superflua de un director que suele tener el visto bueno de la crítica y no mucho más que eso.






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CRÍTICA | SERIES TV | Penny Dreadful

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Creador: John Logan.
Casting: Eva Green, Timothy Dalton, Josh Hartnett y Harry Treadaway.
Duración: 1ra temporada / 8 episodios / 2014.

9

La otra liga extraordinaria.


El cine y la televisión hace ya un par de años que comenzaron a tomarse en serio las historias fantásticas. Testigo de ello son las adaptaciones de los cómics a ambas pantallas, la chica y la grande, con personajes dotados de una complejidad que antes no solían tener, salvo excepciones. Penny Deadful es quizás un caso paradigmático dentro de esta movida, una serie que rescata íconos absolutos de la literatura fantástica clásica y los convierte en protagonistas de una historia magníficamente escrita y dirigida.

La premisa puede a priori despertar desconfianza, pero para quienes decidan dejar los prejuicios de lado, encontrarán en Penny Dreadful una alquimia ficcional nunca antes vista. La serie reúne a muchos de los grandes personajes de la literatura fantástica anglosajona y los interrelaciona entre sí a través de una historia eximiamente guionada. Independientemente de lo artístico, donde la propuesta también se destaca gracias a su impactante fotografía y escenografía, el mayor mérito de Penny Dreadful radica en el increíble dramatismo que le imprime a su historia. Los personajes más bizarros de la narrativa londinense victoriana han sido humanizados y dotados de una complejidad inusual, más propia del teatro clásico que de una serie televisiva. Los diálogos son milimétricamente exquisitos y se despliegan alrededor de una trama muy bien construida, con altas dosis de suspenso y terror.

Penny Dreadful estrecha las distancias entre la realidad y la ficción fantástica con una contundencia dramática admirable. Es una fórmula inédita, encarada con seriedad y compromiso narrativo, que explora los confines de los esotérico de modo soberbio. Si William Shakespeare hubiera escrito La Liga Extraordinaria, seguramente éste sería el resultado. Imperdible.




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CRÍTICA | CINE | Nightcrawler

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Dirección: Dan Gilroy.
Reparto: Jake Gyllenhaal, Rene Russo y Bill Paxton.
Duración: 117 min.

7

Para quienes quieren ver sangre.


En la era del cine basado en casos reales, Nightcrawler es una propuesta que rescata el espíritu de la ficción con una historia muy interesante y un protagonista soberbiamente compuesto e interpretado. Son muchos los adjetivos que le caben a la película; es original, morbosa, cínica y también un poco inverosímil.

Por sobre todas las cosas, Nightcrawler es una mordaz crítica a los medios televisivos actuales y a la escasez de escrúpulos que éstos demuestran a la hora de generar rating. Dentro de esa premisa, es evidente que la película no debe ser tomada del todo en serio, ya que en el afán de su provocación deforma la realidad hacia el límite, dotando a sus protagonistas de cualidades y rasgos exagerados. Es una trama difícil de creer, pero fácil de interpretar, que engancha desde comienzo y mantiene en vilo al espectador hasta el minuto final.

Pese a todas sus virtudes, Nightcrawler también tiene flancos débiles, especialmente en lo narrativo. Es una película que transcurre y se concluye a ritmo vertiginoso, a mi gusto dejando ciertos huecos argumentales. Está más que claro que el director ha priorizado el mensaje por sobre la construcción de la historia, destacándose en lo primero y dejando algunas dudas en lo segundo, lo que a mi gusto evita que la propuesta sea completamente sólida.

Nightcrawler es una película original y provocadora que se enfoca principalmente en la caracterización de su protagonista, comprometiéndose enormemente con su mensaje. Es una experiencia disfrutable a la que le falta una vuelta de tuerca en materia narrativa, pero que indudablemente vale la pena verse.





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CRÍTICA | CINE | Kill the messenger

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Dirección: Michael Cuesta.
Reparto: Jeremy Renner, Rosemarie DeWitt y Oliver Platt.
Duración: 112 min.

6

Biografía a medias.


