Críticas salvajes en una jungla de temas…

CRÍTICA | CINE | Loving Vincent

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Directores: Dorota Kobiela y Hugh Welchman
Duración: 1h 34 minutos
Casting: Douglas Booth, Jerome Flynn, Robert Gulaczyk

8

Una pinturita


Detrás de su estética original, Loving Vincent es un drama presentado y desarrollado en clave de policial, rescatando lo mejor de la literatura detectivesca británica del siglo pasado. Es visualmente imponente, pero también es cautivante a nivel narrativo. Imperdible.


Lo mejor:
- La construcción de la trama
- Brillante concepto artístico

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CRÍTICA | CINE | It

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Director: Andy Muschietti
Duración: 2h 15 minutos
Casting: Bill Skarsgård y muchos otros niños

8

Celebrando a King


It es una muy buena propuesta de terror, pero también es un gran homenaje a Stephen King y a la ficción de los 80´ en general. Divertida y escalofriante en partes iguales, la película logra fusionar géneros de manera magistral, inspirándose narrativamente en Cuenta conmigo, de Rob Reiner, y cinematográficamente en el cine de terror japonés. Quizás sea, junto a Cuenta Conmigo, Cementerio de Animales y Misery, una de las mejores adaptaciones a la pantalla grande de la literatura del renombrado escritor. Indispensable para cualquiera que haya nacido antes de 1980.

Lo mejor:

- Las escenas de terror
- Humor pre-adolescente eximiamente guionado



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CRÍTICA | CINE | Mother!

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Director: Darren Aronofsky
Duración: 2h 1 minuto.
Casting: Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Ed Harris y Michelle Pfeiffer

8

Cine pesadilla


Darren Aronofsky vuelve a sofocar a la audiencia con una de las obras más dantescas y simbólicas de su filmografía. Mother! es una alegoría escalofriante y descarnada que explora el costado más siniestro de la celebridad de forma visceral y angustiante. Nuevamente, el director hace gala del sub-género que supo inventar y aterroriza al espectador hasta asegurarse de entregar el mensaje de modo contundente. Su cine, a mi gusto, sigue siendo una experiencia trascendental e inolvidable. A veces, en el cine, pasarla mal vale la pena.

Lo mejor:
- la cinematografía en general, el trabajo de cámara en particular
- el clima de tensión generado por el director es inigualable
- la existencia de un mensaje sustancial


Lo que hay que saber: es una película extremadamente incómoda y para un público reducido


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CRÍTICA | CINE | Logan Lucky

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Director: Steven Soderbergh
Duración: 1h 58 minutos.
Casting: Channing Tatum, Adam Driver y Daniel Craig

8

Ocean´s 11 a lo Coen


Logan Lucky es otra pieza más en la ecléctica cinematografía de Soderbergh, esta vez obsesionado por “homenajear” a los hermanos Coen con una heist movie. Es una propuesta muy entretenida, que invierte en una alquimia que funciona, sin necesariamente deslumbrar.

Lo mejor:
-La estructura narrativa de Ocean´s Eleven con protagonistas más caricaturescos, excéntricos y mundanos

Lo peor:
-La innecesaria incorporación de una investigación policial inconducente y el consecuente desperdicio de Hilary Swank

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CRÍTICA | CINE | War of the planet of the apes

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Director: Matt Reeves
Duración: 2h 20 minutos.
Casting: Andy Serkis y Woody Harrelson

8

El hombre según el mono…


War of the Planet of the Apes consolida una gran trilogía de acción y ciencia ficción, en la que se destaca, por sobre todas las cosas, su sustancia argumental. Lo interesante de la saga es que, en el trámite de entretener al público, logre construir y desarrollar un mensaje antropológico de alta contundencia emocional.

Lo mejor: el guion, los diálogos y los personajes



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CRÍTICA | CINE | Wind river

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Director: Taylor Sheridan
Duración: 1h 47 minutos.
Casting: Jeremy Renner y Elizabeth Olsen

9

Suspenso helado…


Wind River es uno de los mejores thrillers que ha dado el cine en las últimas décadas. A la altura de películas como Prisioneros y Sicario, pero con un plus de verosimilitud que la envalentona, la propuesta orquesta perfectamente el suspenso, la acción y el drama, redondeando una experiencia excepcional.

Lo mejor:
- diálogos precisos y contundentes
- escenas de acción sorpresivas e impactantes
- clima de suspenso constante




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CRÍTICA | CINE | Spiderman Homecoming

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Director: Jon Watts
Duración: 2h 13 minutos.
Casting: Tom Holland, Michael Keaton, Robert Downey Jr. y otros

8

Adolescente araña…


Homecoming es el relanzamiento perfecto para incluir a Spiderman dentro del universo cinematográfico de Marvel. Es una propuesta entretenida y muy bien guionada, que apuesta en dosis iguales al humor y la acción, utilizando cinematografía de primer nivel como vehículo.

Comparándola con las demás Spiderman: está a la altura de las dos primeras partes previas. Para mi gusto, Spiderman 2, de Sam Raimi, sigue siendo la mejor.



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CRÍTICA | CINE | Blade Runner 2049

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Director: Denis Villeneuve
Duración: 2h 43 minutos.
Casting: Ryan Gosling, Ana de Armas, Harrison Ford, Jared Leto y Robin Wright

8.5

La secuela perfectista…


Si bien Blade Runner 2049 es minuciosamente fiel a la premisa original, tanto en lo estético como en lo conceptual, es una película con identidad propia; una identidad con envase conocido, pero con alma renovada. Ridley Scott, hace ya 35 años, cambió el cine de ciencia ficción para siempre y Denis Villeneuve, un gran aprendiz de brujo, logró perfeccionarlo.

La secuela de Blade Runner es probablemente uno de los mejores exponentes de ciencia ficción noir de la historia del cine, superando incluso a su predecesora. A ritmo pausado, entre escenarios lúgubres y tonos apagados, esta continuación sabe construir un policial contundente, gracias a un guión efectivo y gratificante a nivel argumental. Así y todo, y seguramente no sea una coincidencia, las resoluciones son abruptas y precipitadas, al igual que en la versión previa.

Narrativamente, Blade Runner 2049 es poco ortodoxa en su conclusión, lo que puede gustar más o menos al espectador, dependiendo de sus expectativas. En todo lo demás, podría decirse que es una secuela superadora. Imperdible para todo aficionado al género.





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CRÍTICA | CINE | Baby Driver

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Director: Edgar Wright
Duración: 1h 52 minutos.
Casting: Ansel Elgort,, Jon Hamm, Jamie Foxx, Eiza González y Kein Spacey.

8

Acción a ritmo de videoclip…


Baby driver es una revolución de subgénero; una “heist movie” de narrativa alternativa, que construye su trama a partir de una premisa original y entretenida.

Lo mejor:
+ Excelente cinematografía
+ Escenas de acción sorpresivas e impactantes
+ Personajes eximiamente logrados
+ Muy buena edición musical

Por qué no más de 8? Incurre en resoluciones triviales y apresuradas







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CRÍTICA | CINE | Guardians of destiny 2

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Director: James Gunn
Duración: 2h 16 minutos.
Casting: Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista y Kurt Russell

7.5

Humor estelar recargado…


La continuación de Guardianes de la Galaxia consolida un sub género dentro del universo de Merval: la comedia de ciencia ficción. Dentro de los límites de esa premisa, es una propuesta entretenida y muy bien dirigida, con dos o tres escenas altamente destacables. Quizás sea, sobre todo en lo que respecta al guión, levemente inferior a su predecesora, pero sin lugar a dudas vale la pena.







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CRÍTICA | CINE | Dunkirk

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Director: Christopher Nolan
Duración: 1h 46 minutos.
Casting: Fionn Whitehead, Damien Bonnard, Aneurin Barnard y muchos otros

9

Rescatando a 400.000 Ryans…


Dunkirk es una experiencia bélica intensa, inmersiva y eximiamente narrada. También es una prueba más -como si hiciera falta- de que Nolan es uno de los mejores directores de la historia del cine. Imprescindible.








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CRÍTICA | CINE | John Wick: Chapter 2

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Director: Chad Stahelski
Duración: 2h 02 minutos.
Casting: Keanu Reeves, Riccardo Scamarcio, Common, Ian McShane y otros…

8

Mitología asesina…


Los primeros 20 minutos de John Wick 2 no son una introducción, sino más bien un epílogo; la rimbombante conclusión de una primera entrega que impactaba cinematográficamente, pero que decepcionaba en lo argumental. Entre piñas, patadas y tiros, se sepultan las motivaciones banales e inverosímiles que supo tener el protagonista y surge una leyenda. El hombre de la bolsa regresa en un capítulo más intimista y complejo, sin resignar el entretenimiento.

Ya no es por un perro ni por un auto. John Wick 2, sin tener una trama sofisticada, logra explorar un universo ficcional sumamente interesante, gracias a un guion bien elaborado que apuesta por personajes enigmáticos y conflictos bien presentados. Narrativamente, hay años luz de distancia entre esta película y su predecesora, pero no así en la dirección de las escenas de acción, donde Chad Stahelski deja en claro que en apenas unos pocos años se ha convertido en uno de los mejores cineastas en el género, junto con los hermanos Russo.

John Wick 2 repite todo lo bueno de su capítulo presentación y modifica lo que no funcionaba. Como resultado, esta secuela es una exquisita y adrenalínica incursión en el submundo de los asesinos a sueldo, que logra crear una mitología e instalar como epicentro de ésta a su inexpresivo pero magnético protagonista. Para divertirse sin culpa.







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CRÍTICA | CINE | Get out

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Director: Jordan Peele
Duración: 1h 44 minutos.
Casting: Daniel Kaluuya, Allison Williams, Catherine Keener y Bradley Whitford

8

Horroroso racismo…


Es difícil hacer una crítica exhaustiva de Get out sin incurrir en spoilers, por lo que voy a ser breve y sintético: es, sin lugar a dudas, uno de los exponentes más originales y efectivos en su género en años, a la par de Don´t Breathe.

Misteriosa, oscura y por momentos aterradora, Get out incomoda al espectador de principio a fin con una trama inesperada y personajes inquietantes, recurriendo fundamentalmente al suspenso y al terror, aunque de tanto en tanto incorpora también alguna que otra dosis de humor.

Quizás no se trate de una perla del cine, pero en un género ajado y repetitivo, propuestas como estas revitalizan a la audiencia. Get out merece verse, sin lugar a dudas.








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CRÍTICA | CINE | Patriot´s day

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Director: Peter Berg
Duración: 2h 13 minutos.
Casting: Mark Walhberg, John Goodman, JK Simmons, Kevin Bacon y otros

8.5

Los patriotas de Boston


Como parte de su ya manifiesta cruzada por llevar a la pantalla grande historias verídicas recientes (siempre usando a Walhberg como protagonista), Peter Berg se mete esta vez en las entrañas de Boston para contar, con lujo de detalles, los hechos acaecidos en dicha ciudad en 2013, en que dos hermanos fundamentalistas conmocionaron a la sociedad con un violento atentado en el último tramo de una tradicional maratón.

Patriot´s Day reafirma lo ya sabido: Peter Berg es uno de los directores más talentosos y perfeccionistas de su generación, de esos que se involucran en el proyecto desde la incepción literaria hasta la sala de edición. Como resultado, la película se destaca en múltiples aspectos, que básicamente pueden resumirse en 2: el narrativo, con un guión brillantemente esquematizado y el cinematográfico, con variados recursos de dirección, entre los que predomina la cámara en movimiento y una soberbia edición.

Como si las virtudes de la cinta fueran pocas, cabe mencionar que el reparto es espectacular, con grandes nombres dando cuerpo a protagonistas no estelares y con Mark Walhberg liderando el hilo argumental, quien básicamente hace lo suyo. No es un misterio del cine el idilio entre Berg y Walhberg, sino más bien una relación conveniente y simbiótica. El actor produce y protagoniza los proyectos del director, aportando dinero y audiencia.

Patriot´s day es una imperdible versión de lo ocurrido en Boston en 2013, narrada excepcionalmente a través de múltiples personajes y filmada con muchísimo talento. Quizás fue pormenorizada por su evidente tinte patriótico, pero para mi gusto es imperdible.






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CRÍTICA | CINE | Allied

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Director: Robert Zemeckis
Duración: 2h 04 minutos.
Casting: Brad Pitt y Marion Cotillard

8

Los espías amantes


Allied no fue del todo bien recibida por la crítica, quizás por ser una pieza que no aporta demasiada novedad ni sustancia al cine contemporáneo. La cinta es, sin embargo, otra clase magistral de cine por parte de Zemeckis, quien entretiene a su audiencia con una muy buena historia de espías.

Ambientada en la segunda guerra mundial, Allied no tiene tiempos muertos en materia narrativa. Es una propuesta ágil, que introduce a sus protagonistas de inmediato y avanza sobre la historia a paso acelerado. En ese trayecto, el director incursiona en múltiples géneros, logrando una alquimia fílmica verdaderamente efectiva, a veces opacada por la poco inspirada actuación de Brad Pitt, pero siempre rescatada por la habilidad cinematográfica de un director que maneja las cámaras y la edición como pocos en la historia de la industria.

Con acción, aventuras, suspenso y romance, Allied es una sólida y bien balanceada propuesta en el universo del espionaje. Probablemente no sea nada nuevo, pero como entretenimiento está muy por encima del promedio en su género.




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CRÍTICA | CINE | Hacksaw Ridge

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Director: Mel Gibson
Duración: 2h 19 minutos.
Casting: Andrew Garfield, Vince Voughn y Sam Worthington

9

Como Pearl Harbour, pero buena y verídica


Luego de una década de ausencia y una seguidilla ininterrumpida de escándalos personales, Mel Gibson volvió a ponerse detrás de cámara para dar prueba de que su talento para la dirección continúa intacto. Hacksaw Ridge, sin miedo a equivocarme, es quizás una de las mejores películas de guerra de la historia del cine junto a Rescatando al soldado Ryan y La caída del Halcón Negro.

Con la mirada explícita que lo caracteriza, Gibson hace que la guerra cobre vida en los sentidos del espectador. De la mitad del filme para adelante, Hacksaw Ridge es una experiencia cruda e inmersiva, que retrata la ferocidad de los hechos acaecidos de modo inigualable, sin descuidar el costado narrativo de la propuesta. Y es que, más allá de la sangre, las explosiones y las vísceras surcando la pantalla, la película cuenta una historia verídica con una sensibilidad inaudita, logrando una rarísima y muy difícil alquimia en el cine: contar una historia de amor, coraje y valores personales sin resignar contundencia visual.

Si Mel Gibson pudiera contener sus emociones y encarrilarse, no me caben dudas que está llamado a ser uno de los mejores directores de todos los tiempos. Talento le sobra y tiempo aún tiene. Dios quiera que nos siga deleitando con propuestas como esta.



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CRÍTICA | CINE | Captain Fantastic

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Director: Matt Ross
Duración: 1h 58 minutos.
Casting: Viggo Mortensen

8

Capitán psicópata


Captain Fantastic es una propuesta atípica y extravagante, que explora la sociedad moderna y ahonda en las consecuencias de sus imperfecciones. Con un guión muy bien ideado y eximias actuaciones, es una película original, reflexiva y emocionalmente impactante.

Con ciertas reminiscencias de Into the Wild, esta nueva entrega desarrolla una trama de mensaje dual: por un lado, describe los vicios de nuestra sociedad y por otro, expone las consecuencias de obsesionarse al respecto. Es una introspección más que interesante dentro la vida social actual, en la que el desafío es encontrar un balance que permita la convivencia y evite ambos males: la enfermedad de las masas y el aislamiento.

La cinematografía, en este caso, pareciera ser una excusa. Captain Fantastic es el tipo de película que acarrea un mensaje contundente; una ficción construida como vehículo de una reflexión profunda y sentida. Para ver, pensar y discutir. Vale la pena.




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CRÍTICA | CINE | La La Land

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Director: Damien Chazelle
Duración: 2h 8 minutos.
Casting: Emma Stone y Ryan Gosling

9

Casablanca cantada y bailada


Considerar a La La Land apenas un musical sería minimizarla. Por supuesto que ése es el género predominante de la cinta, pero el ritmo en sus escenas no es fin, sino medio; una entretenida e impactante forma de contar una historia de amor genuina, con la que más de un espectador podría verse identificado.

Técnicamente, La La Land es sublime. Gran parte del filme está dirigido en planos secuencia con cámaras en movimiento, a veces con muchos bailarines en escena. La dimensión del trabajo y la coordinación que exige filmar múltiples coreografías en plano secuencia es sinceramente inimaginable, y es por eso que la película impacta sensorialmente: el trabajo de dirección es realmente insuperable. Pero lo técnico no es lo único brillante de la propuesta, que apela a una vieja y conocida receta argumental hollywoodense y la recicla de la mejor manera posible. Más allá de las diferencias de género y estilo, las reminiscencias de Casablanca subyacen en una trama coral, entretenida y en ocasiones triste, que se mira, se escucha y también se siente.

Desde Moulan Rouge que el cine no brindaba una propuesta musical tan lírica como La La Land. Es una película para divertirse, reír y llorar, con 5 minutos finales que quizás califiquen como uno de los fragmentos más elocuentes de la historia del cine. Una clase de cine magistral e imperdible.




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CRÍTICA | CINE | War Dogs

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Director: Todd Phillips
Duración: 1h 54 minutos.
Casting: Jonah Hill y Miles Teller

8

Negocios riesgosos


Y un día Todd Phillips se apartó de la comedia... y no le fue mal. War Dogs es a la industria armamentística estadounidense lo que The Big Short fue a Wall Street: una entretenida e increíble historia basada en un hecho real que desnuda un sector siniestro de la economía norteamericana.

Escrita y dirigida en clave de tragi-comedia, War Dogs lleva impreso el sello de su talentoso director, quien supo encontrarle el costado más jocoso a una historia verídica y escalofriante. La guerra, por supuesto, carece de comicidad, pero la forma en que los negocios se manejan a su alrededor no deja de llamar la atención y tiene, sin lugar a dudas, ciertas características insólitas. Phillips logra resaltar estos ribetes tan tristes como desopilantes dentro de la trama y compone una muy buena película que, como toda propuesta norteamericana políticamente incorrecta, divide a la audiencia y genera cierta controversia.

