Críticas salvajes en una jungla de temas…

CRÍTICA | CINE | Loving Vincent

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Directores: Dorota Kobiela y Hugh Welchman
Duración: 1h 34 minutos
Casting: Douglas Booth, Jerome Flynn, Robert Gulaczyk

8

Una pinturita


Detrás de su estética original, Loving Vincent es un drama presentado y desarrollado en clave de policial, rescatando lo mejor de la literatura detectivesca británica del siglo pasado. Es visualmente imponente, pero también es cautivante a nivel narrativo. Imperdible.


Lo mejor:
- La construcción de la trama
- Brillante concepto artístico

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CRÍTICA | CINE | It

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Director: Andy Muschietti
Duración: 2h 15 minutos
Casting: Bill Skarsgård y muchos otros niños

8

Celebrando a King


It es una muy buena propuesta de terror, pero también es un gran homenaje a Stephen King y a la ficción de los 80´ en general. Divertida y escalofriante en partes iguales, la película logra fusionar géneros de manera magistral, inspirándose narrativamente en Cuenta conmigo, de Rob Reiner, y cinematográficamente en el cine de terror japonés. Quizás sea, junto a Cuenta Conmigo, Cementerio de Animales y Misery, una de las mejores adaptaciones a la pantalla grande de la literatura del renombrado escritor. Indispensable para cualquiera que haya nacido antes de 1980.

Lo mejor:

- Las escenas de terror
- Humor pre-adolescente eximiamente guionado



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CRÍTICA | CINE | Mother!

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Director: Darren Aronofsky
Duración: 2h 1 minuto.
Casting: Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Ed Harris y Michelle Pfeiffer

8

Cine pesadilla


Darren Aronofsky vuelve a sofocar a la audiencia con una de las obras más dantescas y simbólicas de su filmografía. Mother! es una alegoría escalofriante y descarnada que explora el costado más siniestro de la celebridad de forma visceral y angustiante. Nuevamente, el director hace gala del sub-género que supo inventar y aterroriza al espectador hasta asegurarse de entregar el mensaje de modo contundente. Su cine, a mi gusto, sigue siendo una experiencia trascendental e inolvidable. A veces, en el cine, pasarla mal vale la pena.

Lo mejor:
- la cinematografía en general, el trabajo de cámara en particular
- el clima de tensión generado por el director es inigualable
- la existencia de un mensaje sustancial


Lo que hay que saber: es una película extremadamente incómoda y para un público reducido


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CRÍTICA | CINE | Detroit

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Director: Kathryn Bigelow
Duración: 2h 33 minutos.
Casting: John Boyega, Algee Smith, Anthony Mackie y Will Poulter

7

Historia negra


Detroit es una crónica precisa y contundente de un tiempo bisagra en los EEUU: la transición en el reconocimiento de derechos básicos e igualitarios para los afro-americanos. Es una descripción dinámica, cruda y objetiva de un hecho verídico puntual ocurrido en dicho contexto. No es extraordinaria y, ciertamente, no está dentro de lo mejor de Bigelow, pero es una buena película.

Lo mejor:
- Las soberbias actuaciones
- Es un contexto histórico que vale la pena examinar


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CRÍTICA | CINE | American made

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Director: Doug Liman
Duración: 1h 55 minutos.
Casting: Tom Cruise, Domhnall Gleeson y Sarah Wright

6

Piloto de tormenta…


American Made es interesante y está bien actuada, pero su narración es caótica e inverosímil. Sin ser una mala película, apenas entretiene.

Lo mejor:
- Edición creativa.
- Basada en una historia real que vale la pena conocer.

Lo peor: el guión.


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CRÍTICA | CINE | Blade Runner 2049

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Director: Denis Villeneuve
Duración: 2h 43 minutos.
Casting: Ryan Gosling, Ana de Armas, Harrison Ford, Jared Leto y Robin Wright

8.5

La secuela perfectista…


Si bien Blade Runner 2049 es minuciosamente fiel a la premisa original, tanto en lo estético como en lo conceptual, es una película con identidad propia; una identidad con envase conocido, pero con alma renovada. Ridley Scott, hace ya 35 años, cambió el cine de ciencia ficción para siempre y Denis Villeneuve, un gran aprendiz de brujo, logró perfeccionarlo.

La secuela de Blade Runner es probablemente uno de los mejores exponentes de ciencia ficción noir de la historia del cine, superando incluso a su predecesora. A ritmo pausado, entre escenarios lúgubres y tonos apagados, esta continuación sabe construir un policial contundente, gracias a un guión efectivo y gratificante a nivel argumental. Así y todo, y seguramente no sea una coincidencia, las resoluciones son abruptas y precipitadas, al igual que en la versión previa.

Narrativamente, Blade Runner 2049 es poco ortodoxa en su conclusión, lo que puede gustar más o menos al espectador, dependiendo de sus expectativas. En todo lo demás, podría decirse que es una secuela superadora. Imperdible para todo aficionado al género.





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CRÍTICA | CINE | Dunkirk

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Director: Christopher Nolan
Duración: 1h 46 minutos.
Casting: Fionn Whitehead, Damien Bonnard, Aneurin Barnard y muchos otros

9

Rescatando a 400.000 Ryans…


Dunkirk es una experiencia bélica intensa, inmersiva y eximiamente narrada. También es una prueba más -como si hiciera falta- de que Nolan es uno de los mejores directores de la historia del cine. Imprescindible.








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CRÍTICA | CINE | Gifted

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Director: Marc Webb
Duración: 1h 41 minutos.
Casting: Chris Evans, Mckenna Grace, Lindsay Duncan…

6.5

Genialidad genética…


Gifted no es una película extraordinaria ni mucho menos. Es, en el mejor de los casos, un drama familiar inocuo y relativamente original que no brilla ni decepciona. Evita el golpe bajo, emociona en dosis justas y entretiene. Agradable, pero prescindible.








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CRÍTICA | CINE | Trainspotting 2

MV5BMTU2NTA0NDM0MF5BMl5BanBnXkFtZTgwMDMzMTQzMTI@._V1_UX182_CR0,0,182,268_AL_Director: Danny Boyle
Duración: 1h 57 minutos.
Casting: Ewan McGregor, Ewen Bremner y Jonny Lee Miller…

5

Adictos a la nostalgia…


Cualquier cinéfilo que ronde hoy los 40 años seguramente recuerde Trainspotting con mucha nostalgia. Aquella joya del cine británico marcó a toda una generación con su descarada y tragicómica visión de la adicción de la heroína, al tiempo que hacía célebre a Danny Boyle, quizás uno de los directores más creativos del cine de las últimas décadas, sobre todo en lo que se refiere a su trabajo con la edición. Trainspotting 2, más allá de lo cinematográfico, poco y nada tiene que ver con su predecesora, en el peor sentido de la comparación.

Trainspotting 2 carece de verdaderos motivos de existencia, más allá de lo comercial y la nostalgia. Con algunos retazos de muy buena cinematografía, la película intenta ensayar un argumento pero lamentablemente cae en una trama inocua e inverosímil, que difícilmente logra cautivar al espectador del nudo hacia adelante. Más allá de la excitación y las expectativas que puedan reinar durante la primera hora de duración, el filme termina siendo una mezcla de situaciones vagas y personajes deslucidos.

Trainspotting 2 es simplemente un placebo para los adictos a la nostalgia; una continuación completamente innecesaria para los espectadores, perfectamente prescindible.







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CRÍTICA | CINE | Patriot´s day

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Director: Peter Berg
Duración: 2h 13 minutos.
Casting: Mark Walhberg, John Goodman, JK Simmons, Kevin Bacon y otros

8.5

Los patriotas de Boston


Como parte de su ya manifiesta cruzada por llevar a la pantalla grande historias verídicas recientes (siempre usando a Walhberg como protagonista), Peter Berg se mete esta vez en las entrañas de Boston para contar, con lujo de detalles, los hechos acaecidos en dicha ciudad en 2013, en que dos hermanos fundamentalistas conmocionaron a la sociedad con un violento atentado en el último tramo de una tradicional maratón.

Patriot´s Day reafirma lo ya sabido: Peter Berg es uno de los directores más talentosos y perfeccionistas de su generación, de esos que se involucran en el proyecto desde la incepción literaria hasta la sala de edición. Como resultado, la película se destaca en múltiples aspectos, que básicamente pueden resumirse en 2: el narrativo, con un guión brillantemente esquematizado y el cinematográfico, con variados recursos de dirección, entre los que predomina la cámara en movimiento y una soberbia edición.

Como si las virtudes de la cinta fueran pocas, cabe mencionar que el reparto es espectacular, con grandes nombres dando cuerpo a protagonistas no estelares y con Mark Walhberg liderando el hilo argumental, quien básicamente hace lo suyo. No es un misterio del cine el idilio entre Berg y Walhberg, sino más bien una relación conveniente y simbiótica. El actor produce y protagoniza los proyectos del director, aportando dinero y audiencia.

Patriot´s day es una imperdible versión de lo ocurrido en Boston en 2013, narrada excepcionalmente a través de múltiples personajes y filmada con muchísimo talento. Quizás fue pormenorizada por su evidente tinte patriótico, pero para mi gusto es imperdible.






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CRÍTICA | CINE | Live by night

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Director: Ben Affleck
Duración: 2h 17 minutos.
Casting: Ben Affleck, Zoe Saldana, Elle Faning y Brendan Gleeson

6.5

La obra maestra que no fue


Las películas de Ben Affleck se han caracterizado por ser simples a nivel narrativo. Buenas historias, con buenos personajes, pero siempre con hilos argumentales fáciles de seguir. Live by Night, de alguna manera, se aleja de ese estilo e intenta incursionar en una trama compleja, con múltiples aristas y plagada de personajes. El resultado no es malo, pero sin dudas ésta es la propuesta más débil que hasta ahora ha estrenado el director.

La virtud más evidente de Live by Night se encuentra en su cinematografía y en su capacidad de sorprender al espectador con grandes escenas de acción y tomas elocuentes. Quizás sea, de hecho, la mejor obra de Affleck en cuanto a lo técnico, quien demuestra su enorme capacidad de dirección y su involucramiento en todas las etapas de la producción, desde las cámaras hasta la sala edición. Sin embargo, el problema esta vez radica en el guión. El director tal vez haya pecado de ambicioso a la hora de contar una historia con demasiadas bifurcaciones argumentales y, en su intento de abarcarlo todo, termina empaquetando una historia caótica y resuelta a los apurones.

Live by Night brilla por momentos y siempre entretiene, pero su acelerado ritmo y barroquismo narrativo impiden que la historia alcance profundidad. La ansiedad de filmar una obra maestra en el cine de gangsters a Affleck le terminó jugando en contra. Es una buena película, pero lejos está de destacarse.




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CRÍTICA | CINE | Allied

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Director: Robert Zemeckis
Duración: 2h 04 minutos.
Casting: Brad Pitt y Marion Cotillard

8

Los espías amantes


Allied no fue del todo bien recibida por la crítica, quizás por ser una pieza que no aporta demasiada novedad ni sustancia al cine contemporáneo. La cinta es, sin embargo, otra clase magistral de cine por parte de Zemeckis, quien entretiene a su audiencia con una muy buena historia de espías.

Ambientada en la segunda guerra mundial, Allied no tiene tiempos muertos en materia narrativa. Es una propuesta ágil, que introduce a sus protagonistas de inmediato y avanza sobre la historia a paso acelerado. En ese trayecto, el director incursiona en múltiples géneros, logrando una alquimia fílmica verdaderamente efectiva, a veces opacada por la poco inspirada actuación de Brad Pitt, pero siempre rescatada por la habilidad cinematográfica de un director que maneja las cámaras y la edición como pocos en la historia de la industria.

Con acción, aventuras, suspenso y romance, Allied es una sólida y bien balanceada propuesta en el universo del espionaje. Probablemente no sea nada nuevo, pero como entretenimiento está muy por encima del promedio en su género.




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CRÍTICA | CINE | Logan

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Director: James Mangold
Duración: 2h 17 minutos.
Casting: Hugh Jackman, Patrick Stewart, Dafne Keen y Boyd Holbrook

9.5

El ocaso de Logan


Logan es una conclusión, un hito y también una novedad excepcional. No es una típica película de superhéroes, sino la versión más adulta y cruda de tal vez el héroe (¿anti?) de historieta mejor adaptado en la historia del cine. Es un drama de acción que se sumerge en la distopía sin contemplaciones, despertando emociones inusuales para el género.

Al tiempo que completa y consolida a XMEN como la mejor saga de superhéroes de la pantalla grande, Logan también hace historia. Es una película visceral, oscura y explícita, que impacta y deprime en dosis iguales. Es sinceramente superlativo el trabajo de Mangold, quien hace entrega de una bestia cinematográfica que destila sangre, sudor y lágrimas a ritmo de western y con ribetes de thriller, sin ningún tipo de contemplación hacia la audiencia. Técnicamente, es una cinta brillante tanto en lo fotográfico como a nivel edición, con grandes escenas entre las cuales una se destaca en particular, dejando el sello indeleble de su director. Narrativamente, Logan también está muy por encima del promedio en su género y consta de un guión bien esquematizado, personajes vivos y una trama muy bien ideada.

Mangold entra en el salón de la fama del cine de superhéroes, con una propuesta única y difícil de superar, que sube la vara en el género hacia una altura insospechable. Marvel, una vez más, ha sabido tomar riesgo y logra despedir a un personaje icónico con quizás la mejor película del estudio a la fecha. Imperdible.





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CRÍTICA | CINE | Manchester by the sea

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Director: Kenneth Lonergan
Duración: 2h 17 minutos.
Casting: Casey Affleck, Michelle Williams y Kyle Chandler

4

El drama insensible


La tragedia individual genera condescendencia y solidaridad colectiva, tanto en la vida como en el cine. Ése es el único argumento que encuentro para justificar el éxito indiscutible de Manchester by the Sea, una película que, para mi gusto, fracasa en sensibilizar a la audiencia.

Lo bueno de la cinta radica en el relato. La historia, esquemáticamente, está muy bien estructurada, aunque se cuente con una inmensidad de licencias narrativas. Podría decir, de hecho, que le sobran 40 minutos, dada la enorme cantidad de planos muertos y el constante abuso de la pausa.

En lo demás, este es un drama insensible, que carece de sustancia más allá de los trágicos hechos. Los personajes son acartonados y superficiales, los diálogos básicos y las situaciones completamente anodinas. Como resultado, en más de dos horas de película hubo apenas 5 o 10 minutos que lograron emocionarme y luego simplemente me aburrí.

Yo creo que la contundencia en un drama se alcanza a través de buenos diálogos o a través de imágenes bien concebidas. Manchester by the Sea, a mi criterio, carece de ambos, lo que la convierte en otro de los grandes misterios de la historia del cine, al menos en cuanto a su notoria celebridad…








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CRÍTICA | CINE | Hacksaw Ridge

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Director: Mel Gibson
Duración: 2h 19 minutos.
Casting: Andrew Garfield, Vince Voughn y Sam Worthington

9

Como Pearl Harbour, pero buena y verídica


Luego de una década de ausencia y una seguidilla ininterrumpida de escándalos personales, Mel Gibson volvió a ponerse detrás de cámara para dar prueba de que su talento para la dirección continúa intacto. Hacksaw Ridge, sin miedo a equivocarme, es quizás una de las mejores películas de guerra de la historia del cine junto a Rescatando al soldado Ryan y La caída del Halcón Negro.