El aluvión de biografías en el cine contemporáneo nos ofrece una nueva entrega. Se trata, esta vez, de la historia de un periodista norteamericano que expuso públicamente a la CIA tras vincularla directamente con el negocio del narcotráfico en los Estados Unidos. Una argumento que sin lugar a dudas suena muy interesante en los papeles, pero que lamentablemente ha carecido de contundencia en el resultado final del filme.

Kill the Messenger es una película que construye muy bien la trama en su introducción, presentando adecuadamente el conflicto y los personajes y despertando el interés del espectador. Lo curioso es que cuando la historia alcanza su clímax argumental, simplemente desbarranca y se precipita hacia un final inexplicable. Increíblemente, la conclusión de la película se canaliza en escasos 5 minutos a través de inocuas imágenes de archivo y un texto que narra lo que fue de su protagonista. Todo lo demás queda en la nada.

Es difícil de entender qué sucedió con una propuesta que arranca de modo tan promisorio y luego descarrila de semejante manera, pero es evidente que la falta de tiempo o de presupuesto conspiraron con la calidad final del filme. Kill the messenger podría haber sido una muy buena película, pero terminó apenas siendo una biografía inconclusa que desperdicia talento actoral (especialmente de Jeremy Renner) y sustancia narrativa. Deja verse, pero decepciona.




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CRÍTICA | CINE | The Drop

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Dirección: Michaël R. Roskam.
Reparto: Tom Hardy, James Gandolfini y Noomi Rapace.
Duración: 106 min.

6

Thriller cuasi-unipersonal.


The drop es una de esas película de suspenso que se cocinan a fuego lento, con carencia de ritmo pero buena dramatización, y uno o dos momentos intensos bien logrados.

Lo mejor de la propuesta surge de Tom Hardy, quien logra magnetizar al espectador con un personaje enigmático. La trama no es una obra maestra, pero posee ciertos condimentos que la mantienen a flote, alimentando las expectativas de la audiencia hasta el final. Pero es también una película innecesariamente lenta, que la mitad del tiempo se dedica a mostrar escenas poco trascendentes, relegando al resto del reparto a un plano básicamente inexistente.

No hay mucha sustancia en The Drop, más allá de un protagonista principal bien construido y dos o tres momentos gratificantes. Es un thriller pausado donde no pasan muchas cosas. Engancha, pero deja gusto a poco.



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CRÍTICA | CINE | Relatos salvajes

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Dirección: Damián Szifrón.
Reparto: Ricardo Darín, Leonardo Sbaraglia, Oscar Martinez, Erica Rivas y otros.
Duración: 122 min.

8

Cine animal.


La desgracia y la tragedia esconden un ángulo de visión cómico que no siempre es fácil de encontrar. La ironía, el morbo, el cinismo y muchas otras conductas y actitudes propias de la esencia humana son una parte integral de esta gratamente rara película argentina. Relatos salvajes es al cine lo que una antología de cuentos de Cortázar es a la literatura: un compendio de breves historias retorcidas, eximiamente narradas.

Como todo gran libro de cuentos, priman un par de relatos extraordinarios y el resto completa la experiencia con buenos resultados. Sobre toda consideración de calidad que pueda hacerse del filme, lo más destacable es su maravillosa cinematografía. Damián Szifrón sube la vara del estándar cinematográfico argentino hacia una altura quizás nunca antes alcanzada. Es asombrosa la variedad de recursos visuales utilizados por el director; la multiplicidad de planos, los diversos ángulos, los cambios de ritmo; todo está exquisitamente orquestado para la composición de una obra técnicamente impecable.

Las actuaciones son en general muy buenas, con algunas mínimas salvedades típicas del cine argentino. Algunos actores parecieran recitar el guion en vez de actuar, lo que por momentos (contados y breves) conspira contra la naturalidad de la historia, aunque finalmente no la dañe. Lo cierto es que en materia dramática los protagonistas principales logran componer con excelencia sus respectivos personajes, aportando verosimilitud a cada uno de los relatos.

Los galardones coronan, pero la calidad de una película la sentencia su audiencia. Relatos Salvajes quizás no gane un oscar, pero pasará a la historia como una de las más creativas y mejor dirigidas películas argentinas. Si Damián Szifrón comienza a pedir pista en el cine internacional, su talento lo puede hacer volar hacia alturas insospechadas.