War Dogs es divertida y a la vez interesante, en tanto que propone una comedia a partir de una realidad por demás de dramática. Es una excelente primera incursión de Todd Phillips en un género distinto al que lo hizo célebre y está ideada para una amplia audiencia. Vale la pena de principio a fin.


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CRÍTICA | CINE | Star Wars: Rogue One

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Director: Gareth Edwards
Duración: 2h13minutos.
Casting: Felicity Jones, Diego Luna, Mads Mikkelsen y Forest Whitaker

8.5

La génesis de la esperanza


Los fanáticos de Star Wars todavía le están agradeciendo a Mickey Mouse, luego de que Disney decidiera rescatar la saga del nefasto destino que le auguraba George Lucas, su venido a menos creador. Rogue 1 no sólo es un fantástico aporte al universo en cuestión, sino quizás una de las mejores entregas desde la trilogía original.

Con un tono más adulto y personajes bien definidos, el prólogo de “A new hope” está a la altura de las expectativas más exigentes desde todo punto de vista. El relato está bien construido, con una historia simple pero perfectamente liderada por sus protagonistas, quienes saben acaparar la atención de la audiencia. En lo visual no hay mucho para decir; Rogue 1 es una película que respeta los cánones de dirección característicos de las antiguas Star Wars, así como lo hizo Abrams en episodio VII.

Esta historia alternativa al universo de Lucas entusiasma porque no es una película hecha con intenciones meramente comerciales, sino con un clarísimo compromiso narrativo para con todos los fans de la saga. Se destaca, sobre todo, por la excelente composición de sus personajes y por el modo en que encaja perfectamente en la trama troncal. Bien pensada, bien escrita y bien ejecutada, Rogue 1 es sin dudas un capítulo indispensable en la saga de ciencia ficción más célebre de la historia del cine.



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CRÍTICA | CINE | Arrival

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Director: Denis Villeneuve
Duración: 1h 56 minutos.
Casting: Amy Admas, Jeremy Renner y Forest Whitaker

8

Drama de ciencia ficción


La ciencia ficción, en esta oportunidad, es apenas un vehículo; un medio para la entrega de un mensaje complejo y múltiple, más relacionado con la humanidad que con los extraterrestres. Arrival quizás no sea el tipo de propuesta que la mayoría esté buscando, pero alcanza un grado de profundidad atípico en su género.

Entre Interstellar y I Origins, así definiría yo que se posiciona Arrival. Es una película creativa y bien guionada desde la ficción, pero cuyo compromiso narrativo es en realidad dramático. Apelando a algún que otro ingrediente de la ciencia ficción especulativa y a un truco de índole narrativo ya visto antes, la trama se va construyendo alrededor de las emociones de los protagonistas. El resultado es muy bueno, porque Arrival logra un fin bipartito: sorprender y emocionar en dosis casi iguales.

Lo que comienza como una invasión extraterrestre termina como una introspección humana. Arrival utiliza a los ovnis para ahondar en las entrañas antropológicas del hombre, y lo hace muy bien. Muy recomendable.



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CRÍTICA | CINE | Sully

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Director: Clint Eastwood
Duración: 1h 36 minutos.
Casting: Tom Hanks, Aaron Eckhart.

8

Crónica neutra de un milagro


El milagro del río Hudson podría haber sido un épico melodrama de múltiples protagonistas y un héroe estereotipado, con tonos musicales emocionantes y tomas imponentes. Sully es, sin embargo, el opuesto, porque cayó en las manos de un director que ha preferido contar esta historia verídica con extraordinario e inusual realismo, a mi criterio exitosamente.

Clint Eastwood evitó el estándar de Hollywood y pidió un guión convincente. Entre la infinidad de ángulos que surgen de un evento de estas características, el director eligió contar la historia del máximo responsable del milagro: el capitán que aterrizó un avión sobre un río citadino. Sin golpes bajos, sin imágenes escalofriantes y sin la necesidad de ficcionar los hechos, Sully ahonda narrativamente en el siniestro y su posterior investigación por parte de las autoridades aeronáuticas, logrando una película emocionalmente neutra, pero de una verosimilitud absoluta.

Sully es una historia real contada en forma pragmática, con muy buena cinematografía y, sobre todo, con un excelente guión. No apela a las emociones sino a la verdad. Bajo esa premisa, es una propuesta original y sumamente interesante que sin lugar a dudas merece ser vista.


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CRÍTICA | CINE | Don´t breathe

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Director: Fede Álvarez.
Duración: 1h 28 minutos.
Casting: Stephen Lang, Jane Levy y Dylan Minnette..

8

Suspenso que quita el aliento.


Entre los múltiples desafíos que propone el cine contemporáneo, la originalidad dentro del género suspenso es sin dudas uno de los más difíciles de lograr. Don´t Breathe triunfa, precisamente, al brindar una experiencia distintiva, que invierte en cinematografía de primer nivel y en buena narrativa al mismo tiempo.

La dirección de Federico Álvarez es quizás el punto más saliente de la película. Tanto la fotografía como la edición están milimétricamente pensadas para oprimir al espectador en todo momento y generar un estado de incomodidad permanente, pero no son sólo los aspectos técnicos los que se destacan en la propuesta. Don´t Breathe se guarda, inesperadamente, alguna que otra sorpresa dentro de la historia, lo que envalentona la experiencia vía el aporte de cierta sustancia narrativa extra.

Don´t Breathe tal vez no sea la película perfecta, pero está dentro de las mejores propuestas del tipo que hemos visto en los últimos años. Para ver en la oscuridad y en absoluto silencio.



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CRÍTICA | CINE | Star Trek: Beyond

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Director: Justin Lin.
Duración: 2h 2 minutos.
Casting: Chris Pine, Zachary Quinto, Karl Urban y otros.

8

Trilogía consolidada.


Las terceras partes son el verdadero talón de Aquiles de toda saga. Sin importar el género, desde El Padrino de Coppola hasta las Spiderman de Rami, las trilogías son una prueba difícil de superar y esta franquicia no estaba exenta del desafío.

Star Trek alcanzó su punto máximo en la continuación: Into the Darkness. Si a ese hecho se le agrega que J.J. Abrams relegó la dirección de la tercera entrega, entonces las chances de que este nuevo capítulo estuviera a la altura de las expectativas eran verdaderamente bajas. Sin embargo, Justin Lin supo sentarse en la silla del director y replicar lo que veníamos viendo sin necesariamente caer en la monotonía. Por supuesto que es otro estilo de dirección y, en esta oportunidad, el debutante prefirió enfocarse en la acción más que en una historia sumamente elaborada. La decisión, según mi criterio, fue la correcta. Lin le escapó a los riesgos típicos de las terceras partes: el exceso de pretensiones, y puso el foco en el entretenimiento y la interacción entre los personajes.

Beyond consolida la trilogía de Star Trek con una historia de escasa narrativa pero brillantemente ejecutada, tanto en lo cinematográfico como a nivel guion. Es una película muy divertida, bien contada y que sabe repartir el protagonismo entre el reparto. No es el mejor episodio de la saga, pero es uno que vale la pena ver.
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CRÍTICA | CINE | The Conjuring 2

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Director: James Wan.
Duración: 2h 14 minutos.
Casting: Patrick Wilson, Vera Farmiga y Madison Wolfe..

8

Basada en una mentira real.


Es difícil de creer que The Conjuring 2 esté basada en una historia real, como también fue el caso de la primera entrega. Estará, probablemente, basada en una farsa mediática montada con otros fines o quizás en la paranoia colectiva de una familia británica y sus allegados; pero independientemente de la verosimilitud de los hechos, lo cierto es que se trata de una película atrapante y escalofriante, que tiene el mérito de estar muy por encima del promedio del género, incluso tratándose de una continuación.

Hay que remarcar el compromiso de los realizadores, lo que no es algo sencillo de lograr para un director que lleva ya casi dos décadas encarando proyectos similares. James Wan, sin embargo, no se ha desgastado y no ahorra talento a la hora de contar la historia. La cinematografía es excelente, al igual que el guión y las actuaciones, lo que define la calidad final de una propuesta superadora en uno de los géneros más ajados de la pantalla grande.

James Wan es sin dudas el gran protagonista del cine de terror en la última década y esta entrega mantiene intacta la calidad de sus anteriores trabajos. The Conjuring 2 es indispensable para los amantes del terror y verdaderamente disfrutable para el resto.



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CRÍTICA | CINE | Florence Foster Jenkins

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Director: Stephen Frears..
Duración: 1h 52 minutos.
Casting: Meryl Streep, Hugh Grant y Simon Helberg.

8

A grito pelado.


Las comedias dramáticas basadas en hechos reales son difíciles, porque requieren de una alquimia difícil de lograr: una historia interesante + un guion que sepa contarla con comicidad + un director que logre plasmar el guión en la pantalla. Florence Foster Jenkins logra la proeza y entrega, sin lugar a dudas, una comedia memorable.

Es verdaderamente increíble la historia de esta acaudalada aficionada al canto, que en manos de cualquier otro director podría haber terminado en un melodrama punzante. Stephen Frears, sin embargo, rescata la esencia del relato con humor y se escapa con elegancia de los golpes bajos. Como resultado, nos hace reír con una historia triste, sin que sintamos culpa al respecto. Por supuesto que, además de la fantástica dirección y ambientación del filme, contribuyen enormemente al éxito del mismo las actuaciones de un soberbio reparto, donde se destacan la infalible Meryl Streep, un Hugh Grant quizás inédito y Simon Helberg, con un personaje excéntrico y divertido.

La peculiar historia de Florence Foster Jenkins merecía contarse con grandeza y Frears lo logra. Es una comedia dramática divertida y original que arranca sonrisas y rescata ciertos valores del espíritu humano, sin incurrir en las típicas recetas de Hollywood.



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CRÍTICA | CINE | Truth

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Director: James Vanderbilt.
Duración: 2h 5 minutos.
Casting: Kate Blanchett, Robert Redford, Denis Quaid y otros.

8

Detrás de Spotlight.


Truth posee una debilidad argumental que le ha quitado popularidad y que ha hecho que en su momento fuera eclipsada por la gran ganadora del oscar, Spotlight: su trama no es lo suficientemente controversial. Está basada en un hecho verídico y es una película impecable en todas su aristas, pero no posee la contundencia suficiente como para impactar en forma masiva. Trata, lisa y llanamente, de una investigación orientada a descubrir si George W. Bush finalizó o no su instrucción militar, lo que claramente es interesante pero no escandaloso.

El mundo de la noticia queda al desnudo en esta oportunidad. Truth quizás no cuente una historia impactante, pero expone al periodismo y al corporativismo mediático en el contexto de la política con enorme talento cinematográfico y un reparto sin desperdicios. Es un placer extraordinario ver a Kate Blanchett y a Robert Redford compartir la pantalla grande, lo que sin dudas se constituye como el mayor mérito del filme, aunque no el único.

Truth es, quizás, la película que un profesor de periodismo prefiriera enseñarle a sus alumnos para resumir los gajes del oficio. Es una gran propuesta en su género, muy bien guionada, dirigida y actuada. No es tan impactante como Spotlight, pero vale la pena de principio a fin.




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CRÍTICA | CINE | The nice guys

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Director: Shane Black.
Duración: 1h 56 minutos.
Casting: Rusell Crowe y Ryan Gosling..

8

Risas, trompadas y tiros.


Luego de haber brillado en los 80´ y los 90´, la buena comedia policial prácticamente desapareció de la pantalla grande en las últimas décadas, salvando ciertas excepciones. Shane Black, quizás uno de los máximos promotores de este subgénero cinematográfico, logra resucitarlo y reivindicarlo con The Nice Guys.

Más satírica y menos dramática que Arma Mortal, esta nueva entrega del cine negro policial esconde una gran comedia y viceversa, difuminando los límites entre géneros. Si bien no tomarla del todo en serio es casi un reflejo para el espectador, The Nice Guys posee un guión lo suficientemente elaborado como para tampoco tomársela en broma. Hay buenos chistes y muchas situaciones jocosas, pero también hay logradas escenas de acción, sin ahorro de violencia o sangre.

The Nice Guys es una grata y singular propuesta para quienes buscan humor, acción y una pizca de suspenso en dosis iguales. Está muy bien dirigida e impecablemente protagonizada por una dupla que sin lugar a dudas dará que hablar, como en su tiempo lo hicieron Mel Gibson y Danny Glover.



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CRÍTICA | CINE | The Gift

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Director: Joel Edgerton.
Duración: 1h 46 minutos.
Casting: Joel Edgerton, Jason Bateman y Rebecca Hall.

8

Suspenso con mensaje.


Joel Edgerton sorprende gratamente en su debut como director de un largometraje, entregando una propuesta de suspenso original y bien narrada que escapa a los estándares usuales del género.

No es el típico thriller. Las partes por separado en un principio pueden resultar familiares, pero a medida que se van encastrando para estructurar su argumento, The Gift comienza a tomar distancia de la receta habitual, diferenciándose en calidad narrativa. Edgerton se las rebusca para contar una historia adulta y verosímil sin ceder intensidad y lo logra, principalmente, gracias a las enormes actuaciones de sus protagonistas, lo que por supuesto lo incluye. Rebecca Hall y Jason Bateman completan el reparto con interpretaciones soberbias, aportando credibilidad a la historia.

The Gift atrapa, entretiene, sorprende y también nos deja pensando. No es usual que el género sea conductor de un mensaje contundente, y ése es uno de los grandes méritos de la ópera prima de Edgerton, quien se recibe de realizador con una nota alta, dejando un interesante precedente para el futuro.




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CRÍTICA | SERIES TV | Penny Dreadful

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Creador: John Logan.
Casting: Eva Green, Timothy Dalton, Josh Hartnett y Harry Treadaway.
Duración: 3ra temporada / 9 episodios / 2016.

8

Cuando lo bueno dura poco.


La tercera y última temporada de Penny Dreadful sorprende con un desenlace abrupto e inesperado, cediendo a los vicios narrativos propios de aquellos proyectos televisivos que son cancelados súbitamente. Lo curioso quizás sea que, incluso con los defectos manifiestos, la serie concluya exitosamente su ciclo. Los míticos personajes de la clásica ficción victoriana se despiden de la pantalla chica en forma prematura y dejando un sinsabor en la audiencia, pero se van por la puerta grande de la televisión, marcándola con un sello indeleble. La alquimia lograda por John Logan no tiene precedentes y seguramente, como suele suceder, sea reconocida masivamente con el paso de los años.

La evidencia de que Showtime no renovará contrato surge avanzada la temporada. De hecho, me atrevería a decir que, hasta 3 capítulos antes de culminar, esta tercera entrega se perfilaba como la mejor en la serie. Sin renunciar a su esencia poética y su complejidad argumental, Penny Dreadful incursiona esta vez en un género adicional: el western. Ethan Chandler asume entonces un protagonismo ascendente en el desierto americano mientras que en Londres se cuece un final apresurado. Sin dudas es esta la temporada más entretenida, expeditiva e impactante de todas, a costo de resignar la contundencia narrativa que supo hacer célebre la propuesta. La aceleración del trámite argumental es notable sobre el tercio final, cuando de repente comienzan a surgir atajos argumentales atípicos para el estilo de la serie. De allí a las resoluciones inmediatas prácticamente no hay distancia, y la trama de Penny Dreadful cae de un precipicio decepcionando en lo narrativo, pero al menos preservando la coherencia de la historia y sus protagonistas.

En forma impensada, Penny Dreadful se despide dejando personajes presentados a medias y líneas argumentales concluidas a los apurones, pero al menos lo hace dignamente. Esta es una gran temporada con un final abrupto y obligado, y ciertamente se resuelve en 3 capítulos lo que probablemente pudiera requerir un desarrollo de al menos 2 temporadas más. Es muy interesante el modo en que el creador de la serie decide terminarla, con un eximio poema que podría tener una lectura subliminal acerca del inusitado desenlace. Logan insiste en que el show estaba pensado así, quizás por cortesía hacia Showtime o directamente como obligación contractual, pero es evidente que el relativamente bajo rating pesó en la decisión de culminar la saga.

Penny Dreadful termina antes de lo que yo hubiera querido, en forma sorpresiva y, de alguna manera, también decepcionante. Me quedé con ganas de más, como muchos otros, pero también me quedé con la enorme gratificación de haberla disfrutado estos tres años. Sus personajes, su lírica y sus insuperables diálogos la han catapultado al éxito en los anales del tiempo, independientemente de su rating. No sólo ha valido la pena, sino que ha sido una experiencia única y genuina de difícil repetición.







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CRÍTICA | CINE | Eddie the eagle

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Director: Dexter Fletcher.
Duración: 1h 46 minutos.
Casting: Taron Edgerton y Hugh Jackman.

8

Risas y vértigo.


Basada en una historia verídica de superación personal, Eddie the Eagle es una comedia inglesa que entretiene de comienzo a fin gracias a su guion y también a su muy buena cinematografía.

Con personajes caricaturizados y situaciones desopilantes, esta comedia británica suscribe a los estándares típicos del humor inglés y agrega una capa de complejidad adicional: sus logradas escenas deportivas. Eddie the Eagle no sólo divierte con su calidad narrativa, sino que también llena los ojos del espectador con buena técnica fotográfica y edición de primer nivel. Es ahí, entre momentos jocosos, que el director se las rebusca para entregar alguna que otra secuencia de salto verdaderamente vertiginosa, lo que le brinda a la propuesta una inesperada frescura.

Eddie the Eagle no es la película perfecta. Tiene ciertamente algún que otro bache en su guion y consta de varias simplificaciones argumentales, pero incluso así le hace justicia a una historia increíble de la vida real. Imposible no entretenerse.



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CRÍTICA | CINE | X-Men: Apocalipsis

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Director: Bryan Singer.
Duración: 2h 24 minutos.
Casting: James McAvoy, Jennifer Lawrence, Michael Fassbender y otros.

8

Otro buen capítulo mutante.