Con la mirada explícita que lo caracteriza, Gibson hace que la guerra cobre vida en los sentidos del espectador. De la mitad del filme para adelante, Hacksaw Ridge es una experiencia cruda e inmersiva, que retrata la ferocidad de los hechos acaecidos de modo inigualable, sin descuidar el costado narrativo de la propuesta. Y es que, más allá de la sangre, las explosiones y las vísceras surcando la pantalla, la película cuenta una historia verídica con una sensibilidad inaudita, logrando una rarísima y muy difícil alquimia en el cine: contar una historia de amor, coraje y valores personales sin resignar contundencia visual.

Si Mel Gibson pudiera contener sus emociones y encarrilarse, no me caben dudas que está llamado a ser uno de los mejores directores de todos los tiempos. Talento le sobra y tiempo aún tiene. Dios quiera que nos siga deleitando con propuestas como esta.



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CRÍTICA | CINE | Captain Fantastic

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Director: Matt Ross
Duración: 1h 58 minutos.
Casting: Viggo Mortensen

8

Capitán psicópata


Captain Fantastic es una propuesta atípica y extravagante, que explora la sociedad moderna y ahonda en las consecuencias de sus imperfecciones. Con un guión muy bien ideado y eximias actuaciones, es una película original, reflexiva y emocionalmente impactante.

Con ciertas reminiscencias de Into the Wild, esta nueva entrega desarrolla una trama de mensaje dual: por un lado, describe los vicios de nuestra sociedad y por otro, expone las consecuencias de obsesionarse al respecto. Es una introspección más que interesante dentro la vida social actual, en la que el desafío es encontrar un balance que permita la convivencia y evite ambos males: la enfermedad de las masas y el aislamiento.

La cinematografía, en este caso, pareciera ser una excusa. Captain Fantastic es el tipo de película que acarrea un mensaje contundente; una ficción construida como vehículo de una reflexión profunda y sentida. Para ver, pensar y discutir. Vale la pena.




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CRÍTICA | CINE | La La Land

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Director: Damien Chazelle
Duración: 2h 8 minutos.
Casting: Emma Stone y Ryan Gosling

9

Casablanca cantada y bailada


Considerar a La La Land apenas un musical sería minimizarla. Por supuesto que ése es el género predominante de la cinta, pero el ritmo en sus escenas no es fin, sino medio; una entretenida e impactante forma de contar una historia de amor genuina, con la que más de un espectador podría verse identificado.

Técnicamente, La La Land es sublime. Gran parte del filme está dirigido en planos secuencia con cámaras en movimiento, a veces con muchos bailarines en escena. La dimensión del trabajo y la coordinación que exige filmar múltiples coreografías en plano secuencia es sinceramente inimaginable, y es por eso que la película impacta sensorialmente: el trabajo de dirección es realmente insuperable. Pero lo técnico no es lo único brillante de la propuesta, que apela a una vieja y conocida receta argumental hollywoodense y la recicla de la mejor manera posible. Más allá de las diferencias de género y estilo, las reminiscencias de Casablanca subyacen en una trama coral, entretenida y en ocasiones triste, que se mira, se escucha y también se siente.

Desde Moulan Rouge que el cine no brindaba una propuesta musical tan lírica como La La Land. Es una película para divertirse, reír y llorar, con 5 minutos finales que quizás califiquen como uno de los fragmentos más elocuentes de la historia del cine. Una clase de cine magistral e imperdible.




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CRÍTICA | CINE | War Dogs

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Director: Todd Phillips
Duración: 1h 54 minutos.
Casting: Jonah Hill y Miles Teller

8

Negocios riesgosos


Y un día Todd Phillips se apartó de la comedia... y no le fue mal. War Dogs es a la industria armamentística estadounidense lo que The Big Short fue a Wall Street: una entretenida e increíble historia basada en un hecho real que desnuda un sector siniestro de la economía norteamericana.

Escrita y dirigida en clave de tragi-comedia, War Dogs lleva impreso el sello de su talentoso director, quien supo encontrarle el costado más jocoso a una historia verídica y escalofriante. La guerra, por supuesto, carece de comicidad, pero la forma en que los negocios se manejan a su alrededor no deja de llamar la atención y tiene, sin lugar a dudas, ciertas características insólitas. Phillips logra resaltar estos ribetes tan tristes como desopilantes dentro de la trama y compone una muy buena película que, como toda propuesta norteamericana políticamente incorrecta, divide a la audiencia y genera cierta controversia.

War Dogs es divertida y a la vez interesante, en tanto que propone una comedia a partir de una realidad por demás de dramática. Es una excelente primera incursión de Todd Phillips en un género distinto al que lo hizo célebre y está ideada para una amplia audiencia. Vale la pena de principio a fin.


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CRÍTICA | CINE | Arrival

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Director: Denis Villeneuve
Duración: 1h 56 minutos.
Casting: Amy Admas, Jeremy Renner y Forest Whitaker

8

Drama de ciencia ficción


La ciencia ficción, en esta oportunidad, es apenas un vehículo; un medio para la entrega de un mensaje complejo y múltiple, más relacionado con la humanidad que con los extraterrestres. Arrival quizás no sea el tipo de propuesta que la mayoría esté buscando, pero alcanza un grado de profundidad atípico en su género.

Entre Interstellar y I Origins, así definiría yo que se posiciona Arrival. Es una película creativa y bien guionada desde la ficción, pero cuyo compromiso narrativo es en realidad dramático. Apelando a algún que otro ingrediente de la ciencia ficción especulativa y a un truco de índole narrativo ya visto antes, la trama se va construyendo alrededor de las emociones de los protagonistas. El resultado es muy bueno, porque Arrival logra un fin bipartito: sorprender y emocionar en dosis casi iguales.

Lo que comienza como una invasión extraterrestre termina como una introspección humana. Arrival utiliza a los ovnis para ahondar en las entrañas antropológicas del hombre, y lo hace muy bien. Muy recomendable.



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CRÍTICA | CINE | Hell or high water

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Director: David Mackenzie
Duración: 1h 42 minutos.
Casting: Chris Pine, Ben Foster y Jeff Bridges

6

Neo western antropológico


Hell or High Water no es el típico western moderno, sino más bien una excusa para examinar minuciosamente a un sector de la sociedad norteamericana. En ese sentido es una película profunda e interesante, pero no extraordinaria. De hecho, y muy a pesar de que la crítica en general la haya aclamado, lo único extraordinario acerca de esta propuesta es su gran reparto.

La voracidad financiera, el racismo y la violencia (en especial, el libertinaje en el uso de armas de fuego) son temas comunes en el trámite narrativo. Hell or High Water posee alguna que otra buena escena de acción, pero su compromiso no es el entretenimiento sino una mirada introspectiva dentro de la sociedad texana contemporánea. El resultado no es malo, pero se encasilla dentro de esas películas en las que el hilo conductor carece de contundencia.

Más allá de su evidente costado antropológico, como ficción, Hell or High Water apenas cumple gracias a sus excelentes protagonistas y a una cinematografía correcta. Es una propuesta interesante desde lo temático, pero narrativamente estéril.



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CRÍTICA | CINE | Sully

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Director: Clint Eastwood
Duración: 1h 36 minutos.
Casting: Tom Hanks, Aaron Eckhart.

8

Crónica neutra de un milagro


El milagro del río Hudson podría haber sido un épico melodrama de múltiples protagonistas y un héroe estereotipado, con tonos musicales emocionantes y tomas imponentes. Sully es, sin embargo, el opuesto, porque cayó en las manos de un director que ha preferido contar esta historia verídica con extraordinario e inusual realismo, a mi criterio exitosamente.

Clint Eastwood evitó el estándar de Hollywood y pidió un guión convincente. Entre la infinidad de ángulos que surgen de un evento de estas características, el director eligió contar la historia del máximo responsable del milagro: el capitán que aterrizó un avión sobre un río citadino. Sin golpes bajos, sin imágenes escalofriantes y sin la necesidad de ficcionar los hechos, Sully ahonda narrativamente en el siniestro y su posterior investigación por parte de las autoridades aeronáuticas, logrando una película emocionalmente neutra, pero de una verosimilitud absoluta.

Sully es una historia real contada en forma pragmática, con muy buena cinematografía y, sobre todo, con un excelente guión. No apela a las emociones sino a la verdad. Bajo esa premisa, es una propuesta original y sumamente interesante que sin lugar a dudas merece ser vista.


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CRÍTICA | CINE | Florence Foster Jenkins

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Director: Stephen Frears..
Duración: 1h 52 minutos.
Casting: Meryl Streep, Hugh Grant y Simon Helberg.

8

A grito pelado.


Las comedias dramáticas basadas en hechos reales son difíciles, porque requieren de una alquimia difícil de lograr: una historia interesante + un guion que sepa contarla con comicidad + un director que logre plasmar el guión en la pantalla. Florence Foster Jenkins logra la proeza y entrega, sin lugar a dudas, una comedia memorable.

Es verdaderamente increíble la historia de esta acaudalada aficionada al canto, que en manos de cualquier otro director podría haber terminado en un melodrama punzante. Stephen Frears, sin embargo, rescata la esencia del relato con humor y se escapa con elegancia de los golpes bajos. Como resultado, nos hace reír con una historia triste, sin que sintamos culpa al respecto. Por supuesto que, además de la fantástica dirección y ambientación del filme, contribuyen enormemente al éxito del mismo las actuaciones de un soberbio reparto, donde se destacan la infalible Meryl Streep, un Hugh Grant quizás inédito y Simon Helberg, con un personaje excéntrico y divertido.

La peculiar historia de Florence Foster Jenkins merecía contarse con grandeza y Frears lo logra. Es una comedia dramática divertida y original que arranca sonrisas y rescata ciertos valores del espíritu humano, sin incurrir en las típicas recetas de Hollywood.



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CRÍTICA | CINE | Truth

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Director: James Vanderbilt.
Duración: 2h 5 minutos.
Casting: Kate Blanchett, Robert Redford, Denis Quaid y otros.

8

Detrás de Spotlight.


Truth posee una debilidad argumental que le ha quitado popularidad y que ha hecho que en su momento fuera eclipsada por la gran ganadora del oscar, Spotlight: su trama no es lo suficientemente controversial. Está basada en un hecho verídico y es una película impecable en todas su aristas, pero no posee la contundencia suficiente como para impactar en forma masiva. Trata, lisa y llanamente, de una investigación orientada a descubrir si George W. Bush finalizó o no su instrucción militar, lo que claramente es interesante pero no escandaloso.

El mundo de la noticia queda al desnudo en esta oportunidad. Truth quizás no cuente una historia impactante, pero expone al periodismo y al corporativismo mediático en el contexto de la política con enorme talento cinematográfico y un reparto sin desperdicios. Es un placer extraordinario ver a Kate Blanchett y a Robert Redford compartir la pantalla grande, lo que sin dudas se constituye como el mayor mérito del filme, aunque no el único.

Truth es, quizás, la película que un profesor de periodismo prefiriera enseñarle a sus alumnos para resumir los gajes del oficio. Es una gran propuesta en su género, muy bien guionada, dirigida y actuada. No es tan impactante como Spotlight, pero vale la pena de principio a fin.




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CRÍTICA | CINE | Midnight Special

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Director: Jeff Nichols.
Duración: 1h 52 minutos.
Casting: Michael Shannon, Joel Edgerton y Kirsten Dust..

5

Misterio fraudulento.


En el cine de suspenso existe un subgénero, mezquino e infame, que construye su trama —y su clima— a partir de incógnitas que jamás serán develadas. Midnight Special es un exponente claro y reciente de este tipo de películas, abordada desde la ciencia ficción.

El director, en lo estrictamente cinematográfico, hace todo bien. Midnight Special es verdaderamente efectiva en abducir al espectador y mantenerlo en vilo durante gran parte del filme. Sin embargo, avanzada la cinta comienza a intuirse que todo ese halo de misterio tan bien construido será inconducente y que las explicaciones no llegarán nunca. Por este motivo, arribando al desenlace, la propuesta se desinfla dejando en manifiesto su verdadera naturaleza superficial y anodina. Las expectativas argumentales se suicidan y el peor fantasma de Shyamalan domina la escena. Lo que comenzó prometiendo, culmina como un mero fraude.

Midnight Special es pura cáscara. Está muy bien dirigida y es irrefutablemente atrapante, pero su efectividad es fraudulenta. Contar lo inexplicable es sencillo en el género. Lo verdaderamente difícil en la ciencia ficción es convencer, y esta película está lejos de lograrlo.



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CRÍTICA | CINE | Demolition

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Director: Jean-Marc Vallée.
Duración: 1h 41 minutos.
Casting: Jake Gyllenhaal, Naomi Watts y Chris Cooper..

6

Drama Lynchiano.


Demolition es un drama raro, que busca sacudir emocionalmente al espectador con un mensaje cifrado, fracasando a medias. Si bien logra desplegar una trama interesante y bien construida, no genera el impacto sensorial pretendido.

Es inevitable pensar en David Lynch a medida que avanza la cinta. Uno sabe que hay sustancia argumental oculta detrás de las imágenes, pero debe buscarla, analizarla y finalmente decodificarla. Esa es la propuesta original, que suele funcionar -aunque no para todos- en géneros más emparentados con el suspenso. En un drama, sin embargo, la premisa resulta contraproducente, porque el esfuerzo intelectivo del espectador por descifrar el mensaje eclipsa todo reflejo sensible, y cuando finalmente se dilucida, ya es tarde para emocionarse.

Las emociones responden a estímulos, no a procesos deductivos. Demolition presenta una historia profunda y auténtica de un modo poco convencional, y si bien merece ser reconocida desde lo narrativo, también es cierto que no es del todo efectiva como drama. Es el tipo de película que suele dividir a la audiencia. Difícil de recomendar, y también difícil descartarla.
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CRÍTICA | SERIES TV | Penny Dreadful

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Creador: John Logan.
Casting: Eva Green, Timothy Dalton, Josh Hartnett y Harry Treadaway.
Duración: 3ra temporada / 9 episodios / 2016.

8

Cuando lo bueno dura poco.


La tercera y última temporada de Penny Dreadful sorprende con un desenlace abrupto e inesperado, cediendo a los vicios narrativos propios de aquellos proyectos televisivos que son cancelados súbitamente. Lo curioso quizás sea que, incluso con los defectos manifiestos, la serie concluya exitosamente su ciclo. Los míticos personajes de la clásica ficción victoriana se despiden de la pantalla chica en forma prematura y dejando un sinsabor en la audiencia, pero se van por la puerta grande de la televisión, marcándola con un sello indeleble. La alquimia lograda por John Logan no tiene precedentes y seguramente, como suele suceder, sea reconocida masivamente con el paso de los años.

La evidencia de que Showtime no renovará contrato surge avanzada la temporada. De hecho, me atrevería a decir que, hasta 3 capítulos antes de culminar, esta tercera entrega se perfilaba como la mejor en la serie. Sin renunciar a su esencia poética y su complejidad argumental, Penny Dreadful incursiona esta vez en un género adicional: el western. Ethan Chandler asume entonces un protagonismo ascendente en el desierto americano mientras que en Londres se cuece un final apresurado. Sin dudas es esta la temporada más entretenida, expeditiva e impactante de todas, a costo de resignar la contundencia narrativa que supo hacer célebre la propuesta. La aceleración del trámite argumental es notable sobre el tercio final, cuando de repente comienzan a surgir atajos argumentales atípicos para el estilo de la serie. De allí a las resoluciones inmediatas prácticamente no hay distancia, y la trama de Penny Dreadful cae de un precipicio decepcionando en lo narrativo, pero al menos preservando la coherencia de la historia y sus protagonistas.