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CRÍTICA - CINE - Gone girl

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Dirección: David Fincher.
Reparto: Ben Affleck, Rosamund Pike, Carrie Coon y Kim Dickens.
Duración: 149 min.

8

Montaña rusa de suspenso.


Gone Girl es una película larga de tres capítulos, con una historia que constantemente se va reciclando, aportando una frescura única a la trama y modificando las expectativas del espectador. Narrativamente, es una obra maestra, porque logra generar un clima de suspenso fenomenal, y eso le hace merecer el gran reconocimiento que tuvo en la audiencia.

No creo que sea un hito del género, pero sin dudas es un gran exponente. David Fincher sabe contar historias, y aquí vuelve a demostrarlo con un relato sublimemente compaginado, donde alterna tiempos y sucesos para dosificar la información en forma casi perfecta. Gone Girl primero cautiva, después sorprende y luego repite la fórmula, logrando mucha satisfacción en el espectador. Es, podríamos decir, la antítesis del thriller donde nunca pasa nada. Aquí pasa de todo, todo el tiempo, y de modo inesperado, lo que resulta muy gratificante en sus dos horas y media de duración.

Mi “pero” para con la propuesta radica en su conclusión, porque luego de múltiples subidas y bajadas en el sinuoso trayecto de su trama, sentí que a esta montaña rusa le faltó la dosis de adrenalina final, la que corona el recorrido. Es una película prácticamente inconclusa, o vagamente concluida. No es que prefiera un final al estilo Holliwood, pero al menos me gustaría haber visto un mayor desarrollo dramático en los últimos minutos, porque de un filme con tanto nudo uno espera generalmente una conclusión más sustanciosa, cosa que aquí no ocurrió.

Gone Girl es una muy buena película de suspenso y brilla por su impecable narración. A mí gusto, pierde un punto en los 10 minutos finales, porque toda la elaboración observada en la introducción y el desarrollo se desvanece en el acto final. De cualquier manera, es una de las mejores películas de suspenso que se han visto en 2014, y con eso sobra para decidir verla.





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CRÍTICA - CINE - Deliver us from evil

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Dirección: Scott Derrickson.
Reparto: Eric Bana y Édgar Ramirez.
Duración: 118 min.

5

Terror policial.


Deliver us from evil es una de esas típicas películas que anuncian estar inspiradas en hechos reales, con todas las libertadas que la palabra “inspirada” permite tomarse. La realidad es que se trata de una historia de ficción con algunos personajes de la vida real y sólo eso, lo que no le quitaría mérito a la propuesta si la misma fuera interesante. La realidad, sin embargo, es que no lo es.

Concebido originalmente como un policial, el filme va incluyendo elementos del género terror a medida que avanza la investigación de los hechos, pero nunca con verdadero impacto sobre el espectador. Más allá de una cinematografía correcta y algún que otro personaje prometedor, la película falla por completo en generar cualquiera de los dos, interés por la historia, o simplemente clima de tensión.

Deliver us from evil es una propuesta que pretende generar impacto con el vago mensaje de que algunos de sus personajes son reales, pero se olvida de todo lo demás que es importante en el cine. La historia es vaga y carece de desarrollo y profundidad, mientras que los personajes no logran generar empatía en absoluto con la audiencia. Fácilmente olvidable.






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CRÍTICA - CINE - Eliza Graves

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Dirección: Brad Anderson.
Reparto: Jim Sturgess, Kate Beckinsale, Ben Kingsley y Michael Caine.
Duración: 112 min.

8

Thriller victoriano bien ambientado.


Eliza Graves es un thriller ambientado en la época victoriana del Reino Unido, basado en un cuento de Edgar Alan Poe. Es una película oscura, bien narrada y sublimemente protagonizada, que centra su relato en describir la locura y las atroces prácticas médicas que en aquel entonces se llevaban a cabo para tratarlas.

De cinematografía correcta, el filme logra su cometido de ambientar la trama en un escenario inhóspito y extremadamente lúgubre. Independiente de la fidelidad que la historia pudiera tener con su musa literaria, Eliza Graves captura a la perfección la esencia estilística de Poe, entregando una narración interesante que en la superficie pareciera no guardarse nada, pero que llegando al final sorprende con un giro argumental.