X-Men: Apocalipsis no es la mejor entrega dentro de la saga, lo que lejos está de decir que no es buena. Por el contrario, el último capítulo del universo de los mutantes es una muy buena propuesta en su género y está provista de todas las virtudes que supo hacer célebres a sus personajes. También tiene algunos defectos que quizás las otras no tuvieron, pero no son lo suficientemente notorios como para arruinar la experiencia.

Lo crucial a resaltar es que no defrauda. Es importante decir esto, porque la crítica pierde el foco cada vez que una X-Men no tiene a Wolverine como protagonista. Apocalipsis no es una mancha en el currículum mutante, sino otro acierto, aunque tal vez no esté a la altura de X-Men 2 o de Days of Future Past. Es verdad que hay ciertas falencias, sobre todo en el guion, que tiene altibajos de calidad a medida que se narra la historia. Quizás haya escenas innecesarias y toques de humor forzados que conspiran en contra de la armonía del filme, pero también hay buena cinematografía y un evidente compromiso para con los protagonistas. Lo que caracterizó a la saga sigue presente: la introspección de sus personajes, y también está Quicksilver, a quien Singer vuelve a aprovechar para sorprender a la audiencia con dos escenas de primer nivel.

X-Men: Apocalipsis tiene todos los condimentos necesarios para entretener a quienes disfrutan del género. Le sobran algunos minutos de cinta y es un poco auto indulgente, pero de cualquier manera vale la pena.





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CRÍTICA | CINE | El Clan

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Director: Pablo Trapero.
Duración: 1h 50 minutos.
Casting: Guillermo Francella v Peter Lanzani.

9

La obra maestra de Trapero.


Pablo Trapero es, junto a Adrían Caetano, uno de los grandes revolucionarios del cine ríoplatense. Él ha sido un protagonista indiscutible de la evolución del arte dramático de nuestro país, contribuyendo a perfeccionar el modo en que se cuentan nuestras historias más sentidas en la pantalla grande, y El Clan es, para mí, su gran obra maestra a la fecha.

Detrás de las mejores cámaras y de la mucho más refinada edición subyace el estilo cinematográfico que supo hacer célebre a Pablo Trapero, quien siempre demuestra que, con muchos o pocos recursos, lo que él sabe hacer es contar historias. El potencial del director ya no es una especulación sino una contundente realidad, y esta quizás sea la pieza de su cinematografía que mejor lo ejemplifica. El Clan es un escalofriante thriller basado en una historia real cuyo ritmo es poco menos que impecable. Y es que, haciendo alusión a lo mencionado anteriormente acerca de la escasez de presupuesto, Trapero ya no necesita apelar casi exclusivamente a la calidad actoral de sus dirigidos, sino que ahora puede invertir en imágenes y en su posterior edición como un modo alternativo de perfeccionar la experiencia.

El resultado es soberbio. El Clan no sólo consta de sólida sustancia dramática, sino que también incorpora recursos narrativos variados que dinamizan la adaptación de un muy buen guión. Hay escenas brillantes y para todos los gustos; planos secuencia y planos fijos maravillosos, siempre acompañados por una edición de sonido prácticamente simbiótica. Y por supuesto están Francella y Lanzani, quienes han superado cualquier umbral de expectativas. Esto último es un mérito ya conocido de Trapero, quien suele arrancarle lo mejor a sus actores.

No exagero cuando digo que El Clan es una de las mejores películas argentinas que vi en mi vida. Toma una historia real que supera a la ficción y la traduce visualmente con un talento poco usual en la industria. Es un orgullo del cine nacional, sin lugar a dudas.




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CRÍTICA | CINE | Koblic

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Director: Sebastián Borensztein.
Duración: 1h 32 minutos.
Casting: Ricardo Darín, Oscar Martínez y Inma Cuesta.

8

El renegado del diablo.


Kóblic es una historia simple pero intensa, que cuenta una historia dramática con ritmo de western. No es una joya del cine argentino, pero es una propuesta muy bien concebida en todos los planos: narrativo, actoral y cinematográfico, y sin ser excepcional, es altamente efectiva.

El protagonista no busca redimirse, sino huir. De eso se trata el relato: la crónica de un fugitivo que escapa del espanto. En el trámite narrativo, Borensztein logra retratar eficazmente la Argentina de los 70´ desde sus entrañas geográficas, apelando a personajes y paisajes sombríos. Hay un gran trabajo de cámaras, un muy buen guión y, sobre todo, una soberbia interpretación de Oscar Martinez, que eclipsa a Darín, no por talento, sino porque le tocó el papel más exigente.

Kóblic es una muy buena adición al casi inexistente cine de suspenso nacional, y que una película de género se encare con tanto profesionalismo y compromiso es sinceramente una enorme noticia para la industria doméstica. Atrapa y gratifica, y como tal, merece verse.


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CRÍTICA | CINE | Deadpool

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Director: Tim Miller.
Duración: 1h 48 minutos.
Casting: Ryan Reynolds, Morena Baccarin y T.J. Miller.

8

¿Superhéroe?


Esta es la apuesta más jugada que los estudios Marvel han llevado a cabo a la fecha, y también es una prueba del compromiso que el estudio tiene para con la audiencia aficionada al cómic, más allá los impedimentos o prejuicios comerciales que suelen existir en Hollywood. Deadpool fulmina los paradigmas del género con un filme irreverente, visceral y extremadamente divertido.

Habrá que quitarse el sombrero, guste o no. Deadpool no es para todos, pero es indiscutible que es una comedia radicalmente original, eximiamente guionada y fantásticamente dirigida. Por supuesto que el humor que propone es del tipo grotesco, plagado de referencias sexuales y abuso de mal vocabulario, pero así es el ADN de su protagonista: un superhéroe más a la medida de la cultura norteamericana. Cuando Deadpool no está improvisando un chiste, está llenando los ojos con alguna escena de acción desfibrilante, y por momentos, hace ambos al mismo tiempo. La película triunfa al proponer con éxito una fórmula muy difícil de lograr en la pantalla grande: apelar a la alquimia entre la acción y el humor para entretener al espectador.

Deadpool es una propuesta jugada que merece ser reconocida por su originalidad, irreverencia y su muy buena cinematografía. Es una película que suma en el género, entregando una experiencia fresca e inusual. Vale la pena.




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CRÍTICA | CINE | The Revenant

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Director: Alejandro G. Iñárritu.
Duración: 2h 36 minutos.
Casting: Leonardo Di Caprio, Tom Hardy y Will Poulter.

9

Supervivencia épica.


Hay historias simples contadas de modo espectacular e historias espectaculares contadas de modo simple. The Revenant pertenece al primer grupo. Se trata de, lisa y llanamente, una leyenda de supervivencia y venganza encarada desde la épica fílmica y se vive en imágenes con una intensidad inusual.

La falta de complejidad narrativa es suplida con sofisticación cinematográfica. La fotografía y la edición de The Revenant son excepcionales al límite de la perfección. Gonzáles Iñárritu vuelve a demostrar (como si hiciera falta luego de Birdman) que quizás sea el mejor director de la historia del cine a la hora de filmar planos secuencia. Las escenas de acción y combate alcanzan un realismo pocas veces visto en la pantalla grande y la experiencia es sinceramente impactante. Han agregado ciertos condimentos emocionales al guión, quizás para dotar de más sustancia al relato y sus protagonistas, pero el verdadero mérito del filme es sin lugar a dudas su cinematografía inmersiva y envolvente.

Quienes entiendan al cine como un arte de impacto sensorial donde priman las imágenes, van a quedar deslumbrados con El Renacido. Por otro lado, quienes necesiten de una historia sofisticada y mucho diálogo van a encontrarla aburrida. Yo creo que el cine es ambos y disfruto de uno y otro estilo sin condicionamientos. Para mí ha sido una experiencia increíble.






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CRÍTICA | CINE | Spotlight

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Director: Tom McCarthy.
Duración: 2h 8 minutos.
Casting: Michael Keaton, Mark Ruffalo, Rachel McAdams y Liev Chreiber.

9

Curiagate.


No es un desafío sencillo tener que versionar para la pantalla grande un tema real tan candente y controvertido como el que se trata en el filme, tanto en lo cinematográfico como en lo comercial. No es lo mismo contar el escándalo de Watergate (Todos los hombres del presidente) que meterse con la Iglesia, al menos desde la perspectiva del público. Teniendo en cuenta que una parte importantísima de la audiencia podría a priori rechazar la premisa por sentirse ofendida, Spotlight es casi un milagro, desde su concepción hasta su irrefutable éxito. Enfrentar a la organización más poderosa del mundo y ganar un oscar no creo que tenga precedentes.

La película posee una poderosa sofisticación narrativa que combina guion, un reparto impactante y muy buena edición. Sin lugar a dudas todos y cada uno de los involucrados en el proyecto sentían la necesidad impetuosa de contar esta historia y eso se refleja en la cinta, no sólo en la magnífica calidad actoral de sus protagonistas, sino en la película como un todo. La propuesta consta de una armonía inusual, que atrapa y entretiene de principio a fin, generando en el espectador un alto grado de empatía con sus personajes.

Spotlight es una prueba contundente de que el cine convencional y sin demasiada parafernalia puede hacer la diferencia cuando hay un fuerte compromiso narrativo y actoral. Por supuesto que por más clásico que sea su estilo, la alquimia de las partes es casi providencial. Esta es una propuesta cuya materia prima principal es la historia y su reparto, y su resultado final es cine de primer nivel. Hay que aplaudir al director, a los actores y a los productores, que se la jugaron y les salió bien, incluso a riesgo de que el espíritu santo conspirara en contra.






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CRÍTICA | CINE | Batman v Superman: Dawn of Justice

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Director: Zack Snyder.
Duración: 2h 31 minutos.
Casting: Ben Affleck, Henry Cavill, Amy Adams, Jesse Eisenberg y otros.

8

Superhéroes tomados en serio.


Y un día Batman aprendió a pelear... Por fin y como era esperado de parte de Zack Snyder, el paladín encapuchado llena los ojos con acción desfibrilante. Esa es la expectativa primordial en una película de superhéroes: que la acción, mucha o poca, sea impactante, y las Batman de Nolan, si bien fueron thrillers oscuros con mucha narrativa, carecían de todo impacto. Debo confesar que el director inglés es a mi gusto quizás el mejor de su generación, pero las escenas de acción no son su fuerte. Snyder, en cambio, es un especialista demostrado en hacerle caer la mandíbula al espectador.

Claro que Batman no está solo. Como bien anuncia el título de la película, al hombre murciélago lo acompaña Superman, un extraterrestre todopoderoso que poco tiene que ver con aquella versión original de Richard Donner. A los nostálgicos y los conservadores no les gusta el nuevo Superman, porque no se viste en cabinas, convive en un departamento con Lois Lane y no rescata gatos de la copa de los árboles. A la crítica, en general, tampoco le gusta la visión de Snyder para con las adaptaciones de los cómics. Ya pasó con Watchmen, luego con Man Of Steel y ahora con Batman v Superman. Zack Snyder no hace cine Marvel, sino que tiene su propia impronta, más oscura y más adulta (más aburrida para muchos). No necesariamente mejor, pero sí distinta. A mí me gusta.

Las reminiscencias de Watchmen son muchas, sobre todo en la estructura narrativa, que en un principio puede parecer caótica. El director arma el rompecabezas por partes para crear la historia y promediando la película éstas empiezan a encajar. Tres cuartos de cinta se desarrollan sobre un género más cercano al thriller que a la acción, lo que quizás incida en las expectativas del público. Sin embargo, cuando hay acción, es para aplaudir. Habrá quienes puedan criticar la película en uno u otro aspecto, pero la fotografía es inapelable. Sinceramente no se ocurre ninguna versión superadora de cómo retratar visualmente a los protagonistas. El director, otra vez, vuelve a darle vida a las viñetas como sólo él sabe.

Sólo me cabe una crítica: Lex Luthor, y no porque la actuación de Eisenberg no sea convincente, sino por el retrato exagerado que hicieron del villano, que de alguna manera genera un alto contraste con el resto de los protagonistas. Es contradictorio que por un lado se busque humanizar a los personajes para que la audiencia genere más empatía con ellos, y por el otro se caricaturice al malo de turno casi al borde del absurdo. Esto resta en el puntaje, aunque no arruina la experiencia.

Batman v Superman lleva impresa la estética de Snyder. Eso es muy bueno para algunos y muy malo para otros. Quienes esperen una de Marvel van a salir decepcionados. Quienes, por otro lado, quieran ver una versión adulta de una épica pelea entre los dos superhéroes más taquilleros de la historia, la van a pasar bien. No será todos, pero algunos la recomendamos.




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CRÍTICA | CINE | Creed

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Director: Ryan Coogler.
Duración: 2h 13 minutos.
Casting: Sylvester Stallone y Michael J. Jordan.

8

Hijo de Creed, legado de Balboa.


A esta altura del partido, que Rocky siga rindiendo frutos marca sinceramente un hito en la historia del cine. Ha habido capítulos muy buenos, buenos y menos buenos; independientes, comerciales y nostálgicos; ha habido algunos muy enfocados en la acción y otros muy enfocados en el drama. Rocky se ha convertido en una franquicia exitosa, variada, y por sobre todas las cosas, comprometida hasta la médula con su protagonista. Hemos crecido con Balboa en el cine. Lo vimos convertirse en peleador profesional, perder en el ring, consagrarse, perder en la vida, recuperarse, sobrevivir y finalmente lo vemos relegar ese protagonismo para generar un legado. Uno de los personajes más míticos de la pantalla grande vuelve a reciclarse, y con éxito.

Los astros se han alineado. Escritores y técnicos se han puesto de acuerdo para que la transición entre Rocky y Creed valga la pena. No hay una historia fantástica, sino una que ya hemos visto infinidad de veces; pero sí hay, sin embargo, un buen guión. Creed presenta y desarrolla la historia con muy buena calidad narrativa. Pero los méritos del filme apenas comienzan ahí. Más allá de la cuidada historia, de las grandes actuaciones y los pensados diálogos, la propuesta impacta por su contundente dirección. Las peleas han sido filmadas con un gran manejo de cámaras y sobre todo hay una, en la mitad del filme, realizada al 100% con un plano secuencia sublime.

El hijo de Apollo no defrauda, pero lo mejor del filme sigue siendo Stallone, que presenta aquí quizás la mejor actuación de su carrera. Por primera vez el actor debe interpretar a un Rocky vulnerable desde lo físico, y hay que decir que el resultado ha sido verdaderamente convincente. Creed es una muy buena e inaudita continuación de una saga que respeta a su audiencia y a sus protagonistas. Rocky ha envejecido, pero la sigue peleando.




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CRÍTICA | CINE | The Hunger Games: Mockingjay 2.

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Director: Francis Lawrence.
Duración: 2h 17 minutos.
Casting: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Woody Harrelson, Juliane Moore y otros.

8

Conclusión de una distopia bien concebida.


La primera parte de Mockingjay fue excesivamente aburrida, pero es indudable que sirvió para sentar las bases de la conclusión de la saga. Mockingjay 2 culmina exitosamente la fenomenal adaptación a la pantalla de una célebre obra literaria de ciencia ficción que explora el costado más siniestro de nuestra naturaleza antropológica.

Hay méritos suficientes para asegurar que The Hunger Games es una gran saga en su género. Buena cinematografía y muchísimo compromiso argumental la definen como una excelente propuesta de ciencia ficción, que no sólo funciona como entretenimiento, sino y fundamentalmente como una aguda crítica a la sociedad. Es muy interesante el trabajo que han hecho los realizadores en cuanto al mensaje del filme, que plantea un futuro distópico exagerado, pero con características propias de la realidad. La cuarta y última entrega concluye bien la historia, conservando la eximia narrativa de las partes anteriores y retomando la acción y el suspenso, que habían sido postergados en Mockingjay 1.

The Hunger Games concluye según las expectativas: muy bien. Es verdad que Mockingjay 1 y 2 podrían haber sido una sola película larga, pero eso no llega a arruinar la experiencia, sino que apenas la prolonga innecesariamente. Pocas propuestas del tipo muestran tanto compromiso narrativo para con su trama y protagonistas. En una época en que sobran las sagas adolescentes y descerebradas, The Hunger Games hace la diferencia.


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CRÍTICA | CINE | The Big Short

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Director: Adam McKay.
Duración: 2h 10 minutos.
Casting: Christian Bale, Steve Carell, Ryan Gosling y Brad Pitt.

9

Crónica financiera de una catástrofe.


Las finanzas estructuradas son extremadamente complejas de explicar a quienes no se dedican a eso. Muchos de los responsables de la crisis económica del 2008 se han refugiado durante todo este tiempo detrás de esa imposibilidad de las masas de entender lo sucedido, hasta que Brad Pitt decidió producir esta joya del cine. The Big Short decodifica mucha de la complejidad a la que me refiero, con eximia narrativa y cinematografía de primer nivel. Para mi gusto, no se trata de una película más, sino del mejor retrato fílmico de Wall Street en la historia del cine.

Sobre todo mérito observable, The Big Short supera las expectativas en dos frentes: el guión, que se llevó el oscar, y la edición, que recibió una nominación. Adam McKay sin lugar a dudas se ha inspirado en la filmografía de Oliver Stone a la hora de contar la historia, y aprovechando el sensacional material literario que han puesto a su alcance, optó por una edición dinámica, creativa y por momento sorprendente. No hay tiempo para aburrirse en esta crónica financiera de una catástrofe.

El reparto merece párrafo aparte. Christian Bale es por lejos uno de los mejores actores de su generación, junto a un puñado en el que se incluyen el difunto Seymour Hoffman, Matt Damon y Ethan Hawke, entre otros. Su caracterización del primer trader que pronosticó el derrumbe del mercado hipotecario es impactante, por lo verosímil. Ryan Gosling, por otro lado, también muestra una gran actuación, pero desde un enfoque más satírico. Steve Carell no tiene grandes desafíos con su protagónico y Brad Pitt aparece en la cinta para contribuir a la popularización del filme. El resto del reparto acompaña satisfactoriamente, haciendo de la película una experiencia divertida y también escalofriante.