En forma impensada, Penny Dreadful se despide dejando personajes presentados a medias y líneas argumentales concluidas a los apurones, pero al menos lo hace dignamente. Esta es una gran temporada con un final abrupto y obligado, y ciertamente se resuelve en 3 capítulos lo que probablemente pudiera requerir un desarrollo de al menos 2 temporadas más. Es muy interesante el modo en que el creador de la serie decide terminarla, con un eximio poema que podría tener una lectura subliminal acerca del inusitado desenlace. Logan insiste en que el show estaba pensado así, quizás por cortesía hacia Showtime o directamente como obligación contractual, pero es evidente que el relativamente bajo rating pesó en la decisión de culminar la saga.

Penny Dreadful termina antes de lo que yo hubiera querido, en forma sorpresiva y, de alguna manera, también decepcionante. Me quedé con ganas de más, como muchos otros, pero también me quedé con la enorme gratificación de haberla disfrutado estos tres años. Sus personajes, su lírica y sus insuperables diálogos la han catapultado al éxito en los anales del tiempo, independientemente de su rating. No sólo ha valido la pena, sino que ha sido una experiencia única y genuina de difícil repetición.







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CRÍTICA | CINE | El Clan

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Director: Pablo Trapero.
Duración: 1h 50 minutos.
Casting: Guillermo Francella v Peter Lanzani.

9

La obra maestra de Trapero.


Pablo Trapero es, junto a Adrían Caetano, uno de los grandes revolucionarios del cine ríoplatense. Él ha sido un protagonista indiscutible de la evolución del arte dramático de nuestro país, contribuyendo a perfeccionar el modo en que se cuentan nuestras historias más sentidas en la pantalla grande, y El Clan es, para mí, su gran obra maestra a la fecha.

Detrás de las mejores cámaras y de la mucho más refinada edición subyace el estilo cinematográfico que supo hacer célebre a Pablo Trapero, quien siempre demuestra que, con muchos o pocos recursos, lo que él sabe hacer es contar historias. El potencial del director ya no es una especulación sino una contundente realidad, y esta quizás sea la pieza de su cinematografía que mejor lo ejemplifica. El Clan es un escalofriante thriller basado en una historia real cuyo ritmo es poco menos que impecable. Y es que, haciendo alusión a lo mencionado anteriormente acerca de la escasez de presupuesto, Trapero ya no necesita apelar casi exclusivamente a la calidad actoral de sus dirigidos, sino que ahora puede invertir en imágenes y en su posterior edición como un modo alternativo de perfeccionar la experiencia.

El resultado es soberbio. El Clan no sólo consta de sólida sustancia dramática, sino que también incorpora recursos narrativos variados que dinamizan la adaptación de un muy buen guión. Hay escenas brillantes y para todos los gustos; planos secuencia y planos fijos maravillosos, siempre acompañados por una edición de sonido prácticamente simbiótica. Y por supuesto están Francella y Lanzani, quienes han superado cualquier umbral de expectativas. Esto último es un mérito ya conocido de Trapero, quien suele arrancarle lo mejor a sus actores.

No exagero cuando digo que El Clan es una de las mejores películas argentinas que vi en mi vida. Toma una historia real que supera a la ficción y la traduce visualmente con un talento poco usual en la industria. Es un orgullo del cine nacional, sin lugar a dudas.




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CRÍTICA | CINE | The finest hours

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Director: Craig Gillespie.
Duración: 1h 57 minutos.
Casting: Chris Pine, Ben Foster, Casey Affleck y Eric Bana.

5

La tormenta imperfecta.


Irremediablemente, The Finest Hours debe compararse con La tormenta perfecta, aquella gran película que supo tratar con excelencia narrativa un tema muy similar, sino igual. En ese sentido debe decirse que la propuesta de Disney, a pesar de apelar a un reparto de lujo, está muy por debajo del drama trágico que supieron protagonizar en su momento George Clooney y Mark Wahlberg. En cualquier otro sentido, si bien no es de lo peor en su género, creo que está por debajo del promedio.

Quienes busquen la intensidad emocional que supo brindar La Tormenta Perfecta deberán moderar sus expectativas, porque The Finest Hours fracasa en generar un vínculo entre los protagonistas y el espectador, no por falta de mérito actoral sino por poseer un guión deficiente e insulso. La historia está pésimamente estructurada y hace más hincapié en la escenificación permanente de la catástrofe que en construir un argumento. Como resultado, avanzada la película uno se resigna a ver imágenes impactantes sin que en realidad le importe o no lo que pase con los personajes involucrados. La dirección y la edición también son malas, y por momentos las transiciones resultan demasiado bruscas.

El único punto saliente de la película son las actuaciones de Chris Pine y Ben Foster, a diferencia de la de Casey Affleck, quien sinceramente no genera ningún tipo de magnetismo con un personaje que podría haber dado para mucho más. The Finest hours es en definitiva una película rápidamente olvidable, interesante desde lo temático, pero mal ejecutada cinematográficamente. No es para recomendar.
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CRÍTICA | CINE | Koblic

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Director: Sebastián Borensztein.
Duración: 1h 32 minutos.
Casting: Ricardo Darín, Oscar Martínez y Inma Cuesta.

8

El renegado del diablo.


Kóblic es una historia simple pero intensa, que cuenta una historia dramática con ritmo de western. No es una joya del cine argentino, pero es una propuesta muy bien concebida en todos los planos: narrativo, actoral y cinematográfico, y sin ser excepcional, es altamente efectiva.

El protagonista no busca redimirse, sino huir. De eso se trata el relato: la crónica de un fugitivo que escapa del espanto. En el trámite narrativo, Borensztein logra retratar eficazmente la Argentina de los 70´ desde sus entrañas geográficas, apelando a personajes y paisajes sombríos. Hay un gran trabajo de cámaras, un muy buen guión y, sobre todo, una soberbia interpretación de Oscar Martinez, que eclipsa a Darín, no por talento, sino porque le tocó el papel más exigente.

Kóblic es una muy buena adición al casi inexistente cine de suspenso nacional, y que una película de género se encare con tanto profesionalismo y compromiso es sinceramente una enorme noticia para la industria doméstica. Atrapa y gratifica, y como tal, merece verse.


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CRÍTICA | CINE | The Revenant

Pasted Graphic
Director: Alejandro G. Iñárritu.
Duración: 2h 36 minutos.
Casting: Leonardo Di Caprio, Tom Hardy y Will Poulter.

9

Supervivencia épica.


Hay historias simples contadas de modo espectacular e historias espectaculares contadas de modo simple. The Revenant pertenece al primer grupo. Se trata de, lisa y llanamente, una leyenda de supervivencia y venganza encarada desde la épica fílmica y se vive en imágenes con una intensidad inusual.

La falta de complejidad narrativa es suplida con sofisticación cinematográfica. La fotografía y la edición de The Revenant son excepcionales al límite de la perfección. Gonzáles Iñárritu vuelve a demostrar (como si hiciera falta luego de Birdman) que quizás sea el mejor director de la historia del cine a la hora de filmar planos secuencia. Las escenas de acción y combate alcanzan un realismo pocas veces visto en la pantalla grande y la experiencia es sinceramente impactante. Han agregado ciertos condimentos emocionales al guión, quizás para dotar de más sustancia al relato y sus protagonistas, pero el verdadero mérito del filme es sin lugar a dudas su cinematografía inmersiva y envolvente.

Quienes entiendan al cine como un arte de impacto sensorial donde priman las imágenes, van a quedar deslumbrados con El Renacido. Por otro lado, quienes necesiten de una historia sofisticada y mucho diálogo van a encontrarla aburrida. Yo creo que el cine es ambos y disfruto de uno y otro estilo sin condicionamientos. Para mí ha sido una experiencia increíble.






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CRÍTICA | CINE | Spotlight

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Director: Tom McCarthy.
Duración: 2h 8 minutos.
Casting: Michael Keaton, Mark Ruffalo, Rachel McAdams y Liev Chreiber.

9

Curiagate.


No es un desafío sencillo tener que versionar para la pantalla grande un tema real tan candente y controvertido como el que se trata en el filme, tanto en lo cinematográfico como en lo comercial. No es lo mismo contar el escándalo de Watergate (Todos los hombres del presidente) que meterse con la Iglesia, al menos desde la perspectiva del público. Teniendo en cuenta que una parte importantísima de la audiencia podría a priori rechazar la premisa por sentirse ofendida, Spotlight es casi un milagro, desde su concepción hasta su irrefutable éxito. Enfrentar a la organización más poderosa del mundo y ganar un oscar no creo que tenga precedentes.

La película posee una poderosa sofisticación narrativa que combina guion, un reparto impactante y muy buena edición. Sin lugar a dudas todos y cada uno de los involucrados en el proyecto sentían la necesidad impetuosa de contar esta historia y eso se refleja en la cinta, no sólo en la magnífica calidad actoral de sus protagonistas, sino en la película como un todo. La propuesta consta de una armonía inusual, que atrapa y entretiene de principio a fin, generando en el espectador un alto grado de empatía con sus personajes.

Spotlight es una prueba contundente de que el cine convencional y sin demasiada parafernalia puede hacer la diferencia cuando hay un fuerte compromiso narrativo y actoral. Por supuesto que por más clásico que sea su estilo, la alquimia de las partes es casi providencial. Esta es una propuesta cuya materia prima principal es la historia y su reparto, y su resultado final es cine de primer nivel. Hay que aplaudir al director, a los actores y a los productores, que se la jugaron y les salió bien, incluso a riesgo de que el espíritu santo conspirara en contra.






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CRÍTICA | CINE | Creed

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Director: Ryan Coogler.
Duración: 2h 13 minutos.
Casting: Sylvester Stallone y Michael J. Jordan.

8

Hijo de Creed, legado de Balboa.


A esta altura del partido, que Rocky siga rindiendo frutos marca sinceramente un hito en la historia del cine. Ha habido capítulos muy buenos, buenos y menos buenos; independientes, comerciales y nostálgicos; ha habido algunos muy enfocados en la acción y otros muy enfocados en el drama. Rocky se ha convertido en una franquicia exitosa, variada, y por sobre todas las cosas, comprometida hasta la médula con su protagonista. Hemos crecido con Balboa en el cine. Lo vimos convertirse en peleador profesional, perder en el ring, consagrarse, perder en la vida, recuperarse, sobrevivir y finalmente lo vemos relegar ese protagonismo para generar un legado. Uno de los personajes más míticos de la pantalla grande vuelve a reciclarse, y con éxito.

Los astros se han alineado. Escritores y técnicos se han puesto de acuerdo para que la transición entre Rocky y Creed valga la pena. No hay una historia fantástica, sino una que ya hemos visto infinidad de veces; pero sí hay, sin embargo, un buen guión. Creed presenta y desarrolla la historia con muy buena calidad narrativa. Pero los méritos del filme apenas comienzan ahí. Más allá de la cuidada historia, de las grandes actuaciones y los pensados diálogos, la propuesta impacta por su contundente dirección. Las peleas han sido filmadas con un gran manejo de cámaras y sobre todo hay una, en la mitad del filme, realizada al 100% con un plano secuencia sublime.

El hijo de Apollo no defrauda, pero lo mejor del filme sigue siendo Stallone, que presenta aquí quizás la mejor actuación de su carrera. Por primera vez el actor debe interpretar a un Rocky vulnerable desde lo físico, y hay que decir que el resultado ha sido verdaderamente convincente. Creed es una muy buena e inaudita continuación de una saga que respeta a su audiencia y a sus protagonistas. Rocky ha envejecido, pero la sigue peleando.




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CRÍTICA | CINE | The Hunger Games: Mockingjay 2.

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Director: Francis Lawrence.
Duración: 2h 17 minutos.
Casting: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Woody Harrelson, Juliane Moore y otros.

8

Conclusión de una distopia bien concebida.


La primera parte de Mockingjay fue excesivamente aburrida, pero es indudable que sirvió para sentar las bases de la conclusión de la saga. Mockingjay 2 culmina exitosamente la fenomenal adaptación a la pantalla de una célebre obra literaria de ciencia ficción que explora el costado más siniestro de nuestra naturaleza antropológica.

Hay méritos suficientes para asegurar que The Hunger Games es una gran saga en su género. Buena cinematografía y muchísimo compromiso argumental la definen como una excelente propuesta de ciencia ficción, que no sólo funciona como entretenimiento, sino y fundamentalmente como una aguda crítica a la sociedad. Es muy interesante el trabajo que han hecho los realizadores en cuanto al mensaje del filme, que plantea un futuro distópico exagerado, pero con características propias de la realidad. La cuarta y última entrega concluye bien la historia, conservando la eximia narrativa de las partes anteriores y retomando la acción y el suspenso, que habían sido postergados en Mockingjay 1.

The Hunger Games concluye según las expectativas: muy bien. Es verdad que Mockingjay 1 y 2 podrían haber sido una sola película larga, pero eso no llega a arruinar la experiencia, sino que apenas la prolonga innecesariamente. Pocas propuestas del tipo muestran tanto compromiso narrativo para con su trama y protagonistas. En una época en que sobran las sagas adolescentes y descerebradas, The Hunger Games hace la diferencia.


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CRÍTICA | CINE | The Big Short

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Director: Adam McKay.
Duración: 2h 10 minutos.
Casting: Christian Bale, Steve Carell, Ryan Gosling y Brad Pitt.

9

Crónica financiera de una catástrofe.


Las finanzas estructuradas son extremadamente complejas de explicar a quienes no se dedican a eso. Muchos de los responsables de la crisis económica del 2008 se han refugiado durante todo este tiempo detrás de esa imposibilidad de las masas de entender lo sucedido, hasta que Brad Pitt decidió producir esta joya del cine. The Big Short decodifica mucha de la complejidad a la que me refiero, con eximia narrativa y cinematografía de primer nivel. Para mi gusto, no se trata de una película más, sino del mejor retrato fílmico de Wall Street en la historia del cine.

Sobre todo mérito observable, The Big Short supera las expectativas en dos frentes: el guión, que se llevó el oscar, y la edición, que recibió una nominación. Adam McKay sin lugar a dudas se ha inspirado en la filmografía de Oliver Stone a la hora de contar la historia, y aprovechando el sensacional material literario que han puesto a su alcance, optó por una edición dinámica, creativa y por momento sorprendente. No hay tiempo para aburrirse en esta crónica financiera de una catástrofe.

El reparto merece párrafo aparte. Christian Bale es por lejos uno de los mejores actores de su generación, junto a un puñado en el que se incluyen el difunto Seymour Hoffman, Matt Damon y Ethan Hawke, entre otros. Su caracterización del primer trader que pronosticó el derrumbe del mercado hipotecario es impactante, por lo verosímil. Ryan Gosling, por otro lado, también muestra una gran actuación, pero desde un enfoque más satírico. Steve Carell no tiene grandes desafíos con su protagónico y Brad Pitt aparece en la cinta para contribuir a la popularización del filme. El resto del reparto acompaña satisfactoriamente, haciendo de la película una experiencia divertida y también escalofriante.

The Big Short es una crónica simplificada de lo sucedido en 2008, pero no por eso poco sofisticada. La mayoría de la audiencia no comprenderá todo, pero sí la idea general, que es lo que importa. Una de las mayores aberraciones financieras de la historia de la humanidad necesitaba un exponente cinematográfico que valiera la pena. Este es el caso.