Quizás no sea una obra maestra, pero sin lugar a dudas Eliza Graves es un muy buen exponente en el género, donde se destacan la caracterización de los personajes y la ambientación del relato. Quienes disfruten de este tipo de cine no quedarán decepcionados.






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CRÍTICA - CINE - Cold in July

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Dirección: Jim Mickle.
Reparto: Michael C. Hall, Sam Shepard y Don Johnson.
Duración: 109 min.

5

Dexter sin experiencia.


No es la primera vez que realizadores independientes norteamericanos intentan incursionar en el cine noir recurriendo al sur de Estados Unidos como escenario. Cold in July, sin ser exactamente lo mismo, me hizo recordar a la no hace mucho tiempo estrenada Killer Joe. Las reminiscencias no se limitan sólo al género que las vincula, sino también a su calidad: ambas son películas mediocres.

Cold in July es una película interesante en lo estrictamente cinematográfico, donde se destacan una gran variedad de planos muy bien logrados. En lo narrativo, sin embargo, se trata de un thriller anodino. La historia comienza con una premisa bastante convencional, pero rápidamente se degenera hasta los límites de la extravagancia. Es difícil engancharse con la trama, porque de un momento para el otro el hilo argumental se deshilacha por completo y pierde el rumbo, modificando las motivaciones del protagonista en forma radical. El giro es tan inverosímil, que el espectador termina desorientado. Sinceramente no se entiendo el rol del personaje protagónico a partir de la mitad de la película.

Hay buenas actuaciones, buena fotografía y un par de secuencias violentas que valen la pena ver, pero la historia no logra convencer en absoluto. Cold in July pretende impactar al espectador con un relato oscuro, pero muere en el intento.





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CRÍTICA - CINE - Locke

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Dirección: Steven Knight
Reparto: Tom Hardy, Olivia Colman, Ruth Wilson
Duración: 85 min

8

Desde la autopista


Locke es una propuesta muy en sintonía con “Buried”, aquella joya inesperada estrenada en 2010 y protagonizada por Ryan Reynolds. Si bien se trata de géneros y argumentos completamente distintos, ambas películas comparten un estilo muy similar en el que la historia se desarrolla en tiempo real, dentro de un escenario reducido y con apenas un protagonista visible.

Ivan Locke no está confinado en un cajón, sino encerrado en una cabina vehicular en movimiento constante. Desde allí transcurre la historia, a medida que el protagonista va realizando y recibiendo llamadas telefónicas de distinta índole. La trama se construye en forma inteligente, a través de diálogos de alto contenido dramático que contribuyen a un clima de tensión progresivo. Locke, a diferencia de Buried, no es la crónica de una tragedia fatal, sino más bien de un hecho verosímil y desafortunado. Incluso así, sin el dramatismo agregado que supone una situación de riesgo de muerte, la película se las ingenia para aportar una contundencia enorme al relato, gracias a la combinación de un fantástico guion y una actuación descollante de Tom Hardy.

Locke se aleja mucho de los patrones cinematográficos comunes, y allí radica su mérito: contar un drama verosímil en tiempo real exponiendo al máximo las emociones de su protagonista. No es una película que vaya a impactar a toda la audiencia, pero quienes estén dispuestos a ver algo distinto encontrarán en esta propuesta una experiencia casi hipnótica.

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CRÍTICA - CINE - 7 cajas


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Dirección: Juan Carlos Maneglia, Tana Schembori
Reparto: Celso Franco, Víctor Sosa, Lali Gonzalez
Duración: 105 min

9

La joya del Paraguay


7 cajas es un suspiro cinematográfico, una bocanada de aire fresco que trasciende las fronteras convencionales de la industria y demuestra que no siempre hace falta un productor con una billetera gorda para lograr una excelente película.

No se trata de una película nueva. 7 cajas se estrenó en 2012, pero dada la falta de recursos y la ausencia de una poderosa distribuidora que se involucrara en el proyecto, recién ahora comienza a masificarse. Es cine paraguayo, por extrañas que suenen esas dos palabras juntas; no cualquier tipo de cine, sino cine de primerísima calidad. La fotografía, la edición, las actuaciones y el guion alcanzan los más altos estándares de la industria, para configurar una propuesta sinceramente imperdible.