The Big Short es una crónica simplificada de lo sucedido en 2008, pero no por eso poco sofisticada. La mayoría de la audiencia no comprenderá todo, pero sí la idea general, que es lo que importa. Una de las mayores aberraciones financieras de la historia de la humanidad necesitaba un exponente cinematográfico que valiera la pena. Este es el caso.


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CRÍTICA | CINE | Room

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Director: Lenny Abrahamson.
Duración: 1h 58 minutos.
Casting: Brie Larson, Jacob Tremblay, Sean Bridges y otros..

8

Realismo demoledor.


Room es una película muy difícil de recomendar, porque es lo opuesto al cine convencional. No entretiene, ni intriga ni sorprende... Duele. Es una película hecha deliberadamente para que el espectador se sienta mal, y lo logra con creces.

El mayor mérito de Room es el realismo con el que está realizada. La cinta se aleja del estereotipo dramático americano, evitando toda receta hollywoodense. No está concebida ni desde lo comercial ni desde lo artístico, sino desde la consciencia de sus realizadores. Hay un mensaje contundente en el filme, un llamado de atención fulminante para todos aquellos dispuestos a sufrir dos horas: es una ficción inspirada en una atrocidad humana que puede ocurrir a la vuelta de nuestros hogares.

Room narra una historia demoledora y no busca audiencia, sino generar consciencia colectiva. Es, junto a Requiem for a Dream, la película que más me costó terminar de ver en mi vida. Sí, es muy buena, pero también es muy dura. No es para todo el mundo.

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CRÍTICA | CINE | The Martian

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Director: Ridley Scott.
Duración: 2h 24 minutos.
Casting: Matt Damon. Jessica Chastain, Jeff Daniels, Chiwetel Ejiofor y otros.

8.5

Mi marciano favorito.


Hacía mucho tiempo que Ridley Scott no dirigía una película digna de su talento. El inglés evidentemente no encontraba la inspiración necesaria para desplegar el potencial cinematográfico que lo ha posicionado como uno de los mejores directores de la historia. En la última década, tuvo a su cargo propuestas épicas y mega producciones que no estuvieron a la altura de las expectativas, quizás por falta de motivación. The Martian, sin embargo, logró despertarlo de su letargo.

No es casualidad que haya sido ésta la propuesta que volvió a entusiasmar a Scott. The Martian es una propuesta original y única en su género: una aventura de supervivencia encuadrada dentro de la ciencia ficción, pero abordada desde el humor. No es una comedia, pero hace reír; no es un drama, pero hace llorar y definitivamente no es un thriller, pero por momentos genera climas de suspenso que cortan el aliento. ¿Qué es entonces The Martian? Es una de esas gratas y raras entregas del cine difíciles de catalogar, pero que se disfrutan de principio a fin.

Hay 3 pilares en la propuesta que la definen exitosamente: la cinematografía, el reparto y fundamentalmente el guión. Lo primero es una constante indiscutida en el cine de Scott, por lo que no sorprende que The Martian sea imponente a los ojos. Lo segundo también es frecuente en la cinematografía del director, aunque en esta oportunidad pareciera que todos y cada uno de los protagonistas han sido aprovechados al máximo. Causa de lo segundo es lo tercero: el guión, donde The Martian hace la diferencia. La historia está fantásticamente escrita para la pantalla y soberbiamente contada por el director.

Celebro el regreso de un genio de la pantalla grande, como es Ridley Scott. Él, que fue un protagonista indiscutido en la historia del cine de ciencia ficción, vuelve a sorprender con una propuesta que explora el género desde ángulos inusuales. The Martian es auténtica, impactante y entretenida. También es, por supuesto, imperdible.

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CRÍTICA | CINE | Bridge of Spies

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Director: Steven Spielberg.
Duración: 2h 22 minutos.
Casting: Tom Hanks, Mark Rylance, Alan Alda y otros.

8.5

La guerra fría según Spielberg.


La última década en la cinematografía de Spielberg no ha sido del todo célebre. Sin necesariamente hacer películas malas (a excepción de la última Indiana Jones), el director no había logrado en más de diez años alcanzar ese umbral de excelencia que supo apuntalarlo como uno de los mejores realizadores de la historia del cine. Bridge of Spies rompe esa tendencia y demuestra que el amo y señor del cine sigue más vigente que nunca.

Cuando Spielberg quiere contar una historia que le apasiona, es inigualable. Bridge of Spies, por supuesto, consta de esa perfección cinematográfica tan característica en la filmografía del director. Fotografía milimétrica, planos elocuentes, edición creativa y filtros de imagen acordes con la época. Pero por sobre todos los detalles técnicos, el enorme mérito del filme proviene de un guion fantástico, que atrapa al espectador y no lo suelta durante casi dos horas y media. Spielberg no sólo triunfa en narrar soberbiamente una serie de hechos increíbles e inspirados en la vida real, sino que también consigue retratar, y en ocasiones ridiculizar, una época tragicómica de la historia mundial.

Bridge of Spies no es una entrega más, sino una de las mejores películas que he visto acerca de la guerra fría en mi vida. Sin dudas es, también, la mejor película del director desde Munich. Steven Spielberg vuelve a demostrar su versatilidad y su compromiso no sólo para con el cine, sino también para con la historia.

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CRÍTICA | CINE | 99 homes

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Director: Ramin Bahrani.
Duración: 112 minutos.
Casting: Andrew Garfield, Michael Shannon y Laura Dern..

8

Detrás de la economía.


La crisis hipotecaria de 2008, que provocó uno de los peores desbarajustes económicos y financieros de la historia de EEUU, tuvo implicancias sociales importantes, cuya gravedad quizás no fuera advertida con precisión en su momento. 99 Homes es un muy buen exponente cinematográfico de las consecuencias que ha tenido el desmanejo del crédito en Norteamérica.

No es un documental, sino una película de ficción que reclama estar inspirada en hechos reales. Sin lugar a dudas lo está. Aunque los protagonistas no sean reales y el trámite argumental resulte quizás demasiado ficticio, el trasfondo de la trama retrata una realidad insoslayable: el sufrimiento de todos aquellos que perdieron sus hogares, que fueron muchos. Bajo esa premisa, el filme se desarrolla de modo impecable, con gran ritmo e intensidad, y con dos protagónicos para destacar, ya que tanto Shannon como Garfield logran excelentes interpretaciones.

99 homes es un drama bien realizado bajo los estándares típicos de la ficción. Cuenta una historia interesante con contundencia, y si bien tal vez puede parecer por momentos simple en las resoluciones, es una película bien concebida que atrapa de principio a fin.
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CRÍTICA | CINE | Star Was: The force awakens

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Director: J.J, Abrams
Duración: 135 minutos.
Casting: Daisy Ridley, John Boyega, Oscar Isaac, Harrison Ford y otros.

8

La fuerza compaña.


Tras comprar Lucasfilm hace un par de años, Disney se aseguró de dos cosas: que haya una nueva trilogía de Star Wars y que George Lucas no tenga nada que ver con ella. Luego de ver lo que éste había hecho con Indiana Jones IV, los creativos del mega-estudio prefirieron mantenerlo lejos, y en buena hora. Contrataron, en cambio, al quizás máximo heredero inspiracional de Steven Spielbierg, J.J. Abrams, quien ya había demostrado con el relanzamiento de Star Trek que la reedición del cine de culto no es una camiseta que le quede grande.

The force awakens cumple su cometido, como propuesta de ciencia ficción y también como la digna continuación que merecen los fans. Paradójicamente, Abrams fue más respetuoso de la trilogía original que su propio creador hace más de una década atrás, y minimizó la edición digital en pos de la escenografía, el maquillaje y el vestuario, lo que le otorga a esta nueva entrega de la saga cierta familiaridad. Pero lo mejor de la propuesta está, para mi gusto, en lo bien que ha sido compuesta la historia. Star Wars siempre fue más acerca de su mística argumental que de rayos surcando el espacio, y el director supo captar eso, como director y seguramente también como fan. Hay un desarrollo impecable de la trama y sus protagonistas, lo que facilita la transición entre El Regreso del Jedi y esta nueva trilogía en la saga. Está presente, también, ese espíritu de telenovela tan característico de los 3 episodios originales.

El nuevo capítulo de la saga de ciencia ficción más taquillera de la historia no defrauda, gracias al enorme compromiso que Disney ya había evidenciado en la última Tron. Pese a lo que muchos creían, ha sido un milagro que éste haya comprado Lucasfilm, rescatando de los delirios destructivas de Lucas a uno de los máximos hitos de la historia de la ciencia ficción. Esperemos que puedan hacer lo mismo con Indiana Jones.

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CRÍTICA | CINE | Everest

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Director: Baltasar Kormákur.
Duración: 121 minutos.
Casting: Jason Clarke, Josh Brolin, Jake Gyllenhaal y otros. .

8

Vivir y morir escalando.


El cine basado en historias verídicas de tragedia y supervivencia suele ser exitoso, y más aún cuando la película presenta un reparto estelar, como en esta oportunidad. Everest cuenta una historia dura y apasionante, no sólo por los hechos acaecidos, sino por el universo en el que ocurren, que es sumamente interesante.

El Everest hasta hace pocas horas era un misterio insondable para mí. Lo más destacable de la película es que no abusa de la catástrofe como recurso, sino que al contrario, relata lo sucedido con sutileza y sin golpes bajos. El eje argumental es, sin lugar a dudas, el alpinismo, no la tragedia, y bajo esa premisa se desarrolla el filme, con gran capacidad narrativa. En sus dos horas de duración despliega su trama, recurriendo a más de una docena de personajes, todos ellos con personalidades y motivaciones completamente diferentes. Está muy bien ejecutado el guión, porque le brinda al espectador un espectro amplio de lo que escalar una montaña significa, desde lo económico hasta lo psíquico y fisiológico.

Everest no es Viven. Es una propuesta que ahonda en una temática particular desde múltiples aristas, incluida la tragedia ocurrida en 1996. Es emocionante, escalofriante y sumamente entretenida. Quizás sea imposible describir lo que se siente subir el Everest con palabras, pero esta propuesta, con imágenes, lo ha hecho muy bien.




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CRÍTICA | CINE | Black Mass

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Director: Scott Cooper.
Duración: 122 minutos.
Casting: Johnny Depp, Joel Edgerton, Benedict Cumberbatch, Kevin Bacon y otros..

8

Retrato vivo de un psicópata.


Luego de décadas de encasillamiento en papeles caracterizados por personalidades excéntricas y sobradamente expresivas, Johnny Depp finalmente sale de la jaula actoral para entregar, quizás, la mejor interpretación de su carrera. Black Mass es una buena película de gangsters que se potencia gracias a la soberbia actuación de su protagonista.

Con Boston como escenario, esta nueva propuesta del cine-mafia se centra en la historia de un criminal hasta ahora poco conocido, pero que valía la pena contar. Es una película por demás de personalista, que pone el foco en retratar la vida de un escalofriante psicópata más que en desarrollar una trama de modo convencional. No es un filme que respete la ortodoxia narrativa a rajatabla, y de hecho, no sigue un hilo argumental preciso, sino que salta de momento en momento, siempre manteniendo a su protagonista en escena. Sin embargo, la falta de rigurosidad narrativa es suplida por un gran guión, hecho a la medida del personaje principal, y cinematografía de primer nivel.

Black Mass es caótica, pero también es impactante, gracias a la increíble actuación de Johnny Depp, y también a un muy buen trabajo de dirección. Quizás no cuente una gran historia con finura, pero retrata una personalidad de modo impecable.









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CRÍTICA | CINE | Southpaw

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Director: Antoine Fuqua.
Duración: 121 minutos.
Casting: Jake Gyllenhaal, Raqchel McAdams y Forest Whitaker..

8

De zurda.


Antoine Fuqua carga con una mochila pesada en su cinematografía: luego de su temprana obra maestra, Training Day, jamás ha podido repetir tan grato resultado. Lo ha intentado varias veces, con diversas variantes argumentales en las que siempre predomina la acción, y si bien nunca derrapó, hasta hace poco no había podido entregar una experiencia verdaderamente contundente. Southpaw revierte esa tendencia, para convertirse, probablemente, en la segunda mejor pieza de su filmografía.

Fuqua cambia la fórmula y esta vez va por un drama, que si bien está lejos de ser original, es altamente efectivo. Hemos visto ya muchas veces la trama del boxeador que busca redimirse, pero quizás sea ésta otra prueba más de que una historia conocida bien contada paga la entrada. Southpaw es un drama al estilo del director, quien suele manejarse en un plano intermedio entre la realidad y la ficción. Con esto último quiero decir que la propuesta no es ni la primera Rocky, ni Rocky 4, sino que se mueve narrativamente entre lo verosímil y lo espectacular, con muy buenos resultados. Es una película cinematográficamente impecable, como todas las entregas del director, y magníficamente contada.

Párrafo aparte merecen las actuaciones de Gyllenhaal y Whitaker. El primero vuelve a demostrar que no hay papel que le quede grande, sin importar el desafío del que se trate. El segundo, a esta altura de su carrera no tiene nada que demostrar, y siempre es un placer verlo en pantalla. Entre los dos logran buena química, y aunque tal vez la relación entre ambos no sea el tema preponderante de la película, se los disfruta en pantalla.

Es para celebrar que un un director tan sólido en lo técnico vuelva a dar en el clavo después de mucho tiempo. Southpaw es un muy buen drama que entretiene y engancha de principio a fin. Su falta de originalidad es de sobra compensada con narración y fotografía. Después de todo, el cine es el arte de entretener, sin necesariamente tener que sorprender.









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CRÍTICA | CINE | Sicario

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Director: Villeneuve.
Duración: 121 minutos.
Casting: Emily Blunt, Benicio Del Toro y Josh Brolin.

8.5

Tierra de lobos.


Dos años más tarde de haber presentado uno de los mejores policiales negros de las últimas décadas, Denis Villeneuve vuelve a sacudir la pantalla grande con otro thriller implacable, ambientado en el universo del narcotráfico, y más precisamente, en la frontera entre EEUU y México.

Sicario es ficción, pero su base narrativa es real. La de la droga, no es una guerra entre buenos y malos, sino entre malos y malísimos, y creo que la película logra transmitir a la perfección ese mensaje, gracias al impecable trabajo de su reparto. Blunt, Del Toro y Brolin, los tres protagonistas de la historia, le dan vida a sus personajes con un realismo envidiable, lo que facilita que el espectador quede poco menos que hipnotizado ante el desarrollo de la trama.

Villeneuve es, por sobre todas las cosas, un genio de la fotografía. Ya sean planos fijos o en movimiento, para generar suspenso o para impactar con una secuencia de acción, el director canadiense demuestra un dominio absoluto de la cámara, muy por encima del promedio de la industria. Sicario es una propuesta oscura, violenta y visceral, que cautiva y sorprende sensorialmente, de principio a fin, con escenas que cortan aliento. Ése quizás sea el mayor mérito, pero no el único, de esta joya del género.

Sicario no presenta un argumento extraordinario, pero nutre su trama con personajes vivos, que le sacan chispas a la pantalla. Otra soberbia y enorme dirección de Villeneuve, quien se apuntala en el género suspenso como uno de los grandes realizadores del cine contemporáneo. Probablemente Sicario sea una de las mejores películas del 2015.








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CRÍTICA | CINE | Tomorrowland

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Director: Brad Bird.
Duración: 130 minutos.
Casting: George Clooney, Britt Robertson, Raffey Cassidy y Hugh Laurie.

7.5

Ciencia Ficción utópica.


La distopía es el escenario más recurrente de la ciencia ficción, tanto en el cine como en la literatura. Es raro encontrar exponentes en el género que desarrollen su argumento sobre bases utópicas, que es lo que efectivamente hace Tomorrowland, y muy bien, más allá de no haber obtenido mucho reconocimiento por ello.

Disney sigue apostando por el cine familiar, reciclando esta vez una receta prácticamente extinta en el cine: una aventura futurista para todas las edades. No es sencilla la empresa de realizar una película que entretenga a espectadores de edad dispar, y por eso hay mucho mérito en esta propuesta. Tomorrowland es a los ojos tanto inofensiva como impactante, gracias a que le han sabido buscar la vuelta y han logrado una película con grandes dosis de acción apta para todo público. La dirección es espectacular y comprueba que Bird es uno de los máximos herederos de la inspiración Spielberiana, junto con J. J. Abrams.

Tomorrowland tal vez no sea una entrega de antología en el género, pero sí está muy por encima del promedio.Tiene un guión entretenido y creativo, muy buenos protagonistas y está impecablemente realizada. No será épica, pero se disfruta de comienzo a fin.








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CRÍTICA | CINE | Avengers: Age of Ultron

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Director: Joss Whedon.
Duración: 141 minutos.
Casting: Robert Downey Jr., Chriss Evans, Scarlett Johansson, Mark Ruffalo, Jeremy Renner, Chris Hemsworth y muchos más..

8

Una secuela que no defrauda.


La primera entrega de Avengers fue probablemente una de las mejores propuestas cinematográficas de superhéroes de la historia, gracias a su meticulosa realización, tanto en lo técnico como en lo narrativo. Age of Ultron es una gran secuela a la que quizás le sobre tiempo y argumento, pero a la que no le falta nada para ser muy buena.

Avengers 2 posee un argumento más denso, más oscuro y tal vez apenas excedido en pretensiones. Hay más vueltas de las necesarias en la trama, lo que estira la duración más de lo debido, aunque sin llegar a fastidiar. Eso es todo lo que se le puede criticar a esta nueva entrega del cine-entretenimiento, porque para mi gusto, en todo lo demás vuelve a estar por encima de las expectativas.

Age of Ultron entretiene con imágenes y también con diálogos. Nuevamente hay un muy buen trabajo de los guionistas para conducir el hilo de la historia eficazmente. La película, cuando no deslumbra con sublimes secuencias de acción, divierte con buenos momentos entre los protagonistas. Hay también, en esta ocasión, un mayor compromiso dramático para con la mayoría de los personajes, en un claro intento de humanizarlos.

La segunda parte de Avengers es un poco más pretenciosa a nivel argumental, lo que tal vez la sitúe un escalón por debajo de su predecesora, pero de cualquier manera es un gran exponente en su género. Las escenas de acción son creativas e impactantes, los diálogos divertidos y la química entre los protagonistas se mantiene intacta. Age of Ultron no sólo no defrauda bajo ningún punto de vista, sino que consolida una franquicia de acción y aventuras que seguramente será recordada durante mucho tiempo en la pantalla grande.