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CRÍTICA | CINE | Trumbo

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Director: Jay Roach.
Duración: 2h 4 minutos.
Casting: Bryan Cranston, Diane Lane, Lous C.K., Helen Mirren y otros.

7

El guionista rojo.


Es muy común en el cine encontrar propuestas que comienzan bien y terminan mal, que prometen al principio y defraudan en el trayecto. Trumbo es el rarísimo caso opuesto: una película que empieza con notables problemas narrativos pero que inesperadamente levanta promediando la cinta.
 
La presentación de Trumbo está hecha a retazos. Es caótica, apresurada y quizás un poco pretenciosa. Los múltiples personajes aparecen, dicen unas líneas y vuelven a desaparecer, como recurso narrativo de una trama que desorienta al espectador. Pero pasados los primeros 40 minutos el filme encuentra el rumbo y la historia se encarrila para bien, enfocándose en un argumento que de repente se torna interesante. A partir de ese momento la película empieza a sacarle provecho a su magnífico reparto y Trumbo resurge de sus propias cenizas.
 
Trumbo posee un potencial narrativo y un reparto que en manos de otro director podría haber alcanzado múltiples nominaciones al oscar, pero no es el caso. Su introducción, lamentablemente, es deficiente, pero quienes estén dispuestos a atravesarla se sorprenderán del nudo hacia adelante. Algunas películas valen la pena sólo por partes. Ésta es una de ellas.
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CRÍTICA | CINE | Room

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Director: Lenny Abrahamson.
Duración: 1h 58 minutos.
Casting: Brie Larson, Jacob Tremblay, Sean Bridges y otros..

8

Realismo demoledor.


Room es una película muy difícil de recomendar, porque es lo opuesto al cine convencional. No entretiene, ni intriga ni sorprende... Duele. Es una película hecha deliberadamente para que el espectador se sienta mal, y lo logra con creces.

El mayor mérito de Room es el realismo con el que está realizada. La cinta se aleja del estereotipo dramático americano, evitando toda receta hollywoodense. No está concebida ni desde lo comercial ni desde lo artístico, sino desde la consciencia de sus realizadores. Hay un mensaje contundente en el filme, un llamado de atención fulminante para todos aquellos dispuestos a sufrir dos horas: es una ficción inspirada en una atrocidad humana que puede ocurrir a la vuelta de nuestros hogares.

Room narra una historia demoledora y no busca audiencia, sino generar consciencia colectiva. Es, junto a Requiem for a Dream, la película que más me costó terminar de ver en mi vida. Sí, es muy buena, pero también es muy dura. No es para todo el mundo.

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CRÍTICA | CINE | Bridge of Spies

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Director: Steven Spielberg.
Duración: 2h 22 minutos.
Casting: Tom Hanks, Mark Rylance, Alan Alda y otros.

8.5

La guerra fría según Spielberg.


La última década en la cinematografía de Spielberg no ha sido del todo célebre. Sin necesariamente hacer películas malas (a excepción de la última Indiana Jones), el director no había logrado en más de diez años alcanzar ese umbral de excelencia que supo apuntalarlo como uno de los mejores realizadores de la historia del cine. Bridge of Spies rompe esa tendencia y demuestra que el amo y señor del cine sigue más vigente que nunca.

Cuando Spielberg quiere contar una historia que le apasiona, es inigualable. Bridge of Spies, por supuesto, consta de esa perfección cinematográfica tan característica en la filmografía del director. Fotografía milimétrica, planos elocuentes, edición creativa y filtros de imagen acordes con la época. Pero por sobre todos los detalles técnicos, el enorme mérito del filme proviene de un guion fantástico, que atrapa al espectador y no lo suelta durante casi dos horas y media. Spielberg no sólo triunfa en narrar soberbiamente una serie de hechos increíbles e inspirados en la vida real, sino que también consigue retratar, y en ocasiones ridiculizar, una época tragicómica de la historia mundial.

Bridge of Spies no es una entrega más, sino una de las mejores películas que he visto acerca de la guerra fría en mi vida. Sin dudas es, también, la mejor película del director desde Munich. Steven Spielberg vuelve a demostrar su versatilidad y su compromiso no sólo para con el cine, sino también para con la historia.

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CRÍTICA | CINE | 99 homes

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Director: Ramin Bahrani.
Duración: 112 minutos.
Casting: Andrew Garfield, Michael Shannon y Laura Dern..

8

Detrás de la economía.


La crisis hipotecaria de 2008, que provocó uno de los peores desbarajustes económicos y financieros de la historia de EEUU, tuvo implicancias sociales importantes, cuya gravedad quizás no fuera advertida con precisión en su momento. 99 Homes es un muy buen exponente cinematográfico de las consecuencias que ha tenido el desmanejo del crédito en Norteamérica.

No es un documental, sino una película de ficción que reclama estar inspirada en hechos reales. Sin lugar a dudas lo está. Aunque los protagonistas no sean reales y el trámite argumental resulte quizás demasiado ficticio, el trasfondo de la trama retrata una realidad insoslayable: el sufrimiento de todos aquellos que perdieron sus hogares, que fueron muchos. Bajo esa premisa, el filme se desarrolla de modo impecable, con gran ritmo e intensidad, y con dos protagónicos para destacar, ya que tanto Shannon como Garfield logran excelentes interpretaciones.

99 homes es un drama bien realizado bajo los estándares típicos de la ficción. Cuenta una historia interesante con contundencia, y si bien tal vez puede parecer por momentos simple en las resoluciones, es una película bien concebida que atrapa de principio a fin.
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CRÍTICA | CINE | Everest

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Director: Baltasar Kormákur.
Duración: 121 minutos.
Casting: Jason Clarke, Josh Brolin, Jake Gyllenhaal y otros. .

8

Vivir y morir escalando.


El cine basado en historias verídicas de tragedia y supervivencia suele ser exitoso, y más aún cuando la película presenta un reparto estelar, como en esta oportunidad. Everest cuenta una historia dura y apasionante, no sólo por los hechos acaecidos, sino por el universo en el que ocurren, que es sumamente interesante.

El Everest hasta hace pocas horas era un misterio insondable para mí. Lo más destacable de la película es que no abusa de la catástrofe como recurso, sino que al contrario, relata lo sucedido con sutileza y sin golpes bajos. El eje argumental es, sin lugar a dudas, el alpinismo, no la tragedia, y bajo esa premisa se desarrolla el filme, con gran capacidad narrativa. En sus dos horas de duración despliega su trama, recurriendo a más de una docena de personajes, todos ellos con personalidades y motivaciones completamente diferentes. Está muy bien ejecutado el guión, porque le brinda al espectador un espectro amplio de lo que escalar una montaña significa, desde lo económico hasta lo psíquico y fisiológico.

Everest no es Viven. Es una propuesta que ahonda en una temática particular desde múltiples aristas, incluida la tragedia ocurrida en 1996. Es emocionante, escalofriante y sumamente entretenida. Quizás sea imposible describir lo que se siente subir el Everest con palabras, pero esta propuesta, con imágenes, lo ha hecho muy bien.




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CRÍTICA | CINE | Black Mass

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Director: Scott Cooper.
Duración: 122 minutos.
Casting: Johnny Depp, Joel Edgerton, Benedict Cumberbatch, Kevin Bacon y otros..

8

Retrato vivo de un psicópata.


Luego de décadas de encasillamiento en papeles caracterizados por personalidades excéntricas y sobradamente expresivas, Johnny Depp finalmente sale de la jaula actoral para entregar, quizás, la mejor interpretación de su carrera. Black Mass es una buena película de gangsters que se potencia gracias a la soberbia actuación de su protagonista.

Con Boston como escenario, esta nueva propuesta del cine-mafia se centra en la historia de un criminal hasta ahora poco conocido, pero que valía la pena contar. Es una película por demás de personalista, que pone el foco en retratar la vida de un escalofriante psicópata más que en desarrollar una trama de modo convencional. No es un filme que respete la ortodoxia narrativa a rajatabla, y de hecho, no sigue un hilo argumental preciso, sino que salta de momento en momento, siempre manteniendo a su protagonista en escena. Sin embargo, la falta de rigurosidad narrativa es suplida por un gran guión, hecho a la medida del personaje principal, y cinematografía de primer nivel.

Black Mass es caótica, pero también es impactante, gracias a la increíble actuación de Johnny Depp, y también a un muy buen trabajo de dirección. Quizás no cuente una gran historia con finura, pero retrata una personalidad de modo impecable.









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CRÍTICA | CINE | Southpaw

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Director: Antoine Fuqua.
Duración: 121 minutos.
Casting: Jake Gyllenhaal, Raqchel McAdams y Forest Whitaker..

8

De zurda.


Antoine Fuqua carga con una mochila pesada en su cinematografía: luego de su temprana obra maestra, Training Day, jamás ha podido repetir tan grato resultado. Lo ha intentado varias veces, con diversas variantes argumentales en las que siempre predomina la acción, y si bien nunca derrapó, hasta hace poco no había podido entregar una experiencia verdaderamente contundente. Southpaw revierte esa tendencia, para convertirse, probablemente, en la segunda mejor pieza de su filmografía.

Fuqua cambia la fórmula y esta vez va por un drama, que si bien está lejos de ser original, es altamente efectivo. Hemos visto ya muchas veces la trama del boxeador que busca redimirse, pero quizás sea ésta otra prueba más de que una historia conocida bien contada paga la entrada. Southpaw es un drama al estilo del director, quien suele manejarse en un plano intermedio entre la realidad y la ficción. Con esto último quiero decir que la propuesta no es ni la primera Rocky, ni Rocky 4, sino que se mueve narrativamente entre lo verosímil y lo espectacular, con muy buenos resultados. Es una película cinematográficamente impecable, como todas las entregas del director, y magníficamente contada.

Párrafo aparte merecen las actuaciones de Gyllenhaal y Whitaker. El primero vuelve a demostrar que no hay papel que le quede grande, sin importar el desafío del que se trate. El segundo, a esta altura de su carrera no tiene nada que demostrar, y siempre es un placer verlo en pantalla. Entre los dos logran buena química, y aunque tal vez la relación entre ambos no sea el tema preponderante de la película, se los disfruta en pantalla.

Es para celebrar que un un director tan sólido en lo técnico vuelva a dar en el clavo después de mucho tiempo. Southpaw es un muy buen drama que entretiene y engancha de principio a fin. Su falta de originalidad es de sobra compensada con narración y fotografía. Después de todo, el cine es el arte de entretener, sin necesariamente tener que sorprender.









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CRÍTICA | SERIES TV | True Detective

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Creador: Nic Pizzolatto.
Casting: Colin Farrell, Rachel McAdams, Vince Vaughn y Taylor Kitsch.
Duración: 2 temporada / 8 episodios / 2015

7

A la sombra de su predecesora.


Quienes hayan visto la primera temporada de True Detective no podrán evitar caer en la errónea tentación de la comparación. Poco tiene que ver, más allá del concepto narrativo, esta segunda entrega con lo que fue la serie el año anterior. Hay diferencias cualitativas, pero también hay una notable variante en el género. True Detective 2015 es un policial distinto y menos efectivo, que sin ser un fracaso estrepitoso, dista enormemente de su temporada predecesora.

La base narrativa es la misma. El argumento se cocina a fuego lento y los personajes son introducidos concienzudamente. En esta temporada los realizadores doblan la apuesta y en vez de dos, se vuelcan por la difícil tarea de desarrollar cuatro protagonistas. Hay un mérito enorme esto último, porque sinceramente el espectador llega a empatizar con todos los personajes principales, gracias a una excelente dramatización por parte de los actores. En especial, es de mencionar la eximia labor de Colin Farrell, quien seguramente represente lo mejor de la serie.

Esta vez no se trata de asesinos seriales, sino de gangsters y conspiraciones. True Detective 2015 es un policial menos oscuro y más mundano, que durante 3/4 de temporada engancha no tanto por su historia, sino por el magnetismo de sus protagonistas. A medida que la trama avanza, el ritmo va intensificándose y la serie logra muchas escenas impactantes, pero por otro lado pierde sustancia argumental, revelando un guión mediocre e innecesariamente entreverado. Sobre el final, la propuesta se degenera completamente, y ya no se sabe si es un policial o un western moderno.

La segunda temporada de True Detective conserva intacta su contundencia dramática y el compromiso hacia el desarrollo de sus protagonistas, pero carece de solidez argumental. Quienes pretendan ver lo mismo que se vio en 2014 quedarán defraudados. Por otro lado, quienes estén abiertos a otro tipo de policial disfrutarán gran parte de la temporada, pero quedarán con un sabor amargo avanzando hacia la conclusión. Esta edición del policial estrella de HBO no es la obra maestra que supo ser en su estreno, pero deja verse.







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CRÍTICA | SERIES TV | Penny Dreadful

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Creador: John Logan.
Casting: Eva Green, Timothy Dalton, Josh Hartnett y Harry Treadaway.
Duración: 2da temporada / 10 episodios / 2015.

8

El drama de los monstruos.


La primera temporada de Penny Dreadful revolucionó la pantalla chica para siempre, aportando a la ficción fantástica una inusual intensidad dramática. La segunda temporada ha profundizado aún más su costado dramático, quizás dejando en un segundo plano el suspenso que caracteriza al género.

El terror está presente, pero esta vez se cocina a fuego lento. La continuación de Penny Dreadful carece en cierta medida del impacto constante que supo tener el año pasado e invierte en el desarrollo de sus personajes con diálogos sustanciosos y un desarrollo gradual. Hay intriga y sorpresas, pero no con la misma intensidad, al menos hasta arribado el final, donde la serie rescata su esencia y vuelve a sacudir al espectador. También es más oscura y siniestra de lo que supo ser en su comienzo, aunque me animaría a decir que más desde lo antropológico que desde lo fantástico.

El entretenimiento está asegurado, aunque esta vez haya que tener un poco más de paciencia. La acción demora en llegar, pero los conflictos de los protagonistas son suficientes para no aburrirse en el trayecto, gracias a un guión soberbio y a una ejecución perfecta desde quienes interpretan cada rol. Probablemente, a diferencia de lo ocurrido en la temporada inaugural, haya un leve desbalance entre el drama y suspenso, pero Penny Dreadful continúa siendo única y explosiva. La mecha esta vez es más larga, pero es una bomba al fin.






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CRÍTICA | CINE | Good kill

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Dirección: Andrew Niccol.
Reparto: Ethan Hawke, Bruce Greenwood, January Jones y Zoe Kravitz.
Duración: 102 min.

4

El drama de los drones.


Un tema candente de la vida real y un gran protagonista suelen ser cartas de presentación auspiciosas en cualquier proyecto cinematográfico. Good Kill posee ambas, pero carece de todo lo demás que define a una película en su calidad. Prácticamente sin línea argumental, este drama bélico remoto norteamericano se lanza a su suerte en la pantalla grande, con la esperanza de que la mera provocación sea suficiente. Lamentablemente no lo es…

Ethan Hawke no muestra lo mejor de sí en esta entrega. El resto del reparto, en cambio, probablemente muestre lo peor. January Jones y Zoe Kravitz por momentos dan vergüenza ajena frente a la cámara. Quizás no sea culpa de los actores, sino de un pésimo guión, por no llamarle inexistente. Más allá de la descripción de su contexto, que sí es sumamente interesante, no hay mucho más para contar en Good Kill. El vacío es suplido con diálogos pobres, escenas dramáticas inverosímiles y muchas explosiones a miles de kilómetros de distancia apreciadas a través de un monitor.