Sin ajustarse a ningún género en particular, 7 cajas es una de esas raras películas en las que todo se hace bien. Hay suspenso, comedia, acción y una pizca de romance, todo perfectamente adaptado a un escenario poco convencional, como es un mercado de concentración en Asunción. La historia es hilvanada de manera soberbia, presentando y desarrollando múltiples personajes que logran dejar su huella en el espectador.
Quizás sea ésta la mejor película de la historia del cine paraguayo. Es una propuesta original, entretenida y brillantemente ejecutada por sus realizadores y protagonistas. Difícil que decepcione, fácil que sorprenda.
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CRÍTICA - CINE - Non-Stop

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Director: Jaume Collet-Serra.
Duración: 106 minutos.
Casting: Liam Neeson y Julianne Moore.

8/10 - Muy Buena

Entretenimiento sin escalas.


El maduro y tardío referente del cine de acción, Liam Neeson, retorna a la escena para mostrar su incansable perfil de héroe, y no decepciona. Non-stop es un sólido thriller que combina en forma eximia cinematografía, narrativa y actuaciones, para alcanzar un producto final que supera ampliamente el promedio en su genero.

Neeson no cansa en su traje de duro, si lo demás acompaña. Un gran actor como él aporta credibilidad al protagonista, sobre todo cuando le ponen a su lado a otra gran actriz como Julianne Moore. Non-stop es cine entretenimiento, pero con gran nivel dramático y sobresaliente calidad narrativa. Los personajes están muy bien presentados y la historia se desenvuelve de modo armónico, sin atajos ni artilugios arrítmicos. Las cámaras y la edición también son muy buenas, para quienes busquen “peros” en lo técnico (como como quien suscribe).

Non-stop no es una película más de suspenso y acción, sino una de las buenas. Quizás no muestre nada que no se haya visto antes, pero lo que muestra es de primera calidad. Obviamente que dentro de su género supone una cuota importante de exageración, a tener en cuenta por aquellos que constantemente contrastan la realidad con la ficción. Quienes quieran pasar un buen rato sin detenerse en detalles y verosimilitudes, van a disfrutar de esta muy buena propuesta.




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CRÍTICA - CINE - Out of Furnace

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Director: Scott Cooper.
Duración: 118 minutos.
Casting: Christian Bale, Casey Affleck, Woody Harrelson, Forest Whitaker, Willem Dafoe, Sam Shepard y Zoe Saldana.

8/10 - Muy Buena

Fuera del horno, pero caliente.


Out of Furnace no es una película original, sino apenas otra variante narrativa de la típica historia de venganza. Pero no es el argumento en sí lo que hace de esta propuesta un gran exponente en su género, sino todo lo demás; y al decir todo lo demás, literalmente me refiero a todo lo demás: actuaciones, cinematografía y guion.

Los personajes de Out of Furnace son vívidos, creíbles y logran que el espectador se sumerja en una historia magníficamente guionada, que derrama tristeza, violencia y oscuridad. La ambientación del filme es también impecable y logra capturar la esencia de la problemática social norteamericana con un notable despliegue visual. La fotografía es muy buena, sobre todo en los planos que se han elegido para contar ciertos pasajes cruciales de la historia. La música, por otro lado, está a cargo de Pearl Jam, lo que sin dudas magnifica la experiencia.

Entre todas la virtudes técnicas y narrativas, en la película se destaca su reparto. Hay seis protagonistas de primer nivel, que se reparten el guion y le sacan a sus personajes el máximo jugo posible, pero entre Bale, Affleck y Harrelson, uno verdaderamente no sabe con quién quedarse. Los tres logran, cada uno a su modo, transmitir sus miedos, frustraciones y odios, a través de interpretaciones magistrales.

Out of Furnace no es nada nuevo, pero está muy bien lograda. Siempre da gusto ver una película tan minuciosa en su trámite narrativo y tan bien caracterizada por sus protagonistas. Habrá quienes no encuentren nada espectacular en ella, pero dudo que pueda defraudar a cualquiera que sepa por dónde viene su género y no busque una película pochoclera.


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CRÍTICA - CINE - Joe

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Director: David Gordon Green.
Duración: 118 minutos.
Casting: Nicolas Cage y Tye Sheridan.