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CRÍTICA | SERIES TV | Penny Dreadful

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Creador: John Logan.
Casting: Eva Green, Timothy Dalton, Josh Hartnett y Harry Treadaway.
Duración: 2da temporada / 10 episodios / 2015.

8

El drama de los monstruos.


La primera temporada de Penny Dreadful revolucionó la pantalla chica para siempre, aportando a la ficción fantástica una inusual intensidad dramática. La segunda temporada ha profundizado aún más su costado dramático, quizás dejando en un segundo plano el suspenso que caracteriza al género.

El terror está presente, pero esta vez se cocina a fuego lento. La continuación de Penny Dreadful carece en cierta medida del impacto constante que supo tener el año pasado e invierte en el desarrollo de sus personajes con diálogos sustanciosos y un desarrollo gradual. Hay intriga y sorpresas, pero no con la misma intensidad, al menos hasta arribado el final, donde la serie rescata su esencia y vuelve a sacudir al espectador. También es más oscura y siniestra de lo que supo ser en su comienzo, aunque me animaría a decir que más desde lo antropológico que desde lo fantástico.

El entretenimiento está asegurado, aunque esta vez haya que tener un poco más de paciencia. La acción demora en llegar, pero los conflictos de los protagonistas son suficientes para no aburrirse en el trayecto, gracias a un guión soberbio y a una ejecución perfecta desde quienes interpretan cada rol. Probablemente, a diferencia de lo ocurrido en la temporada inaugural, haya un leve desbalance entre el drama y suspenso, pero Penny Dreadful continúa siendo única y explosiva. La mecha esta vez es más larga, pero es una bomba al fin.






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CRÍTICA | CINE | Ex Machina

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Dirección: Alex Garland.
Reparto: Alicia Vikander, Domhnall Gleeson y Oscar Isaac.
Duración: 108 min.

9

Ella también.


Hace muy poco tiempo la pantalla grande acreditó, según mi criterio, una de las mejores películas de ciencia ficción de las últimas décadas: Her. Ex Machina recoge parte de la propuesta argumental de Her y aproxima su profundidad dramática agregando una capa de oscuridad. La alquimia ofrece un resultado soberbio: un drama de ciencia ficción siniestro y plagado de suspenso como hace mucho no se veía.

La inteligencia artificial ha sido abordada en todos los subgéneros de la ciencia ficción, desde Blade Runner hasta Her, pasando por Terminator. Ex Machina es lo suficientemente original como para diferenciarse dentro de tan vasto grupo, ya que fusiona drama y suspenso en una brillante propuesta que atrapa al espectador desde el minuto cero hasta el segundo final. No hay tiempos muertos, no sobran planos en las escenas ni palabras en los diálogos. Es la película justa, precisa en cinematografía y guion, y altamente efectiva en lo emocional, tanto en materia de drama como de suspenso. Quizás sea, a diferencia de Her, apenas inverosímil, fundamentalmente en lo escénico y en la construcción de sus personajes, pero no por eso deja de ser un exponente que sacude su categoría en la industria.

Ex Machina es un drama reflexivo acerca del rol de la tecnología en la sociedad actual, y también es un magnífico thriller. Está dentro de las mejores entregas del cine de ciencia ficción de los últimos años, junto a Her y Snowpiercer.










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CRÍTICA | CINE | Mad Max: Fury Road

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Dirección: George Miller.
Reparto: Tom Hardy, Charlize Theron y Nicholas Hoult.
Duración: 120 min.

8

Reedición de un post-apocalipsis barroco.


Mad Max no es para cualquiera. No lo era hace 30 años y no lo es ahora, en esta espectacular versión reeditada. Quienes disfrutaron de la trilogía protagonizada por Mel Gibson van a delirar con esta nueva entrega, que conserva el espíritu de la original mientras adapta la cinematografía al cine contemporáneo.

Fury Road no para. Es una espiral de acción de receta conocida pero olvidada, lo que la vuelve original en su tiempo. Nada ha cambiado en tres décadas, amén de los recursos disponibles para la producción. Miller apela al mismo estilo narrativo y cinematográfico que supo hacerlo célebre, pero con una edición agiornada, mejores cámaras y un montaje casi épico. Fury Road es un delirio que roza lo ridículo y de argumento casi nulo, pero su encanto está en las partes, no en el todo. Es una película plagada de simbolismos, detalles e imágenes que rompen el molde del cine de acción convencional, y eso es lo que la hace verdaderamente un exponente único en el género.

El imaginario de George Miller no sólo se mantiene intacto, sino quizás en su momento más creativo. Max Rockatansky regresa a la pantalla victorioso, para transitar una vertiginosa ruta post-apocalíptica que rompe todos los paradigmas conocidos. Es una experiencia violenta, barroca, estridente e insensata. Como escribí en un comienzo, no es para todos, lo que confirma la profecía: volvió Mad Max.








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CRÍTICA | SERIES TV | Daredevil

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Creador: Drew Goddard.
Casting: Charlie Cox, Vincent D´Onofrio, Deborah Ann Woll, Elden Henson y Rosario Dawson.
Duración: 1ra temporada / 13 episodios / 2015.

8.5

Justicia ciega.


Toda la excelencia narrativa que Marvel ha sabido llevar al cine en los últimos años es ahora trasladada a la pantalla chica de la mano de Netflix. Daredevil en los papeles puede aparentar ser una simple adaptación de un cómic a la televisión, pero el resultado final es mucho más jugado de lo que el televidente puede a priori sospechar.

Corre sangre en Daredevil, con estética y sutileza artística, pero más allá de los atenuantes visuales, la serie posee altas dosis de violencia. La explicidad de las escenas ocasionalmente es amortiguada con planos creativos, ángulos no del todo reveladores y escasa luz, pero la naturaleza del proyecto se mantiene intacta. Daredevil fue pensada para un público adulto, no sólo porque puede ser por momentos visceral, sino también por la profundidad psicológica con la que han sido encarados sus personajes en materia narrativa.

Seguramente sea éste un punto de inflexión en la producción televisiva y cinematográfica del género superhéroes, porque la vuelta de tuerca ha sido arriesgada: sacrificar audiencia para ganar complejidad. Daredevil se desarrolla dentro de un mundo ficticio pero comparable con la realidad, y sus protagonistas han sido humanizados concienzudamente. Se podría decir, de hecho, que si las Batman de Nolan tuvieran buenas escenas de acción y excelentes coreografías de pelea, y mucha más sangre, éste sería el resultado final.

Marvel aterriza con firmeza en la TV de la mano de Netflix, con una apuesta que sin lugar a dudas ha sido fuerte. Daredevil es una muy buena serie de acción, pero con un componente dramático prácticamente inédito en el universo del gigante del cómic. El riesgo asumido ha rendido frutos. Bienvenido sea.








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CRÍTICA | CINE | Foxcatcher

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Dirección: Bennett Miller.
Reparto: Channing Tatum, Steve Carell y Mark Ruffalo.
Duración: 134 min.

8

Una clase de actuación tripartita.


Otra historia verídica llevada a la pantalla grande. Esta vez no se trata de una historia extraordinaria, aunque dependiendo de cuán informado esté el espectador, sí es cierto que hay dentro de la trama una importante cuota de sorpresa. Foxcatcher es, sin lugar a dudas, un drama que impacta por su contundencia dramática.

No es un actor, ni dos; son tres los protagonistas que le sacan chispas al arte dramático en esta adaptación de un hecho real contemporáneo. El obvio, del que todos hablan, es el rol de Steve Carell, que se ha distanciado de su típico papel de comediante para transformarse físicamente en el multimillonario John Du Pont. Es increíble la mutación estética y gestual que ha logrado el actor, quien apenas puede reconocerse detrás del maquillaje. El no tan obvio es Mark Ruffalo, que seguramente ha interpretado en esta oportunidad el mejor papel de su carrera, dándole vida a un medallista olímpico de lucha greco-romana norteamericano. Quizás no marca distancias en lo expresivo (Ruffalo es el tipo de actor que generalmente conserva sus expresiones pausadas), pero sí en lo corporal, adaptando su cuerpo y su modo de moverse al de un luchador.

Párrafo aparte merece Tatum, quien demuestra ser un actor fuera de serie. El protagonista principal de la película ha adaptado su cuerpo, sus gestos y su expresión corporal de forma asombrosa, y si bien no lleva encima maquillaje, está irreconocible en la cinta. Es verdaderamente maravillosa la eficacia con que el actor ha asumido el papel de Mark Schultz, aportándole muchísima verosimilitud al relato.

Foxcatcher es una película interesante en lo narrativo, correcta en lo cinematográfico y sobresaliente en lo dramático. No es una historia apasionante, pero sí está adaptada con oficio y pasión actoral. Merece verse.

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CRÍTICA | CINE | Interstellar

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Dirección: Christopher Nolan.
Reparto: Matthew McConaughay, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Michael Caine, Casey Affleck y Matt Damon.
Duración: 169 min.

8

(Nolan x 2 + Einstein)2.


Los hermanos Nolan han revolucionado la narrativa del cine contemporáneo, probablemente convirtiéndose en dos de los mejores guionistas de la historia. Interstellar continúa esa tradición fraternal de entregar una historia sorprendente, profunda y elaborada, y si bien quizás no esté a la altura de sus mejores trabajos, es una propuesta imperdible en su género.

Quienes no tuvieron paciencia con Memento e Inception, no debieran siquiera intentar mirar Interstellar. Las películas de Christopher Nolan suelen ser experiencias cautivantes, pero exigen un alto esfuerzo intelectivo por parte del espectador, quien debe estar dispuesto a someterse a un proceso sináptico más largo de lo habitual; son como rompecabezas cuyas piezas deben continuar encastrándose hasta incluso luego de terminado el filme. Ésta no sólo no es la excepción, sino que tal vez sea su proyecto más ambicioso, al tratarse de una historia que aborda uno de los fenómenos más abstractos y apasionantes del universo: la relatividad del tiempo. Sobre esa premisa, se construye una trama trascendental, sorpresiva e inteligente, fiel al estilo del director.

Con cinematografía perfecta, la película se desarrolla a través de una trama compleja y elaborada que mantiene en vilo al espectador hasta el minuto final. Como siempre es el caso en los proyectos del director, lo más interesante de la propuesta radica en su guión, que ahonda en múltiples conflictos que van desde causas personales hasta lo estrictamente antropológico. En el trámite hay drama, suspenso y una importante cuota de ficción argumentada por leyes y especulaciones de la física moderna. Es quizás, en la vuelta de tuerca final, donde Nolan tal vez no llegue igualar sus mejores trabajos en cuanto a la consistencia absoluta del filme. En esta oportunidad queda un cierto sinsabor, una sensación de que el resultado es relativamente vago, o al menos paradójico en términos temporales.

Puede que Interstellar no cierre en todos sus ángulos, pero incluso así, es una película de ciencia ficción que succiona la mente del espectador y lo invita a volar por un universo amplio y fascinante. Es sin dudas una propuesta maravillosa, que merece verse múltiples veces y pensarse muchas veces más.



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CRÍTICA | CINE | Whiplash

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Dirección: Damien Chazelle.
Reparto: Miles Teller y J.K. Simmons.
Duración: 107 min.

8

Otro cisne negro.


Es inevitable comparar a Whiplash con The Black Swan, esa gran película estrenada hace cinco años y que también fue nominada al oscar. Otro enfoque y otra cinematografía, pero prácticamente el mismo mensaje: la obsesión por éxito.

Whiplash posee un dramatismo completamente distinto al de The Black Swan. El filme de Aronofsky, fiel al estilo del director, era un drama de suspenso que lentamente asfixiaba al espectador, conduciéndolo hacia la inevitable tragedia. Esta propuesta carece de esa intensidad agobiante, pero es igualmente un drama inmersivo, que se sumerge en las profundidades más oscuras de la psicología humana para narrar las consecuencias irreparables de la búsqueda obsesiva de la perfección.

Sin lugar a dudas, la película se destaca en dos frentes claros: en lo dramático, con un J.K. Simmons insuperable; y en lo técnico, con una edición fantástica que combina planos y sonidos en forma perfecta.

Whiplash es una película brillantemente dirigida que ofrece un mensaje contundente: alcanzar la perfección usualmente tiene un alto costo. Al que le gusta el durazno, que se banque la pelusa.



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CRÍTICA | CINE | The imitation game

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Dirección: Morten Tyldum.
Reparto: Benedict Cumberbatch, Keira Knightley y Matthew Goode.
Duración: 114 min.

9

La génesis de la computación.


Algunas historias de la vida real merecen contarse más que otras. En el cine hemos visto excelentes historias mal contadas y algunas otras menos interesantes eximiamente narradas. The Imitation Game no es la primera ni será la última historia verídica de la segunda guerra mundial llevada a la pantalla grande, pero se destaca por cumplir un doble requisito: contar muy bien una magnífica historia.

Superficialmente, The Imitation Game es la historia de cómo, cuándo y quién descifró el código enigma, el sistema criptográfico a partir del cual se comunicaban los alemanes en la segunda guerra mundial. Íntimamente, sin embargo, la propuesta teje en su trasfondo otras tramas sustanciales que abordan desde el espionaje hasta la homosexualidad, variando los tiempos del relato sin perder el hilo fundamental de la narración. Es poco frecuente la efectividad con la que la película impacta en todos los frentes, desplegando múltiples mensajes sin dispersiones narrativas. La cinematografía, por otro lado, es clásica pero virtuosa, con excelentes planos y muy buena edición.

The Imitation Game es un drama histórico de guerra, de espionaje y también de vida. Todo eso, en menos de dos horas brillantemente compactadas. Son pocas las propuestas como ésta.




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CRÍTICA | SERIES TV | Penny Dreadful

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Creador: John Logan.
Casting: Eva Green, Timothy Dalton, Josh Hartnett y Harry Treadaway.
Duración: 1ra temporada / 8 episodios / 2014.

9

La otra liga extraordinaria.


El cine y la televisión hace ya un par de años que comenzaron a tomarse en serio las historias fantásticas. Testigo de ello son las adaptaciones de los cómics a ambas pantallas, la chica y la grande, con personajes dotados de una complejidad que antes no solían tener, salvo excepciones. Penny Deadful es quizás un caso paradigmático dentro de esta movida, una serie que rescata íconos absolutos de la literatura fantástica clásica y los convierte en protagonistas de una historia magníficamente escrita y dirigida.

La premisa puede a priori despertar desconfianza, pero para quienes decidan dejar los prejuicios de lado, encontrarán en Penny Dreadful una alquimia ficcional nunca antes vista. La serie reúne a muchos de los grandes personajes de la literatura fantástica anglosajona y los interrelaciona entre sí a través de una historia eximiamente guionada. Independientemente de lo artístico, donde la propuesta también se destaca gracias a su impactante fotografía y escenografía, el mayor mérito de Penny Dreadful radica en el increíble dramatismo que le imprime a su historia. Los personajes más bizarros de la narrativa londinense victoriana han sido humanizados y dotados de una complejidad inusual, más propia del teatro clásico que de una serie televisiva. Los diálogos son milimétricamente exquisitos y se despliegan alrededor de una trama muy bien construida, con altas dosis de suspenso y terror.

Penny Dreadful estrecha las distancias entre la realidad y la ficción fantástica con una contundencia dramática admirable. Es una fórmula inédita, encarada con seriedad y compromiso narrativo, que explora los confines de los esotérico de modo soberbio. Si William Shakespeare hubiera escrito La Liga Extraordinaria, seguramente éste sería el resultado. Imperdible.




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CRÍTICA | CINE | The Judge

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Dirección: David Dobkin.
Reparto: Robert Downey Jr., Robert Duvall, Vera Farmiga y Billy Bob Thornton.
Duración: 141 min.

8.5

Juez y parte.


A pesar de la escasa versatilidad de Robert Downey Jr., quien ya comienza a aburrir con su siempre simpático, sarcástico y carismático, pero notablemente invariable estilo de personaje, The Judge es una gran película; no por su protagonista en particular, sino por todo lo circundante, incluyendo la cinematografía, el resto del reparto y un guión sobresaliente.

Esta vez Robert no viste un traje de hierro ni ensaya deducciones asombrosas, pero aun así es súper: un súper abogado. No hay casi diferencias en el perfil de este exitoso legista y Tony Stark, o incluso Sherlock Holmes. Esto no quiere decir que el protagonista no posea complejidad, pero es una complejidad demasiado familiar como para que el espectador genere empatía. En ese aspecto, esta propuesta fue por lo seguro: apelar al carisma de un personaje ya probado exitoso. En todo lo demás, sin embargo, la película sorprende gratamente.

The Judge es un drama muy bien guionado, con una historia que se va revelando en detalle a lo largo de toda la narración, agregando sustancia al relato a medida que avanza la cinta. También es una película muy sólida en lo técnico, gracias al eximio trabajo de su director. Hay una gran variedad de recursos fotográficos y dos o tres tomas excelentes, de esas que ahorran palabras a la hora de entregar un mensaje. Las palabras que no se ahorran, por otro lado, son las justas. Los diálogos entre los protagonistas nutren la trama y completan la experiencia más que satisfactoriamente.

The Judge es una entrega muy por encima del promedio en su género. Es una historia sensible y muy bien contada, con altos estándares cinematográficos y una premisa fundamental: imprimir en el espectador un mensaje indeleble. Sin lugar a dudas lo logra.




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CRÍTICA | CINE | Relatos salvajes

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Dirección: Damián Szifrón.
Reparto: Ricardo Darín, Leonardo Sbaraglia, Oscar Martinez, Erica Rivas y otros.
Duración: 122 min.

8

Cine animal.


La desgracia y la tragedia esconden un ángulo de visión cómico que no siempre es fácil de encontrar. La ironía, el morbo, el cinismo y muchas otras conductas y actitudes propias de la esencia humana son una parte integral de esta gratamente rara película argentina. Relatos salvajes es al cine lo que una antología de cuentos de Cortázar es a la literatura: un compendio de breves historias retorcidas, eximiamente narradas.