El cine es arte, no política. Si en el trámite de contar una historia, un director logra concientizar al espectador, bienvenido sea; pero nunca puede relegarse el guión a un segundo plano en un drama. Good Kill es, en el mejor de los casos, un intento cinematográfico provocador altamente ineficaz.


















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CRÍTICA | CINE | Ex Machina

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Dirección: Alex Garland.
Reparto: Alicia Vikander, Domhnall Gleeson y Oscar Isaac.
Duración: 108 min.

9

Ella también.


Hace muy poco tiempo la pantalla grande acreditó, según mi criterio, una de las mejores películas de ciencia ficción de las últimas décadas: Her. Ex Machina recoge parte de la propuesta argumental de Her y aproxima su profundidad dramática agregando una capa de oscuridad. La alquimia ofrece un resultado soberbio: un drama de ciencia ficción siniestro y plagado de suspenso como hace mucho no se veía.

La inteligencia artificial ha sido abordada en todos los subgéneros de la ciencia ficción, desde Blade Runner hasta Her, pasando por Terminator. Ex Machina es lo suficientemente original como para diferenciarse dentro de tan vasto grupo, ya que fusiona drama y suspenso en una brillante propuesta que atrapa al espectador desde el minuto cero hasta el segundo final. No hay tiempos muertos, no sobran planos en las escenas ni palabras en los diálogos. Es la película justa, precisa en cinematografía y guion, y altamente efectiva en lo emocional, tanto en materia de drama como de suspenso. Quizás sea, a diferencia de Her, apenas inverosímil, fundamentalmente en lo escénico y en la construcción de sus personajes, pero no por eso deja de ser un exponente que sacude su categoría en la industria.

Ex Machina es un drama reflexivo acerca del rol de la tecnología en la sociedad actual, y también es un magnífico thriller. Está dentro de las mejores entregas del cine de ciencia ficción de los últimos años, junto a Her y Snowpiercer.










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CRÍTICA | SERIES TV | Daredevil

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Creador: Drew Goddard.
Casting: Charlie Cox, Vincent D´Onofrio, Deborah Ann Woll, Elden Henson y Rosario Dawson.
Duración: 1ra temporada / 13 episodios / 2015.

8.5

Justicia ciega.


Toda la excelencia narrativa que Marvel ha sabido llevar al cine en los últimos años es ahora trasladada a la pantalla chica de la mano de Netflix. Daredevil en los papeles puede aparentar ser una simple adaptación de un cómic a la televisión, pero el resultado final es mucho más jugado de lo que el televidente puede a priori sospechar.

Corre sangre en Daredevil, con estética y sutileza artística, pero más allá de los atenuantes visuales, la serie posee altas dosis de violencia. La explicidad de las escenas ocasionalmente es amortiguada con planos creativos, ángulos no del todo reveladores y escasa luz, pero la naturaleza del proyecto se mantiene intacta. Daredevil fue pensada para un público adulto, no sólo porque puede ser por momentos visceral, sino también por la profundidad psicológica con la que han sido encarados sus personajes en materia narrativa.

Seguramente sea éste un punto de inflexión en la producción televisiva y cinematográfica del género superhéroes, porque la vuelta de tuerca ha sido arriesgada: sacrificar audiencia para ganar complejidad. Daredevil se desarrolla dentro de un mundo ficticio pero comparable con la realidad, y sus protagonistas han sido humanizados concienzudamente. Se podría decir, de hecho, que si las Batman de Nolan tuvieran buenas escenas de acción y excelentes coreografías de pelea, y mucha más sangre, éste sería el resultado final.

Marvel aterriza con firmeza en la TV de la mano de Netflix, con una apuesta que sin lugar a dudas ha sido fuerte. Daredevil es una muy buena serie de acción, pero con un componente dramático prácticamente inédito en el universo del gigante del cómic. El riesgo asumido ha rendido frutos. Bienvenido sea.








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CRÍTICA | CINE | The water diviner

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Dirección: Russell Crowe.
Reparto: Russell Crowe, Olga Kurylenko y Jai Courtney.
Duración: 111 min.

5

Fallida ópera prima.


El debut de Russell Crowe como director de un largometraje no es de lo más auspicioso, a pesar del buen recibimiento que la película está teniendo por parte de un sector de la crítica. Lo cierto es que The water diviner no es un desastre colosal, pero es una propuesta fallida en múltiples aspectos.

Si tuviera que definirla con apenas un adjetivo, diría que The water diviner es despareja. Cinematográficamente, por ejemplo, es un filme que la mayoría del tiempo se ajusta a muy buenos estándares de dirección, pero por momentos exhibe escenas toscas e inverosímiles. Hay grandes contrastes cualitativos a lo largo de la cinta, que se las ingenia para mezclar lo bueno y lo no tan bueno del cine en un mismo proyecto. Es inusual encontrar una película que puede sorprender con fotografía impactante y a la vez presenta los títulos con tipografía digna de un youtuber adolescente... y poco talentoso.

Pero más allá de los conflictos técnicos que pueda evidenciar la propuesta, el mayor problema de The water diviner se encuentra en su veta narrativa. Russell Crowe da inicio al relato de modo eficiente, enfocándose en un argumento sólido e interesante, pero a medida que corre la cinta la trama se fragmenta y pierde el norte. Promediando la historia, sinceramente ya no se sabe cuáles son las verdaderas intenciones del filme, porque lo que comienza como la dramática búsqueda de un padre por recuperar los restos de sus hijos, termina degenerándose en un cambalache de géneros que van desde la acción hasta el romance.

Hay destellos de buen cine en el intento de Russell Crowe por dirigir, pero no puede decirse que The water diviner sea una buena película. Quizás el tiempo le permita volcar su talento actoral a la realización integral de un filme, pero ésta, su ópera prima, carece de lo necesario para convencer a la audiencia.






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CRÍTICA | CINE | Inherent Vice

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Dirección: Paul Thomas Anderson.
Reparto: Joaquin Phoenix, Josh Brolin, Owen Wilson y otros.
Duración: 148 min.

4

Policial psicodélico para olvidar.


Dentro del excentricismo que caracteriza a Anderson, hay buenas y malas propuestas, dependiendo del guión que le toque adaptar. Inherent Vice está a una distancia abrumadora de la mejor versión del director. Es una película aburrida, anodina e incoherente, que a duras penas logra terminarse de ver.

No hay nada más irritante que una historia insustancial complicada. El hilo argumental de Inherent Vice se deshilacha en múltiples subtramas que no llevan a ningún lado, colmando la paciencia del espectador, quien apenas pasada una hora de película seguramente se sienta mareado y confundido entre tantos personajes inocuos y no mucho más que cháchara. La realidad es que la película carece de argumento, e intenta remediarlo mediante la incorporación de innumerables protagonistas y giros insensatos.

La cinematografía de Anderson no ayuda a pasar el mal trago, porque los planos largos y los diálogos sostenidos no hacen más que agravar el aburrimiento cuando no existe profundidad argumental. Inherent Vice no es There will be blood, donde el mensaje es fulminante, sino más bien un thriller superficial que apela a una especie de “Dude Lebowski” en versión de detective para entretener a la audiencia. El resultado no está ni cerca de ser bueno.

Me resulta difícil encontrarle algún atractivo a Inherent Vice. Es una película que intenta aparentar complejidad y profundidad, pero en realidad carece de ambas. Es una propuesta superflua de un director que suele tener el visto bueno de la crítica y no mucho más que eso.






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CRÍTICA | CINE | Foxcatcher

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Dirección: Bennett Miller.
Reparto: Channing Tatum, Steve Carell y Mark Ruffalo.
Duración: 134 min.

8

Una clase de actuación tripartita.


Otra historia verídica llevada a la pantalla grande. Esta vez no se trata de una historia extraordinaria, aunque dependiendo de cuán informado esté el espectador, sí es cierto que hay dentro de la trama una importante cuota de sorpresa. Foxcatcher es, sin lugar a dudas, un drama que impacta por su contundencia dramática.

No es un actor, ni dos; son tres los protagonistas que le sacan chispas al arte dramático en esta adaptación de un hecho real contemporáneo. El obvio, del que todos hablan, es el rol de Steve Carell, que se ha distanciado de su típico papel de comediante para transformarse físicamente en el multimillonario John Du Pont. Es increíble la mutación estética y gestual que ha logrado el actor, quien apenas puede reconocerse detrás del maquillaje. El no tan obvio es Mark Ruffalo, que seguramente ha interpretado en esta oportunidad el mejor papel de su carrera, dándole vida a un medallista olímpico de lucha greco-romana norteamericano. Quizás no marca distancias en lo expresivo (Ruffalo es el tipo de actor que generalmente conserva sus expresiones pausadas), pero sí en lo corporal, adaptando su cuerpo y su modo de moverse al de un luchador.

Párrafo aparte merece Tatum, quien demuestra ser un actor fuera de serie. El protagonista principal de la película ha adaptado su cuerpo, sus gestos y su expresión corporal de forma asombrosa, y si bien no lleva encima maquillaje, está irreconocible en la cinta. Es verdaderamente maravillosa la eficacia con que el actor ha asumido el papel de Mark Schultz, aportándole muchísima verosimilitud al relato.

Foxcatcher es una película interesante en lo narrativo, correcta en lo cinematográfico y sobresaliente en lo dramático. No es una historia apasionante, pero sí está adaptada con oficio y pasión actoral. Merece verse.

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CRÍTICA | CINE | Interstellar

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Dirección: Christopher Nolan.
Reparto: Matthew McConaughay, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Michael Caine, Casey Affleck y Matt Damon.
Duración: 169 min.

8

(Nolan x 2 + Einstein)2.


Los hermanos Nolan han revolucionado la narrativa del cine contemporáneo, probablemente convirtiéndose en dos de los mejores guionistas de la historia. Interstellar continúa esa tradición fraternal de entregar una historia sorprendente, profunda y elaborada, y si bien quizás no esté a la altura de sus mejores trabajos, es una propuesta imperdible en su género.

Quienes no tuvieron paciencia con Memento e Inception, no debieran siquiera intentar mirar Interstellar. Las películas de Christopher Nolan suelen ser experiencias cautivantes, pero exigen un alto esfuerzo intelectivo por parte del espectador, quien debe estar dispuesto a someterse a un proceso sináptico más largo de lo habitual; son como rompecabezas cuyas piezas deben continuar encastrándose hasta incluso luego de terminado el filme. Ésta no sólo no es la excepción, sino que tal vez sea su proyecto más ambicioso, al tratarse de una historia que aborda uno de los fenómenos más abstractos y apasionantes del universo: la relatividad del tiempo. Sobre esa premisa, se construye una trama trascendental, sorpresiva e inteligente, fiel al estilo del director.

Con cinematografía perfecta, la película se desarrolla a través de una trama compleja y elaborada que mantiene en vilo al espectador hasta el minuto final. Como siempre es el caso en los proyectos del director, lo más interesante de la propuesta radica en su guión, que ahonda en múltiples conflictos que van desde causas personales hasta lo estrictamente antropológico. En el trámite hay drama, suspenso y una importante cuota de ficción argumentada por leyes y especulaciones de la física moderna. Es quizás, en la vuelta de tuerca final, donde Nolan tal vez no llegue igualar sus mejores trabajos en cuanto a la consistencia absoluta del filme. En esta oportunidad queda un cierto sinsabor, una sensación de que el resultado es relativamente vago, o al menos paradójico en términos temporales.

Puede que Interstellar no cierre en todos sus ángulos, pero incluso así, es una película de ciencia ficción que succiona la mente del espectador y lo invita a volar por un universo amplio y fascinante. Es sin dudas una propuesta maravillosa, que merece verse múltiples veces y pensarse muchas veces más.



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CRÍTICA | CINE | Whiplash

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Dirección: Damien Chazelle.
Reparto: Miles Teller y J.K. Simmons.
Duración: 107 min.

8

Otro cisne negro.


Es inevitable comparar a Whiplash con The Black Swan, esa gran película estrenada hace cinco años y que también fue nominada al oscar. Otro enfoque y otra cinematografía, pero prácticamente el mismo mensaje: la obsesión por éxito.

Whiplash posee un dramatismo completamente distinto al de The Black Swan. El filme de Aronofsky, fiel al estilo del director, era un drama de suspenso que lentamente asfixiaba al espectador, conduciéndolo hacia la inevitable tragedia. Esta propuesta carece de esa intensidad agobiante, pero es igualmente un drama inmersivo, que se sumerge en las profundidades más oscuras de la psicología humana para narrar las consecuencias irreparables de la búsqueda obsesiva de la perfección.

Sin lugar a dudas, la película se destaca en dos frentes claros: en lo dramático, con un J.K. Simmons insuperable; y en lo técnico, con una edición fantástica que combina planos y sonidos en forma perfecta.

Whiplash es una película brillantemente dirigida que ofrece un mensaje contundente: alcanzar la perfección usualmente tiene un alto costo. Al que le gusta el durazno, que se banque la pelusa.



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CRÍTICA | CINE | The imitation game

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Dirección: Morten Tyldum.
Reparto: Benedict Cumberbatch, Keira Knightley y Matthew Goode.
Duración: 114 min.

9

La génesis de la computación.


Algunas historias de la vida real merecen contarse más que otras. En el cine hemos visto excelentes historias mal contadas y algunas otras menos interesantes eximiamente narradas. The Imitation Game no es la primera ni será la última historia verídica de la segunda guerra mundial llevada a la pantalla grande, pero se destaca por cumplir un doble requisito: contar muy bien una magnífica historia.

Superficialmente, The Imitation Game es la historia de cómo, cuándo y quién descifró el código enigma, el sistema criptográfico a partir del cual se comunicaban los alemanes en la segunda guerra mundial. Íntimamente, sin embargo, la propuesta teje en su trasfondo otras tramas sustanciales que abordan desde el espionaje hasta la homosexualidad, variando los tiempos del relato sin perder el hilo fundamental de la narración. Es poco frecuente la efectividad con la que la película impacta en todos los frentes, desplegando múltiples mensajes sin dispersiones narrativas. La cinematografía, por otro lado, es clásica pero virtuosa, con excelentes planos y muy buena edición.

The Imitation Game es un drama histórico de guerra, de espionaje y también de vida. Todo eso, en menos de dos horas brillantemente compactadas. Son pocas las propuestas como ésta.




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CRÍTICA | SERIES TV | Penny Dreadful

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Creador: John Logan.
Casting: Eva Green, Timothy Dalton, Josh Hartnett y Harry Treadaway.
Duración: 1ra temporada / 8 episodios / 2014.

9

La otra liga extraordinaria.


El cine y la televisión hace ya un par de años que comenzaron a tomarse en serio las historias fantásticas. Testigo de ello son las adaptaciones de los cómics a ambas pantallas, la chica y la grande, con personajes dotados de una complejidad que antes no solían tener, salvo excepciones. Penny Deadful es quizás un caso paradigmático dentro de esta movida, una serie que rescata íconos absolutos de la literatura fantástica clásica y los convierte en protagonistas de una historia magníficamente escrita y dirigida.