7/10 - Buena

Otro rebelde sin causa.


Joe es una película interesante y distinta, que explora las entrañas de la decadencia social norteamericana a través de una historia triste y por momentos también violenta y oscura. No es una propuesta extraordinaria y no está libre de defectos, pero es una experiencia gratificante.

Nicolas Cage asume, como en los viejos tiempos, un rol que le exige cierto compromiso actoral, y es sinceramente un placer volver a verlo en la pantalla encarnando a un protagonista con problemas más cercanos a la realidad. Joe es un personaje complejo que magnetiza al espectador desde recién comenzada la historia; un tipo duro con problemas de actitud y algún que otro escollo psicológico no resuelto, pero que conserva sus valores intactos. Cage lleva adelante la película compartiendo el protagonismo con Tye Sheridan, una joven promesa del cine que ya brilló en MUD y que en esta oportunidad demuestra que no ha sido casualidad. El resto del reparto también está muy bien, y en especial hay que destacar a quien interpretó al padre alcohólico del joven protagonista, quien era en realidad un vagabundo y meses después de terminada la película falleció en la calle. No se le puede pedir más compromiso con la realidad a un director que contrata a un errante callejero para hacer de sí mismo.

Joe es una película visceral y profunda en los problemas que toca. La decadencia de cierto estrato social del sur de EEUU está excelentemente retratada en la película, siempre bajo muy buenos estándares cinematográficos; pero tanta contundencia y profundidad descriptiva carecen de una sólida historia que las envuelva, y ése es un detalle que resta en el puntaje final. Los problemas de los protagonistas están muy bien expuestos en la pantalla, pero carecen de sustancia narrativa que los explique, lo que de algún modo atenta contra la verosimilitud de la historia. Joe sería un personaje mucho más creíble al espectador si se dieran detalles más certeros acerca de por qué es como es, y eso no sucede. Apenas se mencionan vagamente ciertas situaciones poco convincentes. Lo mismo ocurre con otros personajes que aparecen y desaparecen de escena como por arte de magia, sin demasiadas explicaciones.

Joe es un drama que triunfa en la exposición de sus ideas centrales pero que hace un poco de agua a la hora de contar una muy buena historia. De cualquier manera, es una propuesta original y lo suficientemente sólida como para no defraudar a nadie. Vale la pena.




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American Hustle - Crítica de cine

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Director: David O. Rusell.
Duración: 138 minutos.
Casting: Christian Bale, Amy Adams, Bradley Cooper, Jennifer Lawrence y Jeremy Renner.

5.5/10 - Regular

La ambientación por sobre la historia.


American Hustle es una película rara, que no ha llegado a cerrarme del todo. Posee un muy buen elenco y buena cinematografía, pero su aspecto narrativo es realmente deficiente.

El guion es por lo menos confuso. No hay un claro foco en algo en particular, sino que la historia se desenvuelve de modo caótico, abriendo líneas argumentales que se ramifican alrededor de una trama troncal débil, no por ser insustancial, sino por la forma en que es presentada. Hay un desbalance absoluto en el modo de narrar los hechos, ya que el director prefiere dedicarle más tiempo a mostrar ciertos aspectos intrascendentes de las relaciones entre los personajes que en desarrollar el nudo de la historia.

En American Hustle no existen los momentos cruciales ni hay escenas de alto impacto emocional, porque el peinado de los protagonistas o la forma en que se visten pareciera ser más importante que lo que se cuenta. Esa superficialidad no sólo despierta cierta incredulidad acerca del tema tratado, sino que hace que por momentos el espectador confunda el género al cual se ciñe. Sinceramente, no llegué a distinguir si algunas escenas eran dramáticas o cómicas.

American Hustle es una película visualmente imponente. Su fotografía es de primer nivel y la ambientación es maravillosa, pero la historia está muy mal contada. Quienes quieran solamente ver el retrato de una época a través de personajes muy bien caracterizados quizás encuentren valor en la película, pero los que quieran sentarse a disfrutar de una buena historia seguramente quedarán decepcionados.





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Gravity - Crítica de cine

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Director: Alfonso Cuarón.
Duración: 91 minutos.
Casting: Sandra Bullock y George Clooney.