Como todo gran libro de cuentos, priman un par de relatos extraordinarios y el resto completa la experiencia con buenos resultados. Sobre toda consideración de calidad que pueda hacerse del filme, lo más destacable es su maravillosa cinematografía. Damián Szifrón sube la vara del estándar cinematográfico argentino hacia una altura quizás nunca antes alcanzada. Es asombrosa la variedad de recursos visuales utilizados por el director; la multiplicidad de planos, los diversos ángulos, los cambios de ritmo; todo está exquisitamente orquestado para la composición de una obra técnicamente impecable.

Las actuaciones son en general muy buenas, con algunas mínimas salvedades típicas del cine argentino. Algunos actores parecieran recitar el guion en vez de actuar, lo que por momentos (contados y breves) conspira contra la naturalidad de la historia, aunque finalmente no la dañe. Lo cierto es que en materia dramática los protagonistas principales logran componer con excelencia sus respectivos personajes, aportando verosimilitud a cada uno de los relatos.

Los galardones coronan, pero la calidad de una película la sentencia su audiencia. Relatos Salvajes quizás no gane un oscar, pero pasará a la historia como una de las más creativas y mejor dirigidas películas argentinas. Si Damián Szifrón comienza a pedir pista en el cine internacional, su talento lo puede hacer volar hacia alturas insospechadas.




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CRÍTICA | CINE | I origins

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Dirección: Mike Cahill.
Reparto: Michael Pitt, Astrid Bergès-Frisbey y Brit Marling.
Duración: 132 min.

8

El secreto de sus ojos...


I origins es un drama con ciertos rasgos de ciencia ficción y un profundo mensaje metafísico, que incursiona en la escatología a partir de la ciencia, tratando un tema ya varias veces visto en el cine, pero desde una perspectiva sensible y original.

Por sobre todas las cosas, el filme atrae, atrapa y emociona. Algunas escenas tienen una intensidad dramática excepcional, y creo que ése es el punto más fuerte de la propuesta. La historia es interesante y está bien contada, quizás a un ritmo más pausado del que muchos preferirán, pero es cierto que los dramas más sentidos suelen cocinarse a fuego lento, con planos más largos, para que el espectador tenga tiempo de empatizar con los personajes y lo que experimentan en el momento.

No se trata de una película descollante, pero sí de un muy buen drama, que ahonda dentro de la escatología con una sensibilidad verdaderamente particular. Es una experiencia original y atrapante, pero sobre todas las cosas, emocionalmente intensa.



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CRÍTICA - CINE - Gone girl

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Dirección: David Fincher.
Reparto: Ben Affleck, Rosamund Pike, Carrie Coon y Kim Dickens.
Duración: 149 min.

8

Montaña rusa de suspenso.


Gone Girl es una película larga de tres capítulos, con una historia que constantemente se va reciclando, aportando una frescura única a la trama y modificando las expectativas del espectador. Narrativamente, es una obra maestra, porque logra generar un clima de suspenso fenomenal, y eso le hace merecer el gran reconocimiento que tuvo en la audiencia.

No creo que sea un hito del género, pero sin dudas es un gran exponente. David Fincher sabe contar historias, y aquí vuelve a demostrarlo con un relato sublimemente compaginado, donde alterna tiempos y sucesos para dosificar la información en forma casi perfecta. Gone Girl primero cautiva, después sorprende y luego repite la fórmula, logrando mucha satisfacción en el espectador. Es, podríamos decir, la antítesis del thriller donde nunca pasa nada. Aquí pasa de todo, todo el tiempo, y de modo inesperado, lo que resulta muy gratificante en sus dos horas y media de duración.

Mi “pero” para con la propuesta radica en su conclusión, porque luego de múltiples subidas y bajadas en el sinuoso trayecto de su trama, sentí que a esta montaña rusa le faltó la dosis de adrenalina final, la que corona el recorrido. Es una película prácticamente inconclusa, o vagamente concluida. No es que prefiera un final al estilo Holliwood, pero al menos me gustaría haber visto un mayor desarrollo dramático en los últimos minutos, porque de un filme con tanto nudo uno espera generalmente una conclusión más sustanciosa, cosa que aquí no ocurrió.

Gone Girl es una muy buena película de suspenso y brilla por su impecable narración. A mí gusto, pierde un punto en los 10 minutos finales, porque toda la elaboración observada en la introducción y el desarrollo se desvanece en el acto final. De cualquier manera, es una de las mejores películas de suspenso que se han visto en 2014, y con eso sobra para decidir verla.





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CRÍTICA - CINE - Boyhood

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Dirección: Richard Linklater.
Reparto: Ellar Coltrane, Lorelei Linklater, Patricia Arquette y Ethan Hawke.
Duración: 165 min.

8

Antropología visual.


Richard Linklater es sin duda uno de los mejores exponentes del cine experimental contemporáneo y Boyhood quizás sea su experimento más ambicioso a la fecha; un paso adelante en su compromiso artístico de retratar lo cotidiano, lo común y lo ordinario con un realismo inigualable.

El espectador es sensible a las coincidencias, y por eso Linklater siempre termina dando en el clavo. El director no cuenta historias sofisticadas, sino relatos comunes, fácilmente distinguibles, con los que podemos identificarnos de una u otra manera. Boyhood narra parte de la infancia y la adolescencia de un chico durante 12 años, hasta que el joven comienza la universidad. Es una historia simple y ordinaria, pero contada de un modo jamás visto antes en el cine. La película fue filmada durante 12 años para documentar con mucho realismo los cambios a lo largo del tiempo, de los protagonistas y del contexto también. Es increíble ver en apenas poco más de dos horas y media cómo cambian los personajes y la forma en que se interrelacionan entre sí, condicionados por la realidad familiar, social, política y tecnológica de cada momento.

Cinematográficamente hablando, se trata de una película impecable, en la cual se destaca la edición. Es difícil de imaginar el trabajo de editar 12 años de filmación, y en este caso el resultado es brillante. Las transiciones entre épocas son suaves y ocasionalmente perspicaces; Linklater recurre mucho a la música y a algunos planos explícitos de ciertos dispositivos conocidos para dar aviso del paso del tiempo, pero también hay una infinidad de planos sutiles para retratar etapas, que seguramente se tornan más obvios con visiones posteriores del filme.

Boyhood es una película, pero tranquilamente podría ser una tesis doctoral en Antropología. Es una historia simple de una complejidad única. Es, sin ir más lejos, la historia de vida más realista y mejor resumida que el cine ha sabido concebir hasta ahora. Puede que la propuesta suene poco atractiva, pero no lo es. Linklater nunca promete, pero siempre cumple.






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CRÍTICA - CINE - Guardians of the Galaxy

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Dirección: James Gunn.
Reparto: Chriss Pratt, Zoe Saldana, Bradley Cooper, Dave Bautista y otros.
Duración: 121 min.

8

La otra guerra de las galaxias.


La época dorada del comic en el cine sigue dando frutos, en este caso con una propuesta que resultará poco familiar para todos aquellos que no traspasamos los límites de los superhéroes clásicos en el género. Guardians of the Galaxy no sólo es la adaptación de una historieta poco popular, sino también una entrega completamente diferente a lo que solemos ver en la pantalla grande.

Es muy difícil tomarse en serio a los guardianes de la galaxia, lo que seguramente sea el objetivo principal del filme. En contraste con propuestas similares del género, donde el enfoque radica en entregar una película de acción con ciertas dosis de humor, ésta invierte la fórmula, resultando en una comedia con mucha acción. Esto no significa que no haya alto voltaje dentro de la cinta, porque de hecho lo hay y de sobra, pero el humor es una variable siempre presente incluso a la hora de los golpes, los tiros y las explosiones. Es una apuesta ganadora por un concepto distinto, entregando una película muy bien realizada en lo técnico y extremadamente entretenida en lo argumental, porque por encima de toda escena de acción, lo que sobresale en el filme es sin lugar a dudas el guión. Los personajes son presentados de modo sublime y las líneas de diálogo son inteligentes, siempre dentro del marco de la comicidad.

Guardians of the Galaxy es una propuesta inédita dentro de la filmografía de Marvel, algo así como una comedia de ciencia ficción con grandes escenas de acción, pero que en realidad se destaca por su excelente guion. Es un entretenimiento imperdible apto para todo público.




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CRÍTICA - CINE - Dawn of the planet of the apes

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Dirección: Matt Reeves.
Reparto: Jason Clarke, Andy Serkis, Keri Russell y Gary Oldman.
Duración: 130 min.

8

Son muchos más que ocho los monos...


El relanzamiento cinematográfico del Planeta de los Simios comenzó hace un par de años con una muy buena película, que supo introducir la historia con una sólida y verosímil narración que estallaba en los últimos 30 minutos. Dawn of the Planet of the Apes es la continuación natural de aquel relato, y si bien es diferente en cuanto al ritmo y al estilo narrativo de la primera, es también una gran propuesta de ciencia ficción.

Esta segunda parte recoge la posta y prosigue el camino marcado por su predecesora. Dawn of the Planet of the Apes no tiene la contundencia y complejidad argumental que tuvo el comienzo de la saga, pero se adapta al curso de la trama. Las cosas, en un mundo pos-apocalíptico en el cual los simios se han rebelado, están más acaloradas, y las necesidades de los protagonistas son mucho más básicas. Por tal motivo, esta secuela es esencialmente una película más enfocada en la acción que en el guion. Esto no quiere decir que lo narrativo esté descuidado ni mucho menos, si de hecho, la historia es simple pero está muy bien presentada, al igual que los personajes. Pero sin lugar a dudas, es una propuesta con mucho más para mostrar que para contar; y lo muestra muy bien.

Dawn of the Planet of the Apes es visualmente impactante. Matt Reeves ya había demostrado su talento detrás de las cámaras en Cloverfield y Let Me in, y aquí vuelve a ratificarlo. Los planos, las secuencias y la edición son geniales, lo que no es sencillo en un proyecto de esta naturaleza, en que gran parte de los protagonistas son generados por computadora. Los efectos, por otro lado, están muy bien logrados, sobre todo en lo que se refiere a la expresividad de los simios.

La secuela de la nueva saga del Planeta de los Simios no decepciona, y sin ir más lejos, sorprende en lo técnico. Es una película intensa, enfocada la acción, pero que no descuida lo argumental. Distinta a su precursora, pero igual de buena.







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CRÍTICA - CINE - Jersey boys

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Dirección: Clint Eastwood.
Reparto: John Lloyd Young, Vincent Piazza, Michael Lomeda, Erich Bergen y Christopher Walken.
Duración: 134 min.

8

Los buenos muchachos de la música.


Si tuviera que destacar la máxima virtud de Clint Eastwood, resaltaría su compromiso para contar una historia, cualquiera fuera el argumento y el estilo narrativo. El cowboy octogenario, como director, no tiene en su extenso repertorio cinematográfico dos películas que siquiera se parezcan, y eso lo convierte, sin lugar a dudas, en uno de los más grandes y versátiles
directores de la historia del cine.

Jersey boys es una prueba más de la versatilidad de Eastwood, quien suele adaptar su estilo cinematográfico a la historia de turno. En este caso, el director decidió narrar la trama de un modo muy reminiscente a Goodfellas, aquella obra maestra del cine-mafia que supo componer Scorsese en 1990. El resultado es muy bueno, a pesar de que no a todos les haya convencido. La película posee un gran ritmo y a pesar de avanzar a paso acelerado, logra un buen balance entre lo visual y lo narrativo. Me da la impresión que Eastwood no quiso un corte de 3 horas, y por lo tanto terminó encauzando parte de lo sustancial de la trama en algunos diálogos breves, pero interesantes. Quizás media hora más de cinta hubiera consolidado el argumento, haciendo de la propuesta un éxito contundente e indiscutido, pero de cualquier manera, así como está, vale pena.

Jersey boys es una muy buena película, entretenida y cinematográficamente impecable en todos los aspectos técnicos, pero no es un musical, como muchos esperaban. Es, diría yo, un drama de la vida real narrado al estilo y ritmo de Martin Scorsese. Tampoco es una película magistral, pero quienes no estén esperando un musical seguramente no quedarán defraudados.







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CRÍTICA - CINE - Eliza Graves

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Dirección: Brad Anderson.
Reparto: Jim Sturgess, Kate Beckinsale, Ben Kingsley y Michael Caine.
Duración: 112 min.

8

Thriller victoriano bien ambientado.


Eliza Graves es un thriller ambientado en la época victoriana del Reino Unido, basado en un cuento de Edgar Alan Poe. Es una película oscura, bien narrada y sublimemente protagonizada, que centra su relato en describir la locura y las atroces prácticas médicas que en aquel entonces se llevaban a cabo para tratarlas.

De cinematografía correcta, el filme logra su cometido de ambientar la trama en un escenario inhóspito y extremadamente lúgubre. Independiente de la fidelidad que la historia pudiera tener con su musa literaria, Eliza Graves captura a la perfección la esencia estilística de Poe, entregando una narración interesante que en la superficie pareciera no guardarse nada, pero que llegando al final sorprende con un giro argumental.

Quizás no sea una obra maestra, pero sin lugar a dudas Eliza Graves es un muy buen exponente en el género, donde se destacan la caracterización de los personajes y la ambientación del relato. Quienes disfruten de este tipo de cine no quedarán decepcionados.






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CRÍTICA - CINE - Begin Again

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Dirección: John Carney.
Reparto: Mark Ruffalo, Keira Knightly y Adam Levine.
Duración: 104 min.

8

El musical encubierto.


Begin Again es una de esas gratas sorpresas que el cine nos da de vez en cuando. Se trata de una comedia dramática que logra romper el molde, apelando a la originalidad narrativa e invirtiendo en personajes pintorescos, pero por sobre todas las cosas, despuntando una cinematografía de primer nivel.

Las actuaciones son excelentes, incluyendo a su protagonista, Mark Ruffalo, quien suele encarnar personajes faltos de carácter e inexpresivos (a excepción de Hulk, claro). Éste no es el caso. El actor demuestra estar a la altura cuando las circunstancias lo requieren. Keira Knightley complementa con una buena interpretación también, y sorpresivamente, con una escondida aptitud vocal que le permite lucirse ante el micrófono. La película es, fundamentalmente, un tributo a la composición musical, algo así como un musical disfrazado de comedia dramática que sensibiliza al espectador de un modo muy original.

Pero los méritos de la película no descasan exclusivamente en su estupenda banda sonora y un buen reparto, sino además en su cinematografía. Begin Again está increíblemente filmada, y por sobre todas las cosas se destacan el guion y la edición. La historia es contada en forma creativa, con variados recursos narrativos y evitando la linealidad del relato, lo que potencia el entretenimiento.

Begin Again es una experiencia que raramente pueda defraudar a quienes disfrutan del género. Hay buena música, buena filmografía y si bien la historia no es algo fuera de lo común, sí lo es el modo en que se cuenta. Una comedia dramática diferente al resto es siempre bienvenida.







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CRÍTICA - CINE - X-MEN: Days of future Past

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Dirección: Bryan Singer.
Reparto: Hugh Jackman, James McAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence y otros.
Duración: 131 min.

8.5

La mejor saga de superhéroes de la historia del cine.


X-MEN es, a mi criterio, la mejor saga de superhéroes de la historia del cine, no sólo por sus virtudes cinematográficas en lo técnico, sino y fundamentalmente por su complejidad narrativa. Es muy difícil adaptar un cómic plagado de personajes a la pantalla grande y lograr desarrollar sus múltiples personajes en forma profunda. X-MEN lo ha logrado, gracias a las sólidas bases creadas por Bryan Singer, este gran director que ahora retoma la posta para terminar lo que ha comenzado tan bien.

Days of future past es un delirio absoluto, una incursión creativa dentro de la trama cronológica de los X-MEN que refresca la premisa original. Probablemente esté plagada de inconsistencias, sí, pero la verdad es que no importa. Bryan Singer regresa para hacer lo que mejor sabe hacer: contar una buena historia sin descuidar a los personajes y los vínculos que existen entre ellos, apelando a una cinematografía envidiable. El resultado vuelve a ser genuino, entretenido y por momentos sorprendente.

El espectador ya conoce a los personajes, sus historias personales y sus motivaciones. Siempre es un placer reencontrarse con ellos en aras de una nueva aventura. X-MEN, a pesar de pertenecer a un género popular entre los adolescentes, sigue siendo una película de ciencia ficción que se toma muy en serio a sus protagonistas, y por eso quizás continúe cautivando a la audiencia del modo en que lo hace. A la audiencia, y al reparto también. Ésta debe ser una de las pocas sagas de la historia del cine que luego de 5 películas y 15 años continúa convocando con entusiasmo a sus actores originales, lo que habla a las claras del compromiso que todo el equipo tiene con el proyecto.

Days of future past es de visión imprescindible para quienes disfrutan del género y en especial de la saga. Cualquier otro también la pasará bien, aunque tal vez se pierda un poco en los detalles de la historia. Para los amantes de la fotografía y la técnica cinematográfica, promediando la cinta hay una escena sinceramente fantástica, que será recordada y comentada por mucho tiempo en la industria. X-MEN sigue sin defraudar, y se consolida como la saga de superhéroes mejor realizada de la historia del cine.









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CRÍTICA - CINE - Edge of Tomorrow

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Dirección: Doug Liman.
Reparto: Tom Cruise, Emily Blunt y Bill Paxton.
Duración: 113 min.

8.5

Mirar, disfrutar, repetir.


Es verdad que la propuesta inicial de Edge of Tomorrow no es nueva, que ya hemos visto algo muy parecido en Groundhog Day, primero, y algo relativamente similar en Source Code, hace apenas un par de años. También es cierto que los fundamentos argumentales que explican la dinámica de la película son bastante vagos, en especial para aquellos que necesitan filtrar todas y cada una de las historias por un tamiz de verosimilitud. Quizás Edge of Tomorrow no sea radicalmente original y consistente, y aun así, es una gran película de ciencia ficción.