La premisa puede a priori despertar desconfianza, pero para quienes decidan dejar los prejuicios de lado, encontrarán en Penny Dreadful una alquimia ficcional nunca antes vista. La serie reúne a muchos de los grandes personajes de la literatura fantástica anglosajona y los interrelaciona entre sí a través de una historia eximiamente guionada. Independientemente de lo artístico, donde la propuesta también se destaca gracias a su impactante fotografía y escenografía, el mayor mérito de Penny Dreadful radica en el increíble dramatismo que le imprime a su historia. Los personajes más bizarros de la narrativa londinense victoriana han sido humanizados y dotados de una complejidad inusual, más propia del teatro clásico que de una serie televisiva. Los diálogos son milimétricamente exquisitos y se despliegan alrededor de una trama muy bien construida, con altas dosis de suspenso y terror.

Penny Dreadful estrecha las distancias entre la realidad y la ficción fantástica con una contundencia dramática admirable. Es una fórmula inédita, encarada con seriedad y compromiso narrativo, que explora los confines de los esotérico de modo soberbio. Si William Shakespeare hubiera escrito La Liga Extraordinaria, seguramente éste sería el resultado. Imperdible.




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CRÍTICA | CINE | Exodus: Gods and Kings

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Dirección: Ridley Scott.
Reparto: Christian Bale, Joel Edgerton, Ben Kingsley, Aaron Paul y otros.
Duración: 150 min.

6.5

Epopeya visual, pero no narrativa.


Ridley Scott es sin dudas unos de los mejores directores de la historia del cine, y como todo genio, tiene en su extenso curriculum cinematográfico algunos pocos fracasos. Exodus no está dentro de lo mejor de su filmografía, pero tampoco es de lo peor.

Descartemos lo sospechado: la película es técnicamente imponente, como todos sus trabajos anteriores. La recreación de la civilización egipcia es épica y monumental, al menos en lo arquitectónico. Scott ya tiene mucha experiencia en construir viejos imperios y darle la dimensión que merece a los ojos del espectador. Ciertamente, Exodus no defrauda para nada en ese aspecto. Hay epopeya visual, no sólo en lo escénico, sino también en algunas fantásticas escenas, como lo son las plagas.

Los errores de la propuesta radican en lo estrictamente narrativo. Sinceramente a mí no me importa la ortodoxia bíblica, porque el cine es una expresión artística y cada realizador tiene la libertad de versionar la historia como le plazca. Pero más allá la trama en sí, Exodus falla en el trámite de contarla a través de sus protagonistas. En primer lugar, el filme sufre de un evidente anacronismo en el lenguaje y en el modo en que los personajes interactúan entre sí, quienes parecieran ser ciudadanos occidentales del mundo contemporáneo incrustados en un escenario bíblico. En segundo lugar, hay una notoria carencia de dramatismo en el argumento, lo que resulta en diálogos escuetos y falta de desarrollo del conflicto principal. Es inevitable concluir que tan magnífico reparto ha quedado recluido a un segundo plano, y que el foco del proyecto se ha puesto exclusivamente en el despliegue visual. Es una pena, porque una historia tan rica en contenido podría haber sido magnánima con un guión más elaborado.

Exodus cumple en lo técnico pero defrauda en lo narrativo. Un relato épico de fe ha quedado reducido a un importante compendio de imágenes de escasa sustancia dramática. Como escribí en el primer párrafo, no es lo peor que ha hecho Scott, pero dista leguas de los grandes trabajos que le han valido su merecido reconocimiento.




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CRÍTICA | CINE | Birdman

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Dirección: Alejandro González Iñárritu.
Reparto: Michael Keaton, Edward Norton, Zach Galifianakis, Naomi Watts y Emma Stone.
Duración: 119 min.

10

Basada en un ego real.


González Iñárritu ha sabido hacernos sufrir. Amores Perros y 21 Gramos fueron dos grandes películas que revolucionaron el cine dramático, a lo que Hollywood le encontró el costado comercial, como siempre. Los proyectos posteriores del director mexicano cayeron en la monotonía absoluta y en la repetición de una tortuosa fórmula que impacta una o dos veces, y luego simplemente fastidia. Hacer sufrir al espectador hasta el hartazgo a veces es contraproducente, y González Iñárritu lo ha entendido. Birdman es una fantástica reinvención de su arte, y es perfecta por donde se la mire.

Técnicamente no debería haber debate: Birdman es cinematográficamente insuperable. Es una película filmada enteramente en plano secuencia, sin que se perciban las transiciones, lo que habla de un arduo trabajo del director, los actores y los editores. Es muy difícil lograr el resultado final de esta obra maestra, porque necesita de todas las piezas funcionando en perfecta armonía. Lo curioso es que lo logra, y la experiencia es original e inédita: algo así como una obra de teatro de escenario dinámico y con edición digital interactiva.

En lo narrativo habrá seguramente un debate más acalorado. Birdman es una minuciosa introspección del ego humano a través del mundo del espectáculo, ámbito sin lugar a dudas paradigmático en la materia. Es drama, pero también es comedia. Es trágica y cómica a la vez, pero por sobre todas las cosas es sutil. El director juega mucho con su currículum fílmico dentro del guión, amagando constantemente con hacer resurgir la receta que lo hizo conocido. Me gustó ese juego interactivo con la audiencia, porque de alguna manera sirve de autocrítica de su trabajo pasado, al tiempo que sorprende con una frescura inédita en su modo de relatar historias. Birdman es completamente diferente a todo lo que ha hecho González Iñárritu a la fecha, en el mejor de los sentidos.

Los premios no definen la calidad de una película, y un Oscar suele no ser garantía de nada. Birdman no es excelente por haber ganado el máximo galardón de la industria, sino por despuntar una tragedia de la vida real con deliciosa cinematografía y compromiso argumental. Es uno de los dramas mejor ejecutados que he visto en mi vida, y sin dudas la mejor película de 2014, junto con Her.





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CRÍTICA | CINE | The Judge

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Dirección: David Dobkin.
Reparto: Robert Downey Jr., Robert Duvall, Vera Farmiga y Billy Bob Thornton.
Duración: 141 min.

8.5

Juez y parte.


A pesar de la escasa versatilidad de Robert Downey Jr., quien ya comienza a aburrir con su siempre simpático, sarcástico y carismático, pero notablemente invariable estilo de personaje, The Judge es una gran película; no por su protagonista en particular, sino por todo lo circundante, incluyendo la cinematografía, el resto del reparto y un guión sobresaliente.

Esta vez Robert no viste un traje de hierro ni ensaya deducciones asombrosas, pero aun así es súper: un súper abogado. No hay casi diferencias en el perfil de este exitoso legista y Tony Stark, o incluso Sherlock Holmes. Esto no quiere decir que el protagonista no posea complejidad, pero es una complejidad demasiado familiar como para que el espectador genere empatía. En ese aspecto, esta propuesta fue por lo seguro: apelar al carisma de un personaje ya probado exitoso. En todo lo demás, sin embargo, la película sorprende gratamente.

The Judge es un drama muy bien guionado, con una historia que se va revelando en detalle a lo largo de toda la narración, agregando sustancia al relato a medida que avanza la cinta. También es una película muy sólida en lo técnico, gracias al eximio trabajo de su director. Hay una gran variedad de recursos fotográficos y dos o tres tomas excelentes, de esas que ahorran palabras a la hora de entregar un mensaje. Las palabras que no se ahorran, por otro lado, son las justas. Los diálogos entre los protagonistas nutren la trama y completan la experiencia más que satisfactoriamente.

The Judge es una entrega muy por encima del promedio en su género. Es una historia sensible y muy bien contada, con altos estándares cinematográficos y una premisa fundamental: imprimir en el espectador un mensaje indeleble. Sin lugar a dudas lo logra.




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CRÍTICA | CINE | Nightcrawler

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Dirección: Dan Gilroy.
Reparto: Jake Gyllenhaal, Rene Russo y Bill Paxton.
Duración: 117 min.

7

Para quienes quieren ver sangre.


En la era del cine basado en casos reales, Nightcrawler es una propuesta que rescata el espíritu de la ficción con una historia muy interesante y un protagonista soberbiamente compuesto e interpretado. Son muchos los adjetivos que le caben a la película; es original, morbosa, cínica y también un poco inverosímil.

Por sobre todas las cosas, Nightcrawler es una mordaz crítica a los medios televisivos actuales y a la escasez de escrúpulos que éstos demuestran a la hora de generar rating. Dentro de esa premisa, es evidente que la película no debe ser tomada del todo en serio, ya que en el afán de su provocación deforma la realidad hacia el límite, dotando a sus protagonistas de cualidades y rasgos exagerados. Es una trama difícil de creer, pero fácil de interpretar, que engancha desde comienzo y mantiene en vilo al espectador hasta el minuto final.

Pese a todas sus virtudes, Nightcrawler también tiene flancos débiles, especialmente en lo narrativo. Es una película que transcurre y se concluye a ritmo vertiginoso, a mi gusto dejando ciertos huecos argumentales. Está más que claro que el director ha priorizado el mensaje por sobre la construcción de la historia, destacándose en lo primero y dejando algunas dudas en lo segundo, lo que a mi gusto evita que la propuesta sea completamente sólida.

Nightcrawler es una película original y provocadora que se enfoca principalmente en la caracterización de su protagonista, comprometiéndose enormemente con su mensaje. Es una experiencia disfrutable a la que le falta una vuelta de tuerca en materia narrativa, pero que indudablemente vale la pena verse.





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CRÍTICA | CINE | I origins

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Dirección: Mike Cahill.
Reparto: Michael Pitt, Astrid Bergès-Frisbey y Brit Marling.
Duración: 132 min.

8

El secreto de sus ojos...


I origins es un drama con ciertos rasgos de ciencia ficción y un profundo mensaje metafísico, que incursiona en la escatología a partir de la ciencia, tratando un tema ya varias veces visto en el cine, pero desde una perspectiva sensible y original.

Por sobre todas las cosas, el filme atrae, atrapa y emociona. Algunas escenas tienen una intensidad dramática excepcional, y creo que ése es el punto más fuerte de la propuesta. La historia es interesante y está bien contada, quizás a un ritmo más pausado del que muchos preferirán, pero es cierto que los dramas más sentidos suelen cocinarse a fuego lento, con planos más largos, para que el espectador tenga tiempo de empatizar con los personajes y lo que experimentan en el momento.

No se trata de una película descollante, pero sí de un muy buen drama, que ahonda dentro de la escatología con una sensibilidad verdaderamente particular. Es una experiencia original y atrapante, pero sobre todas las cosas, emocionalmente intensa.



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CRÍTICA - CINE - Boyhood

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Dirección: Richard Linklater.
Reparto: Ellar Coltrane, Lorelei Linklater, Patricia Arquette y Ethan Hawke.
Duración: 165 min.

8

Antropología visual.


Richard Linklater es sin duda uno de los mejores exponentes del cine experimental contemporáneo y Boyhood quizás sea su experimento más ambicioso a la fecha; un paso adelante en su compromiso artístico de retratar lo cotidiano, lo común y lo ordinario con un realismo inigualable.

El espectador es sensible a las coincidencias, y por eso Linklater siempre termina dando en el clavo. El director no cuenta historias sofisticadas, sino relatos comunes, fácilmente distinguibles, con los que podemos identificarnos de una u otra manera. Boyhood narra parte de la infancia y la adolescencia de un chico durante 12 años, hasta que el joven comienza la universidad. Es una historia simple y ordinaria, pero contada de un modo jamás visto antes en el cine. La película fue filmada durante 12 años para documentar con mucho realismo los cambios a lo largo del tiempo, de los protagonistas y del contexto también. Es increíble ver en apenas poco más de dos horas y media cómo cambian los personajes y la forma en que se interrelacionan entre sí, condicionados por la realidad familiar, social, política y tecnológica de cada momento.

Cinematográficamente hablando, se trata de una película impecable, en la cual se destaca la edición. Es difícil de imaginar el trabajo de editar 12 años de filmación, y en este caso el resultado es brillante. Las transiciones entre épocas son suaves y ocasionalmente perspicaces; Linklater recurre mucho a la música y a algunos planos explícitos de ciertos dispositivos conocidos para dar aviso del paso del tiempo, pero también hay una infinidad de planos sutiles para retratar etapas, que seguramente se tornan más obvios con visiones posteriores del filme.

Boyhood es una película, pero tranquilamente podría ser una tesis doctoral en Antropología. Es una historia simple de una complejidad única. Es, sin ir más lejos, la historia de vida más realista y mejor resumida que el cine ha sabido concebir hasta ahora. Puede que la propuesta suene poco atractiva, pero no lo es. Linklater nunca promete, pero siempre cumple.






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CRÍTICA - CINE - Jersey boys

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Dirección: Clint Eastwood.
Reparto: John Lloyd Young, Vincent Piazza, Michael Lomeda, Erich Bergen y Christopher Walken.
Duración: 134 min.

8

Los buenos muchachos de la música.


Si tuviera que destacar la máxima virtud de Clint Eastwood, resaltaría su compromiso para contar una historia, cualquiera fuera el argumento y el estilo narrativo. El cowboy octogenario, como director, no tiene en su extenso repertorio cinematográfico dos películas que siquiera se parezcan, y eso lo convierte, sin lugar a dudas, en uno de los más grandes y versátiles
directores de la historia del cine.

Jersey boys es una prueba más de la versatilidad de Eastwood, quien suele adaptar su estilo cinematográfico a la historia de turno. En este caso, el director decidió narrar la trama de un modo muy reminiscente a Goodfellas, aquella obra maestra del cine-mafia que supo componer Scorsese en 1990. El resultado es muy bueno, a pesar de que no a todos les haya convencido. La película posee un gran ritmo y a pesar de avanzar a paso acelerado, logra un buen balance entre lo visual y lo narrativo. Me da la impresión que Eastwood no quiso un corte de 3 horas, y por lo tanto terminó encauzando parte de lo sustancial de la trama en algunos diálogos breves, pero interesantes. Quizás media hora más de cinta hubiera consolidado el argumento, haciendo de la propuesta un éxito contundente e indiscutido, pero de cualquier manera, así como está, vale pena.

Jersey boys es una muy buena película, entretenida y cinematográficamente impecable en todos los aspectos técnicos, pero no es un musical, como muchos esperaban. Es, diría yo, un drama de la vida real narrado al estilo y ritmo de Martin Scorsese. Tampoco es una película magistral, pero quienes no estén esperando un musical seguramente no quedarán defraudados.







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CRÍTICA - CINE - The Rover

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Dirección: David Michôd
Reparto: Guy Pierce y Robert Pattinson.
Duración: 103 min.

6

Drama madmaxero


The Rover es otra entrega del cine australiano que enfoca el relato dentro de un futuro distópico y violento, muy en línea con el escenario que supo construir Mad Max en su momento, aunque en esta oportunidad el género sea claramente otro.

The Rover es un drama con tres méritos irrefutables: la ambientación, la cinematografía y el enorme protagonismo de Guy Pierce, actor que todavía no ha dado con el papel que le quede grande. La sensación de desolación transmitida por la película es impecable. El director ha hecho un gran trabajo en plasmar en la pantalla los sentimientos de quienes habitan una tierra de nadie, no sólo en lo escenográfico, sino también en lo narrativo. Hay tomas excelentes, buena edición y música muy en sintonía con las imágenes mostradas.

Pero más allá de todo lo que hace bien, el film no cuenta una historia contundente. Un guión vago y poco interesante impide que la película despegue. Hay algunos diálogos intensos y mucho simbolismo dentro del relato, pero en general la narración es plana y sus personajes carecen de magnetismo, a excepción de Pierce. Robert Pattinson hace lo que puede, incluyendo un marcado acento sureño americano y muchas muecas exageradas que por lo menos a mí no han terminado de convencerme.