8.5/10 - Muy buena

Cine envolvente.


El espacio es quizás el escenario más inhóspito que el ser humano pueda imaginar. Gravity se hace de esa premisa y elabora un relato escalofriante que no le da descanso al espectador de principio a fin.

Prácticamente no hay historia que contar en la película, pero tampoco es necesaria. Gravitiy no es un cuento de supervivencia, sino más bien una experiencia. Hay una línea argumental que aporta cierta perspectiva a los hechos, pero el filme pone el foco en los aspectos sensitivos, no en lo narrativo, y lo hace con excelencia, gracias a una dirección que tiene más que merecida el Oscar.

Se trata casi de una lección de cinematografía. La película transcurre en continuado y su percepción de tiempo real es inigualable, gracias una edición que supera todos los estándares conocidos. Lo interesante es que los realizadores no hayan caído en la tentación de utilizar técnicas de filmación propias de películas como Blair Witch Project o Cloverfield, sino que se hayan ceñido a la fotografía tradicional. Aunque tradicional, en este caso, no implique falta de originalidad. La fotografía de Gravity se destaca no sólo por sus soberbias tomas, sino por el dinamismo incluido dentro de las mismas. Hay un trabajo de planificación de cámaras y ángulos sinceramente impactante, amén de la ya comentada edición, que sin dudas incluye un impresionante despliegue de efectos especiales.

Gravity son 91 minutos de frenetismo, asombro e impacto sensorial. Es una de las experiencias espaciales más inmersivas que se hayan visto en la historia de la pantalla grande, y como tal, es de visón imprescindible para todos aquellos amantes del buen cine.


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CRÍTICA - CINE - Escape plan

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Director: Mikael Håfström.
Duración: 115 minutos.
Casting: Sylvester Stallone, Arnold Swcharzenegger y Jim Caviezel.

7/10 - Buena

Otra condena brutal.


Dos íconos del cine de acción se han reunido para el deleite de sus fanáticos. Sly y Arnold, los actores más exitosos de la historia del género, comparten protagonismo en la pantalla como nunca antes lo habían hecho (ya habían trabajado juntos, pero nunca ambos en roles protagónicos) y terminan entregando no menos de lo esperado: una película entretenida.

Desde ya, Escape plan despliega una historia altamente improbable, pero bien presentada. La falta de verosimilitud del relato es compensada por una narración sólida que invierte tiempo en describir y desarrollar a sus personajes, ciñéndose a muy buenos estándares cinematográficos. Hay buenas cámaras, buena edición y un guion decente, que si bien posee imperfecciones, también tiene algún que otro destello de ingenio.

Escape plan es cine entretenimiento y cumple como tal. Stallone hace un buen papel, Schwarzenegger acompaña como puede y Caviezel se adapta a las necesidades de su personaje. Quizás la conclusión sea un poco apresurada, pero dentro de todo es una historia bien contada que no defraudará a los aficionados del género.

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CRÍTICA - CINE - The family

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Director: Luc Besson.
Duración: 111 minutos.
Casting: Robert De Niro, Michel Pfeiffer, Diana Agron, Tommy Lee Jones y John D´Leo.

5.5/10 - Regular

Familia mafiosa poco convincente.


Luc Besson es un gran director de cine y nadie duda de ello. Sabe de cámaras, de edición y también sabe contar historias, cuando son buenas. The Family es una comedia negra que de alguna manera busca homenajear el cine de gangsters, y si bien por momentos lo logra gracias a su buena fotografía y algún que otro pasaje entretenido, no hay solidez en la totalidad de la propuesta.

El mayor problema de la película es el guion, que intenta retratar una familia vinculada con la mafia desde diferentes aristas. En vez de enfocarse en apenas uno o dos personajes, Besson se juega por abrir múltiples líneas narrativas, lo que termina atentando contra la contundencia del relato. Las subtramas carecen de sustancia y agregan poco y nada al buen desarrollo del filme. Hay ángulos interesantes dentro del argumento, pero el director pareciera haberlos obviado para narrar lo menos importante.

The Family apenas se disfruta gracias a sus virtudes técnicas y a algunas escenas bien logradas, pero el aspecto narrativo de la película sinceramente deja mucho que desear.
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