Sin poseer una trama excepcional, Edge of Tomorrow consta de una enorme ventaja en su género: un guion virtuoso. Son incontables los momentos en que uno se ríe o asombra a medida que la historia transcurre, gracias a un conjunto de secuencias brillantemente concebidas desde lo narrativo y luego eficazmente ejecutadas en la pantalla. Cinematográficamente hablando, a Edge of Tomorrow no le sobra ni le falta nada. Los personajes y la historia están muy bien presentados, las escenas de acción son contundentes y la edición es sublime. Todo esto, a ritmo perfecto. No existe siquiera un bache en que el espectador se distraiga y pierda el hilo de la película.

No estamos hablando de una obra maestra de la ciencia ficción, pero sí de una gran entrega en el género. Edge of Tomorrow es cine puro, pensado para el entretenimiento y realmente muy bien logrado. Es una excelente propuesta para divertirse a lo grande.



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CRÍTICA - CINE - Chef

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Dirección: Jon Favreau.
Reparto: Jon Favreau, Scarlett Johanson, John Leguizamo, Sofia Vergara y otros.
Duración: 114 min.

8.0

Cine-entretenimiento gourmet.


Indudablemente a Jon Favreau no sólo le apasiona el cine, sino también la gastronomía. Chef es el resultado satisfactorio de ese amor bidimensional; una película muy entretenida que deja en manifiesto el talento de un director versátil y comprometido con los proyectos que lleva a cabo.

Las imágenes dan hambre; la banda sonora, ganas de bailar. Chef es una comedia pasatista filtrada por los más altos estándares cinematográficos. Lo fascinante no es su historia, sino la forma en que se cuenta, gracias a un Favreau con los cinco sentidos encendidos. Chef, por sobre todas las cosas, está eximiamente dirigida, y con eso no sólo basta, sino que sobra. La fotografía es maravillosa, la música encantadora y la edición para aplaudir de pie. Posee, sí, algunas imperfecciones a nivel argumental, pero este improvisado crítico amante del cine está dispuesto a hacer la vista gorda, dada su relativa trivialidad con respecto al resultado final.

Chef no es el caviar del séptimo arte, que quede claro; es más bien una milanesa con papas fritas gourmet, que se disfruta hasta el último bocado.


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CRÍTICA - CINE - Captain America 2: The Winter Soldier

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Dirección: Anthony y Joe Russo.
Reparto: Chris Evans, Samuel Jackson, Robert Redford y Scarlett Johanson.
Duración: 136 min.

9.0

Superhéroe alla Jason Bourne.


Voy a comenzar la crítica con una aseveración que puede sonar exagerada, pero no lo es: la continuación de Capitán América tiene algunas de las mejores secuencias de acción que he visto en el cine. Me atrevo a decir, de hecho, que las coreografías de combate cuerpo a cuerpo superan a las observadas en la trilogía de Jason Bourne, gracias a la soberbia e inesperada dirección de los hermanos Russo. La acción en Captain America: The Winter Soldier merece improvisar un adjetivo: es desfibrilante. Las piñas y las patadas rozan el rostro del espectador, al tiempo que las balas silban a su costado. Hay también alguna que otra persecución automovilística que corta el aliento, y dos o tres momentos sublimes de suspenso, brillantemente ejecutados.

No hay muchas vueltas que darle; esta segunda entrega del emblemático superhéroe norteamericano es técnicamente perfecta, y su impacto sensorial es envidiable. De eso se trata la película y en eso se destaca, aunque en otros aspectos tampoco defraude, como ser su trama y estilo narrativo. The Winter Soldier invierte en un tipo de relato inusual en el género, más vinculado al mundo del espionaje que al de la historieta. No voy a decir que es un gran thriller político como he leído por ahí, porque sinceramente no me parece que lo sea y porque tampoco creo que intente serlo; pero sin lugar a dudas el guion presenta una sólida base argumental para conducir la acción y el suspenso con mayor eficacia y verosimilitud, al tiempo que le permite también desarrollar y humanizar más a sus personajes.

Difícil de superar lo que han hecho los directores. La variedad, creatividad y precisión de las tomas utilizadas en las escenas y su posterior edición alcanzan los más altos estándares cinematográficos. Ésta no es la típica película de superhéroes, sino algo así como una mezcla entre Jason Bourne y Misión Imposible protagonizada por el Capitán América; un deleite visual con muy escasas comparaciones. Ha arrollado a su predecesora y para mi gusto, se ha ganado un lugar entre las mejores exponentes en su género. Para ver muchas veces.


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CRÍTICA - CINE - Godzilla

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Dirección: Gareth Edwards
Reparto: Aaron Taylor-Johnson, Elizabeth Olsen, Bryan Cranston y Ken Watanabe.
Duración: 123 min.

8

Godzilla, el súper héroe


El cine-entretenimiento norteamericano -o megaproducción pochoclera- es un género estigmatizado, y con razón; la gran mayoría de las propuestas que responden al mencionado estilo suelen subestimar a la audiencia, relegando lo argumental a un plano casi inexistente. Godzilla también es cine comercial, pero dentro de su esencia cinematográfica logra escapar con éxito del estereotipo para proponerle al espectador una muy buena experiencia.

La clave del éxito radica en el respeto que el director ha tenido por la historia. Las muy buenas secuencias de acción y suspenso han sido puestas al servicio del argumento y no al revés, como suele ocurrir con este tipo de propuestas. Godzilla es una película bien ideada que invierte tiempo y recursos en contar una historia, al tiempo que presenta y desarrolla a sus protagonistas con gran eficacia. Claro que hay giros inverosímiles y agujeros argumentales, pero del tipo que uno está dispuesto a dejar pasar en aras del entretenimiento. Lo cierto es que la película engancha, impacta y por momento asusta, y mucho. Hay tramos de suspenso excelentemente ejecutados que recuerdan a joyas del género como Jurassic Park.

Godzilla es cine pochoclero del bueno. Está bien guionada, bien protagonizada y sublimemente realizada en lo técnico. Seguramente, para los fans del monstruo, ésta sea una obra maestra; para el resto de los cine-aficionados, es una propuesta de ciencia ficción muy entretenida, que no defrauda.


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CRÍTICA - CINE - Locke

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Dirección: Steven Knight
Reparto: Tom Hardy, Olivia Colman, Ruth Wilson
Duración: 85 min

8

Desde la autopista


Locke es una propuesta muy en sintonía con “Buried”, aquella joya inesperada estrenada en 2010 y protagonizada por Ryan Reynolds. Si bien se trata de géneros y argumentos completamente distintos, ambas películas comparten un estilo muy similar en el que la historia se desarrolla en tiempo real, dentro de un escenario reducido y con apenas un protagonista visible.

Ivan Locke no está confinado en un cajón, sino encerrado en una cabina vehicular en movimiento constante. Desde allí transcurre la historia, a medida que el protagonista va realizando y recibiendo llamadas telefónicas de distinta índole. La trama se construye en forma inteligente, a través de diálogos de alto contenido dramático que contribuyen a un clima de tensión progresivo. Locke, a diferencia de Buried, no es la crónica de una tragedia fatal, sino más bien de un hecho verosímil y desafortunado. Incluso así, sin el dramatismo agregado que supone una situación de riesgo de muerte, la película se las ingenia para aportar una contundencia enorme al relato, gracias a la combinación de un fantástico guion y una actuación descollante de Tom Hardy.

Locke se aleja mucho de los patrones cinematográficos comunes, y allí radica su mérito: contar un drama verosímil en tiempo real exponiendo al máximo las emociones de su protagonista. No es una película que vaya a impactar a toda la audiencia, pero quienes estén dispuestos a ver algo distinto encontrarán en esta propuesta una experiencia casi hipnótica.

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CRÍTICA - CINE - Noah

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Dirección: Darren Aronofsky
Reparto: Russell Crowe, Jennifer Connelly, Anthony Hopkins
Duración: 138 min

8.5

Epopeya atípica


Tuve mis dudas cuando Darren Aronofsky surgió como el encargado de llevar este proyecto a la pantalla grande, porque no es el tipo de director que hace una película épica por encargo, sino todo lo contrario; es un cineasta sensiblemente comprometido con el estilo y el mensaje de sus filmes.

Mi escepticismo duró poco, quizás los 15 o 20 minutos que me llevó darme cuenta de que, llamativamente en esta industria, a Darren los productores no han podido modificarle el gusto. Noah no es una película épica comercial, sino otra pieza oscura y siniestra de un director que no se cansa de explorar la naturaleza humana con una profundidad inaudita. ¿Qué mejor que el antiguo testamento como fuente de inspiración?

La huella del director está intacta, tanto en lo técnico como en lo narrativo. La edición es, por sobre todas las cosas, lo que sin dudas define a un filme de Aranofsky visualmente; esas secuencias de imágenes rápidas y superpuestas de alto impacto sensorial en el espectador. Hay, entre todas ellas, una secuencia de la creación del universo que sinceramente lo deja a uno con la boca abierta de comienzo a fin.

En cuanto a lo narrativo, Noah es una película con un mensaje violento y poco esperanzador, cuyo epicentro argumental radica en la oscura naturaleza humana. Lo escatológico, si bien está presente en todo momento, es más bien circunstancial y atmosférico. La historia se enfoca en cómo su protagonista interpreta la voluntad del creador, y no tanto en el creador en sí, lo que me ha parecido fascinante. Los diálogos de la película son sustanciosos y contundentes, como parte integral de un guion muy bien pensado.

Noah no es la epopeya bíblica que quizás los religiosos estaban esperando, sino más bien una adaptación con muchísimos grados de libertad. Es una película íntimamente comprometida con la esencia humana desde la misma creación, cuyo mensaje es tal vez sombrío, pero realista. Es una película difícil de recomendar, que seguramente con el tiempo será más valorada por el público. El arca de Noé es una historia que despierta pasiones en mesa, pero el cine de Aronofsky no es para todo el mundo. Quienes disfruten de Aronofsky y no tengan paradigmas religiosos inflexibles, van a saber apreciar Noah.
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CRÍTICA - CINE - 7 cajas


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Dirección: Juan Carlos Maneglia, Tana Schembori
Reparto: Celso Franco, Víctor Sosa, Lali Gonzalez
Duración: 105 min

9

La joya del Paraguay


7 cajas es un suspiro cinematográfico, una bocanada de aire fresco que trasciende las fronteras convencionales de la industria y demuestra que no siempre hace falta un productor con una billetera gorda para lograr una excelente película.

No se trata de una película nueva. 7 cajas se estrenó en 2012, pero dada la falta de recursos y la ausencia de una poderosa distribuidora que se involucrara en el proyecto, recién ahora comienza a masificarse. Es cine paraguayo, por extrañas que suenen esas dos palabras juntas; no cualquier tipo de cine, sino cine de primerísima calidad. La fotografía, la edición, las actuaciones y el guion alcanzan los más altos estándares de la industria, para configurar una propuesta sinceramente imperdible.

Sin ajustarse a ningún género en particular, 7 cajas es una de esas raras películas en las que todo se hace bien. Hay suspenso, comedia, acción y una pizca de romance, todo perfectamente adaptado a un escenario poco convencional, como es un mercado de concentración en Asunción. La historia es hilvanada de manera soberbia, presentando y desarrollando múltiples personajes que logran dejar su huella en el espectador.
Quizás sea ésta la mejor película de la historia del cine paraguayo. Es una propuesta original, entretenida y brillantemente ejecutada por sus realizadores y protagonistas. Difícil que decepcione, fácil que sorprenda.
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CRÍTICA - CINE - The Raid 2

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Director: Gareth Evans.
Duración: 150 minutos.
Casting: Iko Uwais, Yayan Ruhian y Arifin Putra.

8/10 - Muy Buena

Bruce Lee + Jason Bourne.


La primera entrega de The Raid fue una gran sorpresa para el mundo del cine, gracias a su enorme despliegue técnico y sus milimétricamente ejecutadas coreografías de acción. En aquella oportunidad, todo el talento demostrado en cámaras y edición quedó opacado por grandes deficiencias narrativas y algunas pésimas actuaciones. La continuación, sin ser una joya literaria, invierte mucho más tiempo y recursos en el contorno argumental que rodea a los eventos, mejorando la experiencia ampliamente.

Quienes buscan acción, tendrán acción. Aunque parezca difícil de creer, las escenas de alto voltaje son tan buenas o incluso mejores que las de su predecesora. The raid 2 tiene más variedad de escenarios, lo que le permite experimentar más allá de la claustrofobia. Hay, en especial, una secuencia de acción en el patio de un penitenciario que sin lugar a dudas es de lo mejor que he visto en el género. Las coreografías son estupendas, pero el trabajo de cámaras y edición es incomparable. Gareth Evans se encamina apresuradamente a convertirse en uno de los mejores directores de cine de acción de la actualidad, gracias a su enorme visión cinematográfica. El galés ha reformulado el género, fusionando lo ambiental y lo explícito, para entregar imágenes que cortan el aliento. En otras palabras, al Jason Bourne de Evans se le verían impactar las piñas de modo mucho más visceral.

Quienes buscan historia, no la encontrarán, pero sí tendrán esta vez casi una hora más de película, personajes más verosímiles y una trama sobre la que se sostienen los hechos. The Raid 2 no posee un gran guion, pero a diferencia de la primera, por lo menos tiene uno, y es lo suficientemente digno. El costado dramático del filme también ha sido mejorado bastante, y ya no provoca vergüenza ajena ver a los protagonistas hacer cualquier otra cosa que no sea pelear.

The Raid 2 es una gran película de acción, técnicamente insuperable. Es exagerada e inverosímil, sí, pero inevitablemente entretenida. Yo sigo esperando el momento en que un buen guionista haga sociedad con Gareth Evans y quizás entonces se reescriba la historia del cine acción.


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CRÍTICA - CINE - Non-Stop

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Director: Jaume Collet-Serra.
Duración: 106 minutos.
Casting: Liam Neeson y Julianne Moore.

8/10 - Muy Buena

Entretenimiento sin escalas.


El maduro y tardío referente del cine de acción, Liam Neeson, retorna a la escena para mostrar su incansable perfil de héroe, y no decepciona. Non-stop es un sólido thriller que combina en forma eximia cinematografía, narrativa y actuaciones, para alcanzar un producto final que supera ampliamente el promedio en su genero.

Neeson no cansa en su traje de duro, si lo demás acompaña. Un gran actor como él aporta credibilidad al protagonista, sobre todo cuando le ponen a su lado a otra gran actriz como Julianne Moore. Non-stop es cine entretenimiento, pero con gran nivel dramático y sobresaliente calidad narrativa. Los personajes están muy bien presentados y la historia se desenvuelve de modo armónico, sin atajos ni artilugios arrítmicos. Las cámaras y la edición también son muy buenas, para quienes busquen “peros” en lo técnico (como como quien suscribe).

Non-stop no es una película más de suspenso y acción, sino una de las buenas. Quizás no muestre nada que no se haya visto antes, pero lo que muestra es de primera calidad. Obviamente que dentro de su género supone una cuota importante de exageración, a tener en cuenta por aquellos que constantemente contrastan la realidad con la ficción. Quienes quieran pasar un buen rato sin detenerse en detalles y verosimilitudes, van a disfrutar de esta muy buena propuesta.




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CRÍTICA - CINE - Lone Survivor

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Director: Peter Berg.
Duración: 121 minutos.
Casting: Mark Wahlberg, Taylor Kitsch, Emile Hirsch, Ben Foster y Eric Bana.

8/10 - Muy Buena

Gajes de un oficio difícil.


Uno podría caer rápidamente en la tentación de decir que Lone Survivor es apenas otro filme-propaganda que busca sobresaltar el heroísmo de los soldados estadounidenses, pero la película es mucho más que eso. Es cierto que rescata lo mejor de las fuerzas armadas norteamericanas, pero lo hace de forma artística y seria, sin incurrir en cursilerías y evitando recetas harto conocidas.

Lone Survivor está basada en una historia verídica, lo que le aporta una gran intensidad a la propuesta. Los protagonistas están inspirados en soldados verdaderos y las situaciones de conflicto también. No se trata de un comando de Rambos, sino de seres humanos con preocupaciones y ambiciones, como cualquiera de nosotros, cuyo trabajo es verdaderamente particular. La película muestra con realismo la rutina laboral de personas que arriesgan sus vidas para ganarse el pan, y funciona, gracias a un muy buen despliegue narrativo que acierta en la presentación de los personajes, sin apresurar los tiempos.

Los tiros llegan más tarde, pero para quedarse. A partir del primer disparo, Lone Survivor se convierte es un espiral de acción y vértigo que no se detiene hasta arribado el final. Quienes recuerden Black Hawk Down, encontrarán en esta propuesta grandes similitudes, sobre todo por el crudo realismo de sus imágenes. Ésta no es una película de guerra en la que los protagonistas esquivan balas, sino todo lo contrario, y su director ha realizado un excelente trabajo de fotografía para encauzar la historia a través de secuencias visuales magníficamente logradas.

Lone Survivor es un acierto en el género, gracias a su reparto y a una dirección impecable que ha sabido orquestar lo narrativo y lo técnico, rescatando la humanidad de los protagonistas, pero sin atenuar su capacidad de entretener a una audiencia ávida de acción.



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CRÍTICA - CINE - Her

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Director: Spike Jonze.
Duración: 126 minutos.
Casting: Joaquin Phoenix, Amy Adams, Rooney Mara y Scarlett Johansson.

10/10 - Excelente

La pareja perfecta.


Her es ciencia ficción próxima, fácil de proyectar. No se trata de un futuro lejano, sino tan solo de unos cuantos años hacia adelante, en los que la tecnología continúa avanzando sobre nuestro estilo de vida, modificando las costumbres y los hábitos.

No es ciencia ficción distópica, al contrario de lo que muchos puedan sospechar. Her no es la versión dramática de Terminator, sino una película íntimamente comprometida con la naturaleza social de las personas, enmarcada dentro de un escenario futurista y creativo. Se trata de una propuesta original, excelentemente escrita, dirigida y actuada, que explora las relaciones humanas con una profundidad inaudita, al tiempo que expone en la pantalla una visión sumamente interesante de un futuro cercano.

Her es algo nunca antes visto, una entrega que fusiona géneros con una sutileza increíble, al tiempo que despliega un desfile de imágenes exquisito, gracias a su fotografía y edición de primer nivel. Una vez cada tanto surgen este tipo de sorpresas en la pantalla grande. Para mis estándares cinematográficos, Her es la película perfecta.