The Rover está lejos de ser una pieza the visión imprescindible, pero se sostiene gracias a su calidad técnica y la magnífica interpretación de Guy Pierce. Aprueba raspando.
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CRÍTICA - CINE - Locke

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Dirección: Steven Knight
Reparto: Tom Hardy, Olivia Colman, Ruth Wilson
Duración: 85 min

8

Desde la autopista


Locke es una propuesta muy en sintonía con “Buried”, aquella joya inesperada estrenada en 2010 y protagonizada por Ryan Reynolds. Si bien se trata de géneros y argumentos completamente distintos, ambas películas comparten un estilo muy similar en el que la historia se desarrolla en tiempo real, dentro de un escenario reducido y con apenas un protagonista visible.

Ivan Locke no está confinado en un cajón, sino encerrado en una cabina vehicular en movimiento constante. Desde allí transcurre la historia, a medida que el protagonista va realizando y recibiendo llamadas telefónicas de distinta índole. La trama se construye en forma inteligente, a través de diálogos de alto contenido dramático que contribuyen a un clima de tensión progresivo. Locke, a diferencia de Buried, no es la crónica de una tragedia fatal, sino más bien de un hecho verosímil y desafortunado. Incluso así, sin el dramatismo agregado que supone una situación de riesgo de muerte, la película se las ingenia para aportar una contundencia enorme al relato, gracias a la combinación de un fantástico guion y una actuación descollante de Tom Hardy.

Locke se aleja mucho de los patrones cinematográficos comunes, y allí radica su mérito: contar un drama verosímil en tiempo real exponiendo al máximo las emociones de su protagonista. No es una película que vaya a impactar a toda la audiencia, pero quienes estén dispuestos a ver algo distinto encontrarán en esta propuesta una experiencia casi hipnótica.

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CRÍTICA - CINE - Noah

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Dirección: Darren Aronofsky
Reparto: Russell Crowe, Jennifer Connelly, Anthony Hopkins
Duración: 138 min

8.5

Epopeya atípica


Tuve mis dudas cuando Darren Aronofsky surgió como el encargado de llevar este proyecto a la pantalla grande, porque no es el tipo de director que hace una película épica por encargo, sino todo lo contrario; es un cineasta sensiblemente comprometido con el estilo y el mensaje de sus filmes.

Mi escepticismo duró poco, quizás los 15 o 20 minutos que me llevó darme cuenta de que, llamativamente en esta industria, a Darren los productores no han podido modificarle el gusto. Noah no es una película épica comercial, sino otra pieza oscura y siniestra de un director que no se cansa de explorar la naturaleza humana con una profundidad inaudita. ¿Qué mejor que el antiguo testamento como fuente de inspiración?

La huella del director está intacta, tanto en lo técnico como en lo narrativo. La edición es, por sobre todas las cosas, lo que sin dudas define a un filme de Aranofsky visualmente; esas secuencias de imágenes rápidas y superpuestas de alto impacto sensorial en el espectador. Hay, entre todas ellas, una secuencia de la creación del universo que sinceramente lo deja a uno con la boca abierta de comienzo a fin.

En cuanto a lo narrativo, Noah es una película con un mensaje violento y poco esperanzador, cuyo epicentro argumental radica en la oscura naturaleza humana. Lo escatológico, si bien está presente en todo momento, es más bien circunstancial y atmosférico. La historia se enfoca en cómo su protagonista interpreta la voluntad del creador, y no tanto en el creador en sí, lo que me ha parecido fascinante. Los diálogos de la película son sustanciosos y contundentes, como parte integral de un guion muy bien pensado.

Noah no es la epopeya bíblica que quizás los religiosos estaban esperando, sino más bien una adaptación con muchísimos grados de libertad. Es una película íntimamente comprometida con la esencia humana desde la misma creación, cuyo mensaje es tal vez sombrío, pero realista. Es una película difícil de recomendar, que seguramente con el tiempo será más valorada por el público. El arca de Noé es una historia que despierta pasiones en mesa, pero el cine de Aronofsky no es para todo el mundo. Quienes disfruten de Aronofsky y no tengan paradigmas religiosos inflexibles, van a saber apreciar Noah.
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CRÍTICA - CINE - 7 cajas


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Dirección: Juan Carlos Maneglia, Tana Schembori
Reparto: Celso Franco, Víctor Sosa, Lali Gonzalez
Duración: 105 min

9

La joya del Paraguay


7 cajas es un suspiro cinematográfico, una bocanada de aire fresco que trasciende las fronteras convencionales de la industria y demuestra que no siempre hace falta un productor con una billetera gorda para lograr una excelente película.

No se trata de una película nueva. 7 cajas se estrenó en 2012, pero dada la falta de recursos y la ausencia de una poderosa distribuidora que se involucrara en el proyecto, recién ahora comienza a masificarse. Es cine paraguayo, por extrañas que suenen esas dos palabras juntas; no cualquier tipo de cine, sino cine de primerísima calidad. La fotografía, la edición, las actuaciones y el guion alcanzan los más altos estándares de la industria, para configurar una propuesta sinceramente imperdible.

Sin ajustarse a ningún género en particular, 7 cajas es una de esas raras películas en las que todo se hace bien. Hay suspenso, comedia, acción y una pizca de romance, todo perfectamente adaptado a un escenario poco convencional, como es un mercado de concentración en Asunción. La historia es hilvanada de manera soberbia, presentando y desarrollando múltiples personajes que logran dejar su huella en el espectador.
Quizás sea ésta la mejor película de la historia del cine paraguayo. Es una propuesta original, entretenida y brillantemente ejecutada por sus realizadores y protagonistas. Difícil que decepcione, fácil que sorprenda.
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CRÍTICA - CINE - Lone Survivor

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Director: Peter Berg.
Duración: 121 minutos.
Casting: Mark Wahlberg, Taylor Kitsch, Emile Hirsch, Ben Foster y Eric Bana.

8/10 - Muy Buena

Gajes de un oficio difícil.


Uno podría caer rápidamente en la tentación de decir que Lone Survivor es apenas otro filme-propaganda que busca sobresaltar el heroísmo de los soldados estadounidenses, pero la película es mucho más que eso. Es cierto que rescata lo mejor de las fuerzas armadas norteamericanas, pero lo hace de forma artística y seria, sin incurrir en cursilerías y evitando recetas harto conocidas.

Lone Survivor está basada en una historia verídica, lo que le aporta una gran intensidad a la propuesta. Los protagonistas están inspirados en soldados verdaderos y las situaciones de conflicto también. No se trata de un comando de Rambos, sino de seres humanos con preocupaciones y ambiciones, como cualquiera de nosotros, cuyo trabajo es verdaderamente particular. La película muestra con realismo la rutina laboral de personas que arriesgan sus vidas para ganarse el pan, y funciona, gracias a un muy buen despliegue narrativo que acierta en la presentación de los personajes, sin apresurar los tiempos.

Los tiros llegan más tarde, pero para quedarse. A partir del primer disparo, Lone Survivor se convierte es un espiral de acción y vértigo que no se detiene hasta arribado el final. Quienes recuerden Black Hawk Down, encontrarán en esta propuesta grandes similitudes, sobre todo por el crudo realismo de sus imágenes. Ésta no es una película de guerra en la que los protagonistas esquivan balas, sino todo lo contrario, y su director ha realizado un excelente trabajo de fotografía para encauzar la historia a través de secuencias visuales magníficamente logradas.

Lone Survivor es un acierto en el género, gracias a su reparto y a una dirección impecable que ha sabido orquestar lo narrativo y lo técnico, rescatando la humanidad de los protagonistas, pero sin atenuar su capacidad de entretener a una audiencia ávida de acción.



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CRÍTICA - CINE - The Monuments Men

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Director: George Clooney.
Duración: 118 minutos.
Casting: George Clooney, Matt Damon, Bill Murray, John Goodman y otros..

5/10 - Regular

Una gran historia que no supo contarse.


Yo considero que George Clonney es un muy buen cineasta, y reconozco en sus cualidades como director el saber contar historias y desarrollar personajes. The Monuments Men, sin embargo, es una pieza de alto contraste en su cinematografía, que falla en la narración de la historia y en la composición de los personajes.

El trasfondo histórico es sumamente interesante. The Monuments Men está inspirada por un suceso verídico que da mucha tela para cortar, pero un relato altamente deficiente atenta contra el encanto natural del filme. La presentación de los personajes y del conflicto es escueta y banal, al igual que el posterior desarrollo. La película salta de una escena a la otra y de un protagonista a otro de modo aleatorio, evitando generar un clima propicio para que el espectador se familiarice con el hilo argumental. Hay un anticlima constante en The Monuments Men, que fastidia y aburre, al punto de perder el interés por la trama.

Probablemente haya faltado tiempo y esmero en el desarrollo del guion. En lo cinematográfico, la película cumple, pero la parte narrativa deja muchísimo que desear. The Monuments Men posee una historia que vale la pena ser contada, pero bien. Esta propuesta, lamentablemente, no lo ha logrado.
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CRÍTICA - CINE - Her

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Director: Spike Jonze.
Duración: 126 minutos.
Casting: Joaquin Phoenix, Amy Adams, Rooney Mara y Scarlett Johansson.

10/10 - Excelente

La pareja perfecta.


Her es ciencia ficción próxima, fácil de proyectar. No se trata de un futuro lejano, sino tan solo de unos cuantos años hacia adelante, en los que la tecnología continúa avanzando sobre nuestro estilo de vida, modificando las costumbres y los hábitos.

No es ciencia ficción distópica, al contrario de lo que muchos puedan sospechar. Her no es la versión dramática de Terminator, sino una película íntimamente comprometida con la naturaleza social de las personas, enmarcada dentro de un escenario futurista y creativo. Se trata de una propuesta original, excelentemente escrita, dirigida y actuada, que explora las relaciones humanas con una profundidad inaudita, al tiempo que expone en la pantalla una visión sumamente interesante de un futuro cercano.

Her es algo nunca antes visto, una entrega que fusiona géneros con una sutileza increíble, al tiempo que despliega un desfile de imágenes exquisito, gracias a su fotografía y edición de primer nivel. Una vez cada tanto surgen este tipo de sorpresas en la pantalla grande. Para mis estándares cinematográficos, Her es la película perfecta.

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CRÍTICA - CINE - Out of Furnace

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Director: Scott Cooper.
Duración: 118 minutos.
Casting: Christian Bale, Casey Affleck, Woody Harrelson, Forest Whitaker, Willem Dafoe, Sam Shepard y Zoe Saldana.

8/10 - Muy Buena

Fuera del horno, pero caliente.


Out of Furnace no es una película original, sino apenas otra variante narrativa de la típica historia de venganza. Pero no es el argumento en sí lo que hace de esta propuesta un gran exponente en su género, sino todo lo demás; y al decir todo lo demás, literalmente me refiero a todo lo demás: actuaciones, cinematografía y guion.

Los personajes de Out of Furnace son vívidos, creíbles y logran que el espectador se sumerja en una historia magníficamente guionada, que derrama tristeza, violencia y oscuridad. La ambientación del filme es también impecable y logra capturar la esencia de la problemática social norteamericana con un notable despliegue visual. La fotografía es muy buena, sobre todo en los planos que se han elegido para contar ciertos pasajes cruciales de la historia. La música, por otro lado, está a cargo de Pearl Jam, lo que sin dudas magnifica la experiencia.

Entre todas la virtudes técnicas y narrativas, en la película se destaca su reparto. Hay seis protagonistas de primer nivel, que se reparten el guion y le sacan a sus personajes el máximo jugo posible, pero entre Bale, Affleck y Harrelson, uno verdaderamente no sabe con quién quedarse. Los tres logran, cada uno a su modo, transmitir sus miedos, frustraciones y odios, a través de interpretaciones magistrales.

Out of Furnace no es nada nuevo, pero está muy bien lograda. Siempre da gusto ver una película tan minuciosa en su trámite narrativo y tan bien caracterizada por sus protagonistas. Habrá quienes no encuentren nada espectacular en ella, pero dudo que pueda defraudar a cualquiera que sepa por dónde viene su género y no busque una película pochoclera.


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CRÍTICA - CINE - August: Osage County

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Director: John Wells.
Duración: 121 minutos.
Casting: Meryl Streep, Julia Roberts, Chris Cooper, Ewan McGregor, Margo Martindale y otros.

7/10 - Las miserias familiares.


August: Osage County es una película muy triste con pinceladas de humor. Es muy difícil decir que es una comedia, porque el drama predomina en su trama en todo momento, a veces de modo tragicómico, pero drama al fin.

No hay alicientes en la historia. La película empieza mal y termina quizás peor. Es una propuesta sincera que se enfoca en las miserias de la vida y la familia sin contemplaciones, muy disfrutable gracias a las soberbias actuaciones de todo su reparto, y en especial de Julia Roberts, quien logra ponerse a la altura de tal vez la mejor de todas las actrices en la historia del cine, Meryl Streep.

Para mi gusto, al relato le falta una conclusión, y es el único defecto que le encuentro. La película termina de repente y deja muchas cosas sin resolver, lo que quizás sea común en una familia de verdad, pero no es del todo gratificante en un filme. Sentarse a ver una película o a leer un libro es un pasatiempo paralelo a la realidad, y sea ficticia o no, una buena historia necesita ser concluida. En esta entrega no existe la conclusión, y a pesar de disfrutarse en el trayecto, defrauda un poco en el final.

August: Osage County es algo así como un drama terapéutico, donde se explora la génesis de los conflictos familiares. Si bien no es una experiencia del todo fascinante, vale la pena gracias a la calidad actoral de su reparto.



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CRÍTICA - CINE - Joe

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Director: David Gordon Green.
Duración: 118 minutos.
Casting: Nicolas Cage y Tye Sheridan.

7/10 - Buena

Otro rebelde sin causa.


Joe es una película interesante y distinta, que explora las entrañas de la decadencia social norteamericana a través de una historia triste y por momentos también violenta y oscura. No es una propuesta extraordinaria y no está libre de defectos, pero es una experiencia gratificante.

Nicolas Cage asume, como en los viejos tiempos, un rol que le exige cierto compromiso actoral, y es sinceramente un placer volver a verlo en la pantalla encarnando a un protagonista con problemas más cercanos a la realidad. Joe es un personaje complejo que magnetiza al espectador desde recién comenzada la historia; un tipo duro con problemas de actitud y algún que otro escollo psicológico no resuelto, pero que conserva sus valores intactos. Cage lleva adelante la película compartiendo el protagonismo con Tye Sheridan, una joven promesa del cine que ya brilló en MUD y que en esta oportunidad demuestra que no ha sido casualidad. El resto del reparto también está muy bien, y en especial hay que destacar a quien interpretó al padre alcohólico del joven protagonista, quien era en realidad un vagabundo y meses después de terminada la película falleció en la calle. No se le puede pedir más compromiso con la realidad a un director que contrata a un errante callejero para hacer de sí mismo.