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CRÍTICA - CINE - Out of Furnace

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Director: Scott Cooper.
Duración: 118 minutos.
Casting: Christian Bale, Casey Affleck, Woody Harrelson, Forest Whitaker, Willem Dafoe, Sam Shepard y Zoe Saldana.

8/10 - Muy Buena

Fuera del horno, pero caliente.


Out of Furnace no es una película original, sino apenas otra variante narrativa de la típica historia de venganza. Pero no es el argumento en sí lo que hace de esta propuesta un gran exponente en su género, sino todo lo demás; y al decir todo lo demás, literalmente me refiero a todo lo demás: actuaciones, cinematografía y guion.

Los personajes de Out of Furnace son vívidos, creíbles y logran que el espectador se sumerja en una historia magníficamente guionada, que derrama tristeza, violencia y oscuridad. La ambientación del filme es también impecable y logra capturar la esencia de la problemática social norteamericana con un notable despliegue visual. La fotografía es muy buena, sobre todo en los planos que se han elegido para contar ciertos pasajes cruciales de la historia. La música, por otro lado, está a cargo de Pearl Jam, lo que sin dudas magnifica la experiencia.

Entre todas la virtudes técnicas y narrativas, en la película se destaca su reparto. Hay seis protagonistas de primer nivel, que se reparten el guion y le sacan a sus personajes el máximo jugo posible, pero entre Bale, Affleck y Harrelson, uno verdaderamente no sabe con quién quedarse. Los tres logran, cada uno a su modo, transmitir sus miedos, frustraciones y odios, a través de interpretaciones magistrales.

Out of Furnace no es nada nuevo, pero está muy bien lograda. Siempre da gusto ver una película tan minuciosa en su trámite narrativo y tan bien caracterizada por sus protagonistas. Habrá quienes no encuentren nada espectacular en ella, pero dudo que pueda defraudar a cualquiera que sepa por dónde viene su género y no busque una película pochoclera.


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CRÍTICA - CINE - Snowpiercer

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Director: Joon-ho Bong.
Duración: 127 minutos.
Casting: Chris Evans, Jamie Bell, Tilda Swinton, John Hurt y Ed Harris.

9/10 - Muy Buena

Ciencia ficción sobre rieles.


Si Terry Gilliam y Michael Bay se pusieran de acuerdo para hacer una película de ciencia ficción juntos, seguramente éste sería el resultado. Snowpiercer no es una película para todo el mundo, y como muchas obras del estilo, seguramente se convertirá en una película de culto en el futuro, aunque en el presente no se le haya prestado suficiente atención.

El fin del mundo no es un argumento original, a menos que se le busque una vuelta. Snowpiercer le ha encontrado esa vuelta gracias a un guion creativo y comprometido con su mensaje. No se trata sólo de otra entrega de acción donde silban las balas y vuelan los puñetes y patadas, sino de un filme que presenta un argumento contundente y profundo. Hay mucha acción, coreografías de peleas brillantes y balaceras que combinan diferentes planos y tiempos, pero también hay diálogos penetrantes de enorme contenido antropológico.

Es una propuesta rara, como también lo supo ser Brazil hace ya tres décadas. Snowpiercer por momentos juega con los límites de lo grotesco y lo absurdo para exponer ideas, y eso suele incomodar al espectador, pero es una película que no da puntada sin hilo. Cada fotograma está pensado para impactar y entregar un mensaje conciso de principio a fin, y el resultado es indiscutible. Incluso en los diez minutos finales, la historia continúa sorprendiendo con giros insospechados.

Snowpiercer es una pieza muy completa que combina un guion magnífico con excelente cinematografía, logrando una alquimia inaudita: un drama de acción y ciencia ficción comprometido con la naturaleza humana. Es simplemente uno de los exponentes más sólidos que se han visto en el género en las últimas décadas, junto con Matrix e Inception.





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Saving Mr. Banks - Crítica de cine

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Director: John Lee Hancock.
Duración: 125 minutos.
Casting: Emma Thompson, Tom Hanks, Colin Farrel y Paul Giamatti.

8.5/10 - Muy buena

Detrás de Mary Poppins.


Saving Mr. Banks es un claro ejemplo del giro que han dado los estudios Disney en cuanto a su política de contenidos para con los proyectos cinematográficos. A diferencia de lo que muchos hubiéramos sospechado, no se trata de una tibia comedia dramática sustentada por el carisma de sus protagonistas y buena cinematografía, sino de un drama introspectivo que explora en profundidad las tristes entrañas de su argumento.

No hay filtros en Mr. Banks. La narración es sutil, pero no existen reservas en cuanto al contenido. La historia se cuenta en dos tiempos distintos que corren en forma paralela a medida que avanza el relato, con un importante despliegue de recursos cinematográficos. Es sabido que Disney no ahorra en producción y eso queda en manifiesto en la película. El reparto es insuperable, la fotografía de primer nivel y la edición logra encastrar dos sub-tramas en una en forma armónica y gradual. Pero por sobre todas sus virtudes técnicas y actorales, Saving Mr. Banks es un triunfo en lo narrativo. La contundencia y sinceridad de su guion demuestra a las claras el enorme compromiso de sus realizadores para contar la historia, quizás en desmedro de ciertos aspectos comerciales. Seguramente esta película haya gestado más de una discusión entre los directivos de Disney, y es sinceramente un placer ver que el resultado final se condice más con los estándares artísticos que con los comerciales.

Quienes se hayan criado viendo Mary Poppins encontrarán en esta propuesta una sorpresiva joya. Saving Mr. Banks no sólo desvela el trasfondo dramático real detrás de una de las mejores películas infantiles de la historia del cine, sino que también nos propicia la transición de la inocencia a la adultez a todos los aficionados a la ficción. Saving Mr. Banks nos enseña que la realidad y la ficción, en definitiva, son inseparables.





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True detective - Crítica de cine

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Creador: Nic Pizzolatto.
Casting: Woody Harrelson, Matthew McConaughey y Michelle Monaghan.
Duración: 1 temporada / 8 episodios / 2014.

9/10 - Muy buena


Policial en serio.


HBO siempre ha sabido traer a la televisión las series mejor guionadas, y True Detective no es una excepción. Salvando las enormes diferencias de género y estilo, la nueva propuesta de HBO de alguna manera emula la fórmula narrativa que supo tener la célebre The Wire hace ya una década atrás: la construcción de la historia predomina por sobre la acción.

True Detective es un policial negro al que quizás no todos los aficionados le tengan paciencia. A diferencia de la gran mayoría de las propuestas del estilo, esta serie se toma prácticamente media temporada para presentar la historia y sus personajes con lujo de detalles, y recién a partir de entonces es que comienza la acción. El resultado de tal experiencia narrativa estará a la vista de todos aquellos que estén dispuestos a alcanzar los minutos finales del cuarto episodio, que es cuando el relato finalmente estalla. A partir de allí, True Detective es una bomba impredecible que cosecha todos los frutos sembrados durante la primera mitad de la temporada.

True Detective no es el tipo de serie en las que siempre pasa algo y al final no pasa nada. Es una propuesta que invierte en la trama y en desarrollar sus personajes para luego impactar al espectador con un realismo inusual. Es un policial contundente, muy bien protagonizado y de rara ocurrencia en la pantalla chica. Imperdible.


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12 years a slave - Crítica de cine

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Director: Steve McQueen.
Duración: 134 minutos.
Casting: Chiwetel Ejiofor, Lupita Nyong'o, Michael Fassbender y otros.

8.5/10 - Muy buena

Nada nuevo, pero muy bueno.


12 years a slave no es la primera ni será la última película en tratar el tema de la esclavitud en el cine. A pesar de ser una historia real y tener una ligera variante en la trama, es un argumento que ya hemos visto en múltiples oportunidades en la pantalla grande. Pero no es el qué lo fundamental en el cine, sino el cómo. La ganadora del Oscar a la mejor película de 2013 quizás no derroche originalidad en su relato, pero está tan bien realizada que es imposible encontrarle puntos débiles.

Cualquiera sea la perspectiva cinematográfica, 12 years a slave supera los estándares. Su guion está perfectamente estructurado, el reparto es imponente y la dirección no menos que impecable. Steve McQueen ha sabido componer una obra casi perfecta y, a pesar de la dureza de la historia, es verdaderamente un placer sentarse a ver una película tan cuidada en cada uno de sus detalles.

No vale la pena discutir si merece un Oscar o no. Lo que sí importa, sin embargo, es que 12 years a slave es una gran película independientemente de su argumento. Quizás no sea original, pero es un relato contundente desde lo narrativo y sobre todo impecable desde lo cinematográfico. El cine, después de todo, es como la gastronomía: un plato tradicional bien logrado siempre valdrá la pena.





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Thor: The dark world - Crítica de cine

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Director: Alan Taylor.
Duración: 112 minutos.
Casting: Chris Hemsworth, Natalie Portman, Tom Hiddleston, Anthony Hopkins y Rene Russo..

8/10 - Muy buena

El regreso del dios del trueno.


A esta altura, salvo raras excepciones, es sinceramente difícil encontrar una propuesta de Marvel que no cumpla con las expectativas. El estudio se ha comprometido hasta la médula con la obra gráfica de Stan Lee y lo demuestra en casi cada uno de sus trabajos, con producciones que a algunos les pueden gustar más que a otros, pero que sin dudas le hacen justicia a los míticos personajes de las historietas en la pantalla grande.

La segunda entrega de Thor está en línea con lo que fue su predecesora. Se trata una película de acción y aventuras con un muy buen despliegue técnico, personajes divertidos y una historia bien construida que sigue la lógica no sólo de la saga Thor, sino también de la muy bien lograda The Avengers.

Hay acción, humor y buena cinematografía. Más no se le puede pedir a una propuesta del estilo. Thor: The Dark World cumple con lo prometido y entretiene a la audiencia eficazmente.




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Gravity - Crítica de cine

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Director: Alfonso Cuarón.
Duración: 91 minutos.
Casting: Sandra Bullock y George Clooney.

8.5/10 - Muy buena

Cine envolvente.


El espacio es quizás el escenario más inhóspito que el ser humano pueda imaginar. Gravity se hace de esa premisa y elabora un relato escalofriante que no le da descanso al espectador de principio a fin.

Prácticamente no hay historia que contar en la película, pero tampoco es necesaria. Gravitiy no es un cuento de supervivencia, sino más bien una experiencia. Hay una línea argumental que aporta cierta perspectiva a los hechos, pero el filme pone el foco en los aspectos sensitivos, no en lo narrativo, y lo hace con excelencia, gracias a una dirección que tiene más que merecida el Oscar.

Se trata casi de una lección de cinematografía. La película transcurre en continuado y su percepción de tiempo real es inigualable, gracias una edición que supera todos los estándares conocidos. Lo interesante es que los realizadores no hayan caído en la tentación de utilizar técnicas de filmación propias de películas como Blair Witch Project o Cloverfield, sino que se hayan ceñido a la fotografía tradicional. Aunque tradicional, en este caso, no implique falta de originalidad. La fotografía de Gravity se destaca no sólo por sus soberbias tomas, sino por el dinamismo incluido dentro de las mismas. Hay un trabajo de planificación de cámaras y ángulos sinceramente impactante, amén de la ya comentada edición, que sin dudas incluye un impresionante despliegue de efectos especiales.

Gravity son 91 minutos de frenetismo, asombro e impacto sensorial. Es una de las experiencias espaciales más inmersivas que se hayan visto en la historia de la pantalla grande, y como tal, es de visón imprescindible para todos aquellos amantes del buen cine.


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Don Jon - Crítica de cine

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Director: Joseph Gordon-Levitt.
Duración: 90 minutos.
Casting: Joseph Gordon-Levitt, Scarlett Johansson y Julianne Moore.

8/10 - Muy buena

Apta para reducido público.


El debut de Joseph Gordon-Levitt como director de un largometraje es admirable desde múltiples aristas. Don Jon es una comedia atípica, extrovertida, provocadora y ciertamente no apta para todo público. Esto último no significa que sea solo una película para adultos –lo que efectivamente es–, sino que no es una película para todo el mundo.

Sin connotaciones machistas, Don Jon es un filme que será disfrutado preferentemente por hombres. Su humor es extremadamente vulgar, y aunque no sea explícito, sí es agresivo a los ojos, gracias a una dirección sinceramente magistral por parte de su protagonista. Gordon-Levitt busca impactar al espectador visualmente y lo logra, desplegando una muy buena fotografía, pero sobre todo, una magnífica edición.

La película también muestra un guion original, lo que aporta una frescura extra al relato. La historia propuesta no es solamente atrevida, sino también atípica en contenido, aunque fundamentalmente en la forma en que se cuenta. Dentro de su notoria extroversión, Don Jon esconde sutilezas; mensajes ocultos que alcanzan una profundidad insospechada cuando uno se pone a pensar en ellos.

Por último, las actuaciones. La transformación de Gordon-Levitt es lo más destacado en materia dramática, porque el flaquito al que estamos acostumbrados aumentó varios kilos de músculos para interpretar a su alter ego, Jon. Al cambio de aspecto se le suman modificaciones radicales en lo gestual y lo oral, adaptando su acento y sus formas al de un típico norteamericano de marcada descendencia italiana. Acompañan en el reparto Scarlett Johansson y Julianne Moore, quienes también muestran interpretaciones brillantes.

Don Jon incomoda, sorprende y nos hace reír durante su hora media de duración, con una historia provocadora y personajes entretenidos. Es una gran comedia que brilla en lo técnico y se destaca por su originalidad.





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Dallas Buyers Club - Crítica de cine

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Director: Jean-Marc Vallée.
Duración: 106 minutos.
Casting: Matthew McConaughey, Jared Leto y Jennifer Garner.

8.5/10 - Muy buena

Vivir sabiéndose muerto.


Hay dramas demoledores y dramas más bien llevaderos en lo emocional, algo que poco tiene que ver con lo ficcional o lo verídico. Hay directores que a veces quieren tener un profundo impacto emocional en el espectador y directores que sólo quieren contar una historia porque les parece interesante. Dallas Buyers Club es un drama de la vida real con intenciones primordialmente narrativas; una historia que valía la pena ser contada sin golpes bajos.

Los méritos de la película son muchos. El guion, la cinematografía y el ritmo del relato son impecables, pero lo verdaderamente impactante son las actuaciones. El componente dramático de la propuesta es lo que la destaca, gracias a las interpretaciones magistrales de Matthew McConaughey y Jared Leto, quienes alcanzan el máximo nivel de compromiso posible con sus personajes y lo manifiestan físicamente. Este último dato no es menor, porque la transformación física que llevaron a cabo ambos los torna irreconocibles, y por ende, más verosímiles en sus respectivos papeles.

Dallas Buyers Club es una historia desgraciada narrada desde un ángulo optimista. Está plagada de mensajes antropológicos, y aun así, la sutileza de su narración la vuelve sumamente amena a los ojos del espectador. También está muy bien dirigida y en especial, soberbiamente actuada. Un drama que vale la pena ver, sin tener que escurrir lágrimas.
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CRÍTICA - CINE - Rush

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Director: Ron Howard.
Duración: 123 minutos.
Casting: Daniel Brühl, Chris Hemsworth y Olivia Wilde.

8/10 - Muy buena

Crónica de una peligrosa rivalidad.


No ser aficionado al automovilismo no presenta mayores inconvenientes a la hora de ver Rush, porque no se trata de una película exclusivamente realizada para los fanáticos de la F1, sino que cuenta una interesante historia verídica que trasciende los límites de lo contextual.

Rush relata la rivalidad de dos eximios pilotos automovilísticos que han arriesgado todo por la competencia, y su director, Ron Howard, lo hace con un sólido despliegue cinematográfico. La fotografía y la edición de la película son espectaculares, e incluso aquellos que no disfruten de las carreras de autos, no podrán menos que asombrarse con el realismo alcanzado en sus imágenes.

El aspecto narrativo de la película, por otro lado, quizás no esté a la altura de su calidad técnica, lo que de ninguna manera quiere decir que sea deficiente, pero Rush es una película que avanza a las zancadas, a veces dejando la sensación de que todo ha sucedido muy rápido. El guion, de cualquier modo, es todo lo bueno que puede ser dada la duración del filme. 2 horas quizás no sean suficientes para desarrollar exhaustivamente a dos protagonistas en forma paralela. Si algo debe destacarse, de hecho, es que a pesar de la restricción de tiempo, el relato logra enfocarse en los detalles más salientes de la historia.

Rush, para los fans de la F1, es una propuesta imperdible. Para el resto de los espectadores, es una muy buena historia de la vida real llevada a la pantalla en forma impecable. Con media hora más de cinta invertida en las historias personales de los protagonistas sería excepcional, pero el tiempo es tirano y los productores de Hollywood odian las películas largas…


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CRÍTICA - CINE - All is lost

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Director: J.C. Chandor.
Duración: 106 minutos.
Casting: Robert Redford.

8/10 - Muy Buena

No todo está perdido...


Afirmar que All is lost es un película sin diálogo es pecar de escueto. Lo más preciso sería describirla como una propuesta cinematográfica en la que se pronuncian apenas medio centenar de palabras en casi dos horas de duración. Algo poco frecuente en la industria del cine.

Robert Redford encarna a un veterano y aguerrido timonel desprovisto de suerte en alta mar, quien literalmente contra viento y marea lucha por su vida hasta las últimas consecuencias.

Sería de esperar que una entrega del tipo fuera una sucesión ininterrumpida de secuencias interminables, y sin embargo, la experiencia es diametralmente opuesta. Con planos cortos y dinámicos, la historia transcurre a ritmo trepidante, sumergiendo al espectador en sus aguas bravas. Es un relato intenso y progresivamente desgarrador, que alcanza niveles de dramatismo inusuales en la pantalla grande.

Algunos dirán que solo se trata de una crónica náufraga más, mientras que otros la considerarán una joya de la supervivencia náutica. Cualquiera fuera el caso, un dato fehaciente sale a la superficie de tan soberbia narración: en Hollywood, y muy a pesar del título que le da nombre al filme, no todo está perdido.




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