Joe es una película visceral y profunda en los problemas que toca. La decadencia de cierto estrato social del sur de EEUU está excelentemente retratada en la película, siempre bajo muy buenos estándares cinematográficos; pero tanta contundencia y profundidad descriptiva carecen de una sólida historia que las envuelva, y ése es un detalle que resta en el puntaje final. Los problemas de los protagonistas están muy bien expuestos en la pantalla, pero carecen de sustancia narrativa que los explique, lo que de algún modo atenta contra la verosimilitud de la historia. Joe sería un personaje mucho más creíble al espectador si se dieran detalles más certeros acerca de por qué es como es, y eso no sucede. Apenas se mencionan vagamente ciertas situaciones poco convincentes. Lo mismo ocurre con otros personajes que aparecen y desaparecen de escena como por arte de magia, sin demasiadas explicaciones.

Joe es un drama que triunfa en la exposición de sus ideas centrales pero que hace un poco de agua a la hora de contar una muy buena historia. De cualquier manera, es una propuesta original y lo suficientemente sólida como para no defraudar a nadie. Vale la pena.




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Blue Jasmine - Crítica de cine

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Director: Woody Allen.
Duración: 98 minutos.
Casting: Cate Blanchett y Alec Baldwin.

7/10 - Buena

Allen 2013.


Para mí Woody Allen está lejos de ser el director extraordinario que muchos le atribuyen ser. Yo, por el contrario, creo que es un cineasta regular adicto a la escritura que necesita sacar una película por año en forma compulsiva. No encuentro en su cinematografía ninguna genialidad, sino muchas películas regulares y buenas, muy enfocadas en los diálogos y en la descripción de lo cotidiano, pero jamás sorprendentes. En otras palabras, Woody Allen nunca me voló la cabeza con una de sus películas.

Blue Jasmine tampoco me voló la cabeza, pero la considero dentro de lo bueno que ha hecho Allen en su carrera. Es una digna exponente de su filmografía, con diálogos suspicaces y personajes cercanos a la realidad, cuyos problemas pueden hasta sonar familiares. Las actuaciones son excelentes, y Cate Blanchett sinceramente la rompe interpretando su papel. Mucho más que eso no hay. La historia es entretenida, pero no es nada que no se haya visto antes en la pantalla y la cinematografía es sencilla y modesta, como en toda película del director.

Blue Jasmine es una buena película y punto. Las caracterizaciones y los diálogos son su base y el argumento entretiene. Los fanáticos de Woody Allen van a amarla y el resto de los espectadores, como yo, van a pasar un buen rato.




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American Hustle - Crítica de cine

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Director: David O. Rusell.
Duración: 138 minutos.
Casting: Christian Bale, Amy Adams, Bradley Cooper, Jennifer Lawrence y Jeremy Renner.

5.5/10 - Regular

La ambientación por sobre la historia.


American Hustle es una película rara, que no ha llegado a cerrarme del todo. Posee un muy buen elenco y buena cinematografía, pero su aspecto narrativo es realmente deficiente.

El guion es por lo menos confuso. No hay un claro foco en algo en particular, sino que la historia se desenvuelve de modo caótico, abriendo líneas argumentales que se ramifican alrededor de una trama troncal débil, no por ser insustancial, sino por la forma en que es presentada. Hay un desbalance absoluto en el modo de narrar los hechos, ya que el director prefiere dedicarle más tiempo a mostrar ciertos aspectos intrascendentes de las relaciones entre los personajes que en desarrollar el nudo de la historia.

En American Hustle no existen los momentos cruciales ni hay escenas de alto impacto emocional, porque el peinado de los protagonistas o la forma en que se visten pareciera ser más importante que lo que se cuenta. Esa superficialidad no sólo despierta cierta incredulidad acerca del tema tratado, sino que hace que por momentos el espectador confunda el género al cual se ciñe. Sinceramente, no llegué a distinguir si algunas escenas eran dramáticas o cómicas.

American Hustle es una película visualmente imponente. Su fotografía es de primer nivel y la ambientación es maravillosa, pero la historia está muy mal contada. Quienes quieran solamente ver el retrato de una época a través de personajes muy bien caracterizados quizás encuentren valor en la película, pero los que quieran sentarse a disfrutar de una buena historia seguramente quedarán decepcionados.





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The Wolf of Wall Street - Crítica de cine

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Director: Martin Scorsese.
Duración: 180 minutos.
Casting: Leonardo DiCaprio, Jonah Hill, Margot Robbie y Rob Reiner.

7/10 - Buena

Una joya sin pulir de Scorsese.


Para mí Martin Scorsese es uno de los grandes protagonistas de la historia del cine. Su estilo de dirección sin lugar a dudas revolucionó el modo de contar historias en la pantalla grande. Luego de su gratificante incursión en el cine para la familia con Hugo, el director regresa a lo suyo con la adaptación cinematográfica de una historia real que encaja a la perfección con su estilo fílmico. The Wolf of Wall Street es una película visceral y explícita con momentos brillantes, pero también con muchos defectos.

Es evidente que los productores le han dado al director una licencia extraordinaria esta vez, y Scorsese la ha aprovechado. The Wolf of Wall Street es una película innecesariamente larga, que recicla un mismo mensaje una y otra vez hasta el hartazgo, a partir de diferentes escenas que apenas varían su contenido. Droga, sexo y demás excesos una y otra vez, repetidas veces. Y no es que no sea un trámite divertido, sino que simplemente atenta contra el filme en su conjunto, porque invierte demasiado tiempo en una arista, descuidando todas las demás. Hay, increíblemente, errores de edición grotescos, como ser cambios de planos no sincronizados.

Hay grandes momentos en la película. Diálogos brillantes, escenas desopilantes y secuencias que incomodan al espectador como sólo Scorsese sabe lograrlo. La interpretación de Leonardo DiCaprio es magistral y el elenco co-protagónico también hace un excelente trabajo. Y es que The Wolf of Wall Street no es un fracaso catastrófico. Es entretenida, está soberbiamente actuada y de tanto en tanto brilla como un diamante en bruto. El tema es que una joya sin pulir no llega a mostrar todo su esplendor.





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Saving Mr. Banks - Crítica de cine

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Director: John Lee Hancock.
Duración: 125 minutos.
Casting: Emma Thompson, Tom Hanks, Colin Farrel y Paul Giamatti.

8.5/10 - Muy buena

Detrás de Mary Poppins.


Saving Mr. Banks es un claro ejemplo del giro que han dado los estudios Disney en cuanto a su política de contenidos para con los proyectos cinematográficos. A diferencia de lo que muchos hubiéramos sospechado, no se trata de una tibia comedia dramática sustentada por el carisma de sus protagonistas y buena cinematografía, sino de un drama introspectivo que explora en profundidad las tristes entrañas de su argumento.

No hay filtros en Mr. Banks. La narración es sutil, pero no existen reservas en cuanto al contenido. La historia se cuenta en dos tiempos distintos que corren en forma paralela a medida que avanza el relato, con un importante despliegue de recursos cinematográficos. Es sabido que Disney no ahorra en producción y eso queda en manifiesto en la película. El reparto es insuperable, la fotografía de primer nivel y la edición logra encastrar dos sub-tramas en una en forma armónica y gradual. Pero por sobre todas sus virtudes técnicas y actorales, Saving Mr. Banks es un triunfo en lo narrativo. La contundencia y sinceridad de su guion demuestra a las claras el enorme compromiso de sus realizadores para contar la historia, quizás en desmedro de ciertos aspectos comerciales. Seguramente esta película haya gestado más de una discusión entre los directivos de Disney, y es sinceramente un placer ver que el resultado final se condice más con los estándares artísticos que con los comerciales.

Quienes se hayan criado viendo Mary Poppins encontrarán en esta propuesta una sorpresiva joya. Saving Mr. Banks no sólo desvela el trasfondo dramático real detrás de una de las mejores películas infantiles de la historia del cine, sino que también nos propicia la transición de la inocencia a la adultez a todos los aficionados a la ficción. Saving Mr. Banks nos enseña que la realidad y la ficción, en definitiva, son inseparables.





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12 years a slave - Crítica de cine

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Director: Steve McQueen.
Duración: 134 minutos.
Casting: Chiwetel Ejiofor, Lupita Nyong'o, Michael Fassbender y otros.

8.5/10 - Muy buena

Nada nuevo, pero muy bueno.


12 years a slave no es la primera ni será la última película en tratar el tema de la esclavitud en el cine. A pesar de ser una historia real y tener una ligera variante en la trama, es un argumento que ya hemos visto en múltiples oportunidades en la pantalla grande. Pero no es el qué lo fundamental en el cine, sino el cómo. La ganadora del Oscar a la mejor película de 2013 quizás no derroche originalidad en su relato, pero está tan bien realizada que es imposible encontrarle puntos débiles.

Cualquiera sea la perspectiva cinematográfica, 12 years a slave supera los estándares. Su guion está perfectamente estructurado, el reparto es imponente y la dirección no menos que impecable. Steve McQueen ha sabido componer una obra casi perfecta y, a pesar de la dureza de la historia, es verdaderamente un placer sentarse a ver una película tan cuidada en cada uno de sus detalles.

No vale la pena discutir si merece un Oscar o no. Lo que sí importa, sin embargo, es que 12 years a slave es una gran película independientemente de su argumento. Quizás no sea original, pero es un relato contundente desde lo narrativo y sobre todo impecable desde lo cinematográfico. El cine, después de todo, es como la gastronomía: un plato tradicional bien logrado siempre valdrá la pena.





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Gravity - Crítica de cine

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Director: Alfonso Cuarón.
Duración: 91 minutos.
Casting: Sandra Bullock y George Clooney.

8.5/10 - Muy buena

Cine envolvente.


El espacio es quizás el escenario más inhóspito que el ser humano pueda imaginar. Gravity se hace de esa premisa y elabora un relato escalofriante que no le da descanso al espectador de principio a fin.

Prácticamente no hay historia que contar en la película, pero tampoco es necesaria. Gravitiy no es un cuento de supervivencia, sino más bien una experiencia. Hay una línea argumental que aporta cierta perspectiva a los hechos, pero el filme pone el foco en los aspectos sensitivos, no en lo narrativo, y lo hace con excelencia, gracias a una dirección que tiene más que merecida el Oscar.

Se trata casi de una lección de cinematografía. La película transcurre en continuado y su percepción de tiempo real es inigualable, gracias una edición que supera todos los estándares conocidos. Lo interesante es que los realizadores no hayan caído en la tentación de utilizar técnicas de filmación propias de películas como Blair Witch Project o Cloverfield, sino que se hayan ceñido a la fotografía tradicional. Aunque tradicional, en este caso, no implique falta de originalidad. La fotografía de Gravity se destaca no sólo por sus soberbias tomas, sino por el dinamismo incluido dentro de las mismas. Hay un trabajo de planificación de cámaras y ángulos sinceramente impactante, amén de la ya comentada edición, que sin dudas incluye un impresionante despliegue de efectos especiales.

Gravity son 91 minutos de frenetismo, asombro e impacto sensorial. Es una de las experiencias espaciales más inmersivas que se hayan visto en la historia de la pantalla grande, y como tal, es de visón imprescindible para todos aquellos amantes del buen cine.


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Dallas Buyers Club - Crítica de cine

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Director: Jean-Marc Vallée.
Duración: 106 minutos.
Casting: Matthew McConaughey, Jared Leto y Jennifer Garner.

8.5/10 - Muy buena

Vivir sabiéndose muerto.


Hay dramas demoledores y dramas más bien llevaderos en lo emocional, algo que poco tiene que ver con lo ficcional o lo verídico. Hay directores que a veces quieren tener un profundo impacto emocional en el espectador y directores que sólo quieren contar una historia porque les parece interesante. Dallas Buyers Club es un drama de la vida real con intenciones primordialmente narrativas; una historia que valía la pena ser contada sin golpes bajos.

Los méritos de la película son muchos. El guion, la cinematografía y el ritmo del relato son impecables, pero lo verdaderamente impactante son las actuaciones. El componente dramático de la propuesta es lo que la destaca, gracias a las interpretaciones magistrales de Matthew McConaughey y Jared Leto, quienes alcanzan el máximo nivel de compromiso posible con sus personajes y lo manifiestan físicamente. Este último dato no es menor, porque la transformación física que llevaron a cabo ambos los torna irreconocibles, y por ende, más verosímiles en sus respectivos papeles.

Dallas Buyers Club es una historia desgraciada narrada desde un ángulo optimista. Está plagada de mensajes antropológicos, y aun así, la sutileza de su narración la vuelve sumamente amena a los ojos del espectador. También está muy bien dirigida y en especial, soberbiamente actuada. Un drama que vale la pena ver, sin tener que escurrir lágrimas.
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CRÍTICA - CINE - Rush

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Director: Ron Howard.
Duración: 123 minutos.
Casting: Daniel Brühl, Chris Hemsworth y Olivia Wilde.

8/10 - Muy buena

Crónica de una peligrosa rivalidad.


No ser aficionado al automovilismo no presenta mayores inconvenientes a la hora de ver Rush, porque no se trata de una película exclusivamente realizada para los fanáticos de la F1, sino que cuenta una interesante historia verídica que trasciende los límites de lo contextual.

Rush relata la rivalidad de dos eximios pilotos automovilísticos que han arriesgado todo por la competencia, y su director, Ron Howard, lo hace con un sólido despliegue cinematográfico. La fotografía y la edición de la película son espectaculares, e incluso aquellos que no disfruten de las carreras de autos, no podrán menos que asombrarse con el realismo alcanzado en sus imágenes.

El aspecto narrativo de la película, por otro lado, quizás no esté a la altura de su calidad técnica, lo que de ninguna manera quiere decir que sea deficiente, pero Rush es una película que avanza a las zancadas, a veces dejando la sensación de que todo ha sucedido muy rápido. El guion, de cualquier modo, es todo lo bueno que puede ser dada la duración del filme. 2 horas quizás no sean suficientes para desarrollar exhaustivamente a dos protagonistas en forma paralela. Si algo debe destacarse, de hecho, es que a pesar de la restricción de tiempo, el relato logra enfocarse en los detalles más salientes de la historia.

Rush, para los fans de la F1, es una propuesta imperdible. Para el resto de los espectadores, es una muy buena historia de la vida real llevada a la pantalla en forma impecable. Con media hora más de cinta invertida en las historias personales de los protagonistas sería excepcional, pero el tiempo es tirano y los productores de Hollywood odian las películas largas…


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CRÍTICA - CINE - All is lost

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Director: J.C. Chandor.
Duración: 106 minutos.
Casting: Robert Redford.

8/10 - Muy Buena

No todo está perdido...


Afirmar que All is lost es un película sin diálogo es pecar de escueto. Lo más preciso sería describirla como una propuesta cinematográfica en la que se pronuncian apenas medio centenar de palabras en casi dos horas de duración. Algo poco frecuente en la industria del cine.

Robert Redford encarna a un veterano y aguerrido timonel desprovisto de suerte en alta mar, quien literalmente contra viento y marea lucha por su vida hasta las últimas consecuencias.

Sería de esperar que una entrega del tipo fuera una sucesión ininterrumpida de secuencias interminables, y sin embargo, la experiencia es diametralmente opuesta. Con planos cortos y dinámicos, la historia transcurre a ritmo trepidante, sumergiendo al espectador en sus aguas bravas. Es un relato intenso y progresivamente desgarrador, que alcanza niveles de dramatismo inusuales en la pantalla grande.

Algunos dirán que solo se trata de una crónica náufraga más, mientras que otros la considerarán una joya de la supervivencia náutica. Cualquiera fuera el caso, un dato fehaciente sale a la superficie de tan soberbia narración: en Hollywood, y muy a pesar del título que le da nombre al filme, no todo está perdido.